Le Pavillon des hommes, le petit guide (II-2)

Avec la sortie du tome 16 du Pavillon des hommes, il est plus que temps de reprendre le dossier et de proposer la deuxième partie de la dernière partie. Outre les résumés des volumes 8 à 15, et pour agrémenter le billet, vous pouvez trouver ci-après une galerie d’illustrations couleurs proposées au début de chaque livre, histoire de vous donner envie de vous (re)plonger dans cette excellente série, une des meilleures qui ait pu être publiée au Japon.

Mais avant d’attaquer les résumés, voici un rappel concernant les shoguns des volumes 8 à 16.

Volume 8

Dans ce volume, Fumi Yoshinaga remet les gens du peuple à l’honneur avec le personnage du cuisinier. Celui-ci se heurte à un plafond de verre ; est-ce pourtant sa faute s’il n’est qu’un homme ? Ainsi, sa patronne lui annonce que, malgré son talent, il ne pourra pas davantage progresser dans sa carrière, en raison de son sexe. Quel sentiment de révolte chez nous de voir ce cuisinier si talentueux renvoyé à sa condition masculine. En guise de consolation, ce personnage permet à la mangaka de détailler divers plats, avec les ingrédients, la cuisson, les sauces…

Du côté du shogunat, Yoshimune fait face à un problème de succession. L’aînée de ses trois filles, supposée être l’héritière officielle, est handicapée. Elle ne contrôle pas son corps et elle est laide. Toutefois elle n’est pas intellectuellement affectée par son handicap, loin de là, comprend-on. Plus tard, elle deviendra d’ailleurs shogun sous le nom de Tokugawa Ieshige. Par ailleurs, Fumi Yoshinaga profite de ce huitième tome pour présenter sa servante, un personnage de l’ombre qui deviendra un important conseiller du bafuku.

L’intrigue amorcée dans le septième volume (comment endiguer de la variole du tengu), reprend sur la fin du volume. Oubliée un temps, l’épidémie revient donc sur le devant de la scène. Mais maintenant, il y a de l’espoir. Fumi Yoshinaga évoque ici le développement de la médecine hollandaise au Japon, qui prend de plus en plus d’importance face à l’école chinoise. La fin du tome introduit donc deux personnages, celui que l’on voit en couverture de ce huitième opus, mais aussi son compagnon de voyage, visible sur le tome suivant. La guérison pointe le bout de son nez !

Volume 9

Tokugawa Ieharu devient shogun suite à la décision d’Ieshige, sa mère, de quitter ses fonctions pour se retirer de la vie politique. Malgré son jeune âge, la nouvelle dirigeante du shogunat impose à ses subordonnées ses volontés, à commencer par celle de trouver un remède à la variole du tengu.

Aonuma, originaire de Nagasaki, fils d’une courtisane et d’un Hollandais, a pris la fonction de scribe au Pavillon. Cependant, il est là pour enseigner la médecine hollandaise tout en faisant des recherches sur la variole du tengu, ce qui ne plait pas aux médecins installés, versés dans les techniques chinoises et refusant les apports occidentaux. Il faut dire qu’il est impossible de ne pas remarquer Aonuma, étant donné sa taille et la couleur de ses cheveux. De plus, il a hérité des yeux bleus de son père. Ainsi, il incarne l’étranger dans toute son horreur ! Pire encore, il démontre à longueur de temps ses compétences de médecin.

Gennai est à la fois samouraï sans maître, savant, inventeur et écrivain, sans oublier qu’il s’agit d’un « coureur de jupons » qui plait à de nombreuses femmes. Il parcourt le Japon afin d’accumuler des informations sur la variole du tengu qu’il rapporte ensuite à Aonuma, qu’il a connu à Nagasaki. Pourtant, c’est en réalité une femme qui se fait passer pour un homme, et qui ne le cache pas. Comme en plus il s’agit de quelqu’un qui n’a pas sa langue dans sa poche, nous avons là un sacré personnage.

Cependant, voir au Pavillon un demi-étranger et une femme travestie n’est pas sans causer quelques résistances, pour ne pas dire d’inimitiés féroces notamment de la part de Munetake qui n’a jamais supporté de voir Ieshige, sa sœur ainée, devenir shogun alors qu’elle même le méritait bien plus. De plus, elle ne supporte pas cette ouverture envers l’Occident, qui, pour elle, remet en cause les fondements du bafuku.

Volume 10

À la recherche d’une variante moins mortelle de la variole du tengu pouvant servir de base à un vaccin, Gennai, pourtant atteinte d’une maladie mortelle et incurable suite à un viol organisé par une ancienne amante et une puissante inconnue, continue à parcourir le Japon en long et en large. Pendant ce temps, Aonuma continue ses recherches, aidé par Iyokichi et quelques autres personnes. Ce dernier, quoiqu’un peu trop âgé, est le premier Japonais à servir de cobaye.

Cependant, une faction conservatrice qui voit « d’un mauvais œil cette invasion de pensées hollandaises », complote dans l’ombre. À force de répandre mensonges et calomnies dans Edo, elle est en position de profiter des différentes catastrophes naturelles qui ont frappées la ville, semant mort et désolation. Ayant réussi à déstabiliser le shogun à force d’assassinats et de complots, cette faction arrive à atteindre le but recherché : prendre le pouvoir. Cerise sur le gâteau, elle réussit aussi à obtenir la vie d’Aonuma mais celui-ci a eu le temps de mettre au point un vaccin contre la variole du tengu et à prouver son efficacité.

Volume 11

Ienari, un homme, est le onzième shogun (après plus de cent trente années de femmes au sommet du pouvoir). Sous son règne, la société japonaise va reculer d’au moins cinquante ans, principalement à cause des mauvaises décisions de Dame Harasuda, sa mère. Celle-ci pense plus au pouvoir qu’elle exerce à travers son fils qui est entièrement sous sa coupe qu’au shogunat et à l’amélioration de la vie quotidienne de ses sujets.

Traditionaliste, pour ne pas dire rétrograde, elle ne supporte pas l’existence des étrangers et c’est ainsi qu’enseigner la médecine hollandaise n’est plus autorisé, que le vaccin contre la variole du tengu n’est plus administré aux jeunes garçons. Pourtant, elle en avait fait bénéficier Ienari lorsqu’il était enfant. Il faut dire que ce danger qui pèse sur toute progéniture masculine est un bon outil de pouvoir et permet maintenir une certaine mainmise sur la société japonaise, notamment sur les provinces.

C’est ainsi que le Pavillon est interdit aux hommes, il n’y a plus que des femmes qui sont là pour se faire « féconder » par Ienari, devenu un simple reproducteur, comme le serait un étalon. Mal géré, le bakufu se retrouve à nouveau ruiné. Pire, en ayant chassé les Hollandais et leur puissante flotte commerciale, le Japon n’est plus protégé des autres puissances occidentales.

Volume 12

Ienari, s’opposant à sa mère pour la première fois de sa vie (ce ne sera pas la dernière), veut propager le vaccin contre la variole du tengu, se souvenant que lui en a bénéficié lorsqu’il était enfant, ce qui lui a vraisemblablement sauvé la vie.

Du coup, Kuroki, un ancien disciple d’Aonuma, qui continue à pratiquer la médecine hollandaise dans son dispensaire, est pressenti pour reprendre les recherches là où elles avaient été s’étaient arrêtées afin de mettre en place une solution que l’on pourrait déployer à large échelle. Recruté par le bafuku à l’insu de Dame Harasuda, Kuroki rejoint le bureau d’Astronomie où il travaille avec Yageyasu Takahashi, une des rares femmes scientifiques exerçant au Japon.

Surtout, une nouvelle épidémie de la variole du tengu comme le Japon n’en avait pas connu depuis vingt ans, se met à faire des ravages dans l’ensemble des provinces. Ienari a enfin la possibilité de généraliser le vaccin et de tenir tête à sa mère. Celle-ci, bien qu’ayant plus ou moins abandonné le pouvoir à ses conseillères pour se consacrer aux plaisirs terrestres malgré un âge assez avancé, ne supporte pas qu’on contrevienne ainsi à sa volonté. Pour éliminer toute opposition ou résistance, elle ne connait qu’un moyen, l’empoisonnement. Malheureusement (ou heureusement pour les Tokugawa), sa tentative pour se débarrasser de son fils va se retourner contre elle.

Volume 13

La variole du tengu ayant été vaincue, le nombre d’homme dans la société japonaise est remonté en flèche. Ienari, atteint de misogynie sur ses vieux jours, en a profité pour rétablir la primogéniture masculine dans la succession au sein du bafuku et redonné aux hommes le pouvoir de chef de famille.

Cependant, en plus d’un siècle de domination politique féminine, les mentalités ont du mal à évoluer, même pour en revenir à une situation passée. Dans certains fiefs et même au sein du bafuku, les femmes n’ont pas encore dit leur dernier mot et certaines possèdent toujours le pouvoir, même s’il se fait plus dans l’ombre.

Pendant ce temps, le Japon apprend que l’empire des Quing a été vaincu par l’Angleterre. Les Occidentaux ne seront peut-être pas chassés aussi facilement que le pense certains, à commencer par Nariaki, de la branche Mito des Tokugawa. De plus, l’actuel shogun, Ieyoshi, n’a pas les capacités (c’est le moins que l’on puisse dire) pour gérer une crise qui va forcément arriver, provoquée par des puissances étrangères de plus en plus pressantes. Il est donc nécessaire qu’il laisse la place à quelqu’un de plus compétent.

Volume 14

Tokugawa Iesada est la nouvelle shogun, la treizième. Après une interruption qui aura vu le retour des hommes au pouvoir et qui aura durée cinquante-six années suite à l’éradication de la variole du tengu, voilà le retour d’une femme au plus haut sommet de l’Etat, ce qui ne s’est pas fait sans mal tant les mentalités ont vite évoluées. En effet, nombreux sont ceux qui pensent que si le Japon a pris du retard sur l’Occident, cela est dû aux femmes qui n’ont pas su gouverner pendant la période de la variole du tengu et que leur infériorité « naturelle » est la cause du désavantage militaire du Japon par rapport aux USA ou à l’Europe.

Les dossiers qu’Iesada a à gérer son nombreux (la présence de plus en plus pressante des étrangers, une épidémie de choléra que ceux-ci ont amené de l’Occident, son incapacité à avoir un enfant, etc.) et la plupart engagent la survie même du clan, à commencer par la nécessité d’avoir une descendance. Sire Tadasumi, un samouraï de Satsuma, est choisi pour devenir l’époux du shogun afin de lui permettre d’avoir des enfants.  Il n’imagine pas un seul instant qu’il va avoir affaire à une jeune femme traumatisée par les abus sexuels qu’elle a subi lorsque son père était au pouvoir. En effet, celle-ci va devoir lutter contre ses démons pour pouvoir répondre aux attentes placées en elle. Heureusement, Tadasumi, samouraï venu de l’extérieur du Pavillon, se révèle être à la fois très beau, intelligent et compréhensif.

Il lui faudra user de toutes ses qualités pour réussir à survivre entre les factions opposées, certains daimyô étant pour l’ouverture, d’autres étant partisans de l’expulsion des étrangers. Le choix est crucial, le consul américain Harris s’étant installé à Shimoda sur la péninsule d’Isu. Toutefois, cette lutte n’est-elle pas un peu vaine, du moins de notre point de vue, en sachant qu’il ne reste plus que deux shoguns et une douzaine d’années à couvrir avant l’arrivée de l’ère Meiji et la disparition du bafuku qui avait été mis en place en 1603.

Volume 15

Iesada Tokugawa étant de constitution fragile, elle tente d’organiser sa succession, désespérant d’avoir un fils qui pourrait lui succéder, voire une fille. Pourtant, elle est enceinte mais les chances d’arriver à terme, voire de survivre à cette épreuve sont minces. Elle choisit donc comme successeur potentiel la jeune princesse Tomiko de la branche des Kishû. Cependant, elle l’a fait au détriment de sire Yoshinobu, un jeune samouraï très doué poussé par la branche Mito des Tokugawa et qui est persuadé que le pouvoir lui revient de droit.

De plus, la possibilité qu’Iesada réussisse à enfanter le prochain shogun n’enchante pas Ii Naosuke, le Grand Conseiller, qui risquerait ainsi de perdre la main sur la maison shogunale. Les divisions internes sont donc plus que jamais exacerbées alors que le Japon est de plus en plus sous la pression des Américains qui veulent conclurent un traité d’amitié et de commerce, à leur avantage, bien entendu… La négociation est rendue encore plus difficile par le refus impérial de conclure tout accord avec les étrangers. Pourtant, il est indispensable pour le Japon de se prémunir des visées colonialistes de l’Angleterre ou de la France, deux nations de plus en plus présentes en Asie. Le traité est donc signé sans l’approbation de l’empereur, ce qui n’est pas causer des remous, d’autant plus qu’Iesada est morte pendant sa grossesse, peut-être empoisonnée, mais par qui ?

Le bafuku se retrouve plus que jamais fragilisé au profit du pouvoir impérial, et ce n’est pas en se vengeant du fief de Mito qui tentait d’influencer la noblesse impériale et en faisant régner la peur qu’une solution pérenne peut être trouvée. Ce sera la tâche du nouveau shogun, Tomiko devenant Tokugawa Iemochi. Et pour aider à la réconciliation des factions anti et pro ouverture du Japon aux étrangers, elle va avoir pour époux un prince de la cour impériale : Kazumomiya.

Le résumé du huitième tome a été originellement rédigé par a-yin à qui j’adresse mes plus grands remerciements.

Le phénomène manga (2ème partie)

Si les éditeurs japonais n’ont pas eu l’idée d’exporter le manga dans le monde entier (le marché de la bande dessinée japonaise est largement supérieur à l’ensemble des marchés des bandes dessinées du reste du monde, États-Unis et Francophonie compris), l’intérêt porté par certaines personnes en Occident ont fini par les convaincre du potentiel commercial du manga à l’international, et ce, sous toutes ses formes.

Pourtant, la France est restée longtemps réfractaire au manga et le mouvement est venu plutôt de Suisse, d’Amérique, d’Italie et d’Espagne.

Des débuts laborieux

La première incursion du manga en Europe s’est faite par le biais de la Suisse, plus précisément grâce à un Japonais qui a émigré à Genève : Atos Takemoto, comme cela nous l’a été rappelé en 2018 lors de deux excellentes tables rondes sur les « 30 ans de manga en France », la première étant donnée en janvier au Festival d’Angoulême, la seconde en décembre à la MCJP.

Aidé par un éditeur activiste, Rolf Kesselring, libraire et éditeur à Yverdon (au Nord de Lausanne), Atos Takemoto fonde la revue Le Cri qui tue en 1978 (qui s’arrêtera en 1981 après 6 numéros). Il a fait ainsi découvrir en version française des auteurs majeurs comme Takao Saito, Shôtaro Ishinomori, Yoshihiro Tatsumi et Osamu Tezuka. Kesselring a même édité une histoire de Sabu & Itchi (actuellement disponible dans l’intégrale parue chez Kana) en 1979 : Le Vent du nord est comme le hennissement d’un cheval noir. Il s’agit du premier manga publié en français sous forme de livre relié. Cependant, cette première tentative se révèle être un échec et ne connait pas de suite. En 1983, l’éditeur alternatif Artefact publie Hiroshima de Yoshihiro Tatsumi (disponible dans l’intégrale consacrée à l’auteur éditée par Cornélius), mais là aussi, c’est sans lendemain.

Il y a plusieurs raisons à ces différents échecs. Il est possible de penser que le protectionnisme français envers toute bande dessinée qui n’était pas française (même la BD belge était en butte avec des tracasseries administratives françaises) se combinait au conservatisme des journalistes (spécialisés ou non) de l’époque qui ne juraient que par la bande dessinée de leur jeunesse. Pour un Thierry Groensteen curieux et même auteur d’une excellente introduction au manga en 1993, combien à l’esprit totalement fermé à ce qu’ils ne connaissaient / comprenaient pas ? De plus, le public visé n’était pas le bon, il aurait fallu viser un public plus jeune, comme cela s’est fait avec les animés et donc proposer du shônen et non du seinen. Après tout, le manga est avant tout, y compris au Japon, destiné aux jeunes.

La déferlante des animés

Le Roi Léo a été le premier dessin animé japonais à être diffusé en France en 1972 (puis rediffusé en 1976 sur TF1). Cependant, la déferlante arrive avec Récré A2 qui propose à partir de juillet 1978 Goldorak puis Candy Candy à partir de septembre 1978. Ensuite, viendront les années 1980 avec Albator, Cobra, Lady Oscar, etc. Le Club Dorothée débute en 1987 sur TF1 après que Dorothée soit partie de la deuxième chaine vers la première. C’est dans ce programme qu’Astro le petit robot (1988), Les Chevaliers du Zodiaque (1988), Dragon Ball (1988), Galaxy Express (1988), Ken le survivant (1989), etc. sont diffusés pour la première fois en France.

Derrière Le Club Dorothée, on trouve AB Production (société productrice de Dorothée depuis la fin des années 1970) qui se constitue au fil des ans un catalogue très important de séries japonaises. Tout est bon à prendre à l’époque, sans trop se poser de question. On retrouve par la suite (entre 1991 et 1992) ce catalogue dans feue La Cinq (qui s’était constituée son propre catalogue d’animés à partir de 1987) puis sur le câble et le satellite via la chaine AB Cartoons à partir de 1996. C’est ainsi que plusieurs générations d’enfants vont être nourries par les animés.

Ce phénomène des dessins animés japonais sur les chaines de télévision va déboucher sur une diabolisation du manga en général, notamment par deux textes qui ont eu une réelle influence sur la perception du manga par le grand public, mais aussi par les journalistes et critiques, spécialisés ou non. En 1989 parait le fameux livre de Ségolène Royal : Le Ras-le-bol des bébés zappeurs. Cet ouvrage a stigmatisé la qualité médiocre, la violence gratuite et le marketing agressif des dessins animés japonais, et par extension du manga papier, qui pour être des réalités, ignore totalement certains faits.

En effet, la qualité médiocre des animés a une explication historique et économique liée à la notion d’animation limitée inventée aux Etats-Unis dans les années 1950 et portée à un niveau inégalé au Japon, notamment avec les premières séries d’animation de Tezuka Productions. La violence est liée à une certaine inadéquation entre le public visé sur les télévisions françaises et les séries diffusées. On peut penser tout particulièrement à Ken le survivant. C’est oublier aussi que les programmes pour enfants diffusés auparavant étaient particulièrement lénifiants et peu intéressants passé un certain âge. C’est oublier aussi l’origine des animés : le Japon où la violence n’est pas perçue ou traitée comme en Occident. Enfin, le marketing agressif était celui des chaines françaises, de TF1, de La Cinq et d’AB Production. Rappelons que les éditeurs japonais n’étaient pas particulièrement vendeurs à l’époque.

En 1996, Le Monde diplomatique publie un article de Pascal Lardellier, « Ce que nous disent les mangas… », qui stigmatise plus précisément la production imprimée pour y voir une invasion culturelle, un péril commercial lié au comportement des éditeurs japonais qui veulent envahir le monde par le biais du soft power. Il reprend à cette occasion largement l’argumentaire de Ségolène Royal : l’ultra violence, le dessin simpliste et la puissance d’une industrie du divertissement. De la part d’un universitaire, un tel travail est inadmissible d’ignorance et de désinformation. Pourtant, L’univers des mangas : Une introduction à la bande dessinée japonaise de Thierry Groensteen était passé par là, entre sa première édition en 1993 et sa réédition augmentée en parue en 1996.

Mais peut-être que ce qui explique le texte indigent de Pascal Lardellier est l’arrivée en France en 1990 d’une bombe dessinée : Akira de Katsuhiro Ôtomo !

1990-93, années charnières

Akira est le premier succès (plus ou moins) grand public en France. Ceci dit, cela n’a pas été immédiat, il a fallu que Glénat insiste et bénéficie de l’engouement pour le titre provoqué par la sortie du film d’animation dans les cinémas français en mai 1991.

La série a tout d’abord été publiée en fascicule par le biais de la distribution presse (en kiosque, donc) entre mars 1990 et février 1992. Elle était réalisée à partir d’une version américaine (c’est-à-dire inversée et colorisée). Ensuite, Glénat l’a sortie en version reliée à partir de janvier 1991 dans les librairies spécialisées. La série totalise ainsi 14 tomes en couleur, sens de lecture occidental (les planches sont retournées) et avec des couvertures cartonnées (31 tomes pour la version brochée diffusée en presse, interrompue avant la fin).

Devenue une série culte, Akira est rééditée en version N&B et mais toujours en sens de lecture occidental entre 1999 et 2000, cette fois en 6 volumes épais bénéficiant d’une nouvelle traduction, réalisée à partir du japonais. Enfin, entre 2016 et 2019 (il a fallu être patient), l’éditeur grenoblois a réédité une nouvelle fois la série en N&B mais dans le sens de lecture original.

Il faut savoir qu’au Japon, Akira, grâce à ses qualités graphiques et narratives, a aussi été à l’origine d’un choc et a permis au manga d’évoluer, de se renouveler profondément, ce qui en fait, là aussi, une œuvre culte.

Ensuite, en France, c’est ce même système avec une sorte de prépublication en kiosque avant une sortie en volume relié qui est appliqué à Dragon Ball. Le premier demi-tome sort en presse en février 1993. Le premier tome relié sort en librairie BD en mai 1993. Elle est aussi en sens de lecture occidental, comme tous les mangas édités par Glénat, mais reste en N&B. Le succès est très rapide, sauvant ainsi commercialement l’éditeur grenoblois qui n’était pas, à ce qu’on dit, à son meilleur économique à l’époque. Le phénomène manga était lancé !

Le phénomène Tonkam

Ou plutôt le phénomène Dominique Véret !

Tonkam, à l’origine une librairie située dans le 12e arrondissement de Paris spécialisée dans l’import de la culture pop japonaise, est devenu un éditeur de manga en 1994. Cependant, à la différence de Glénat ou un peu plus tard de Kana puis de J’AI LU, ne propose pas des titres dont la notoriété reposait sur une diffusion télévisuelle de son adaptation en animé. Les premières séries japonaises publiées par Glénat sont Dragon Ball (1993), Ranma ½ (1994) et Sailor Moon (1994). Kana se lance dans le manga (après avoir débuté avec du simili-manga coréen) avec Les Chevaliers du Zodiaque (et l’interminable Détective Conan). De plus, Tonkam publie dès le début (sauf exceptions pour les titres emblématiques de Tezuka) en sens original, sans retournement des planches.

Par exemple, Tonkam a été le premier éditeur à proposer une comédie romantique shônen avec Vidéo Girl Ai de Masakazu Katsura. Mais surtout, il a fait découvrir au public francophone les shôjo manga des CLAMP avec RG Veda (1995) et Tokyo Babylon (1996). Il s’agit là de titres reposant sur l’ésotérisme et le fantastique japonais et qui propose un dessin et une narration différente de ce qu’il était possible de lire à l’époque. Certes, ce ne sont pas les premiers shôjo proposés en langues françaises puisque Candy Candy et Sailor Moon étaient déjà sorti en version reliée. Il faut dire que Dominique Véret a toujours voulu faire découvrir la culture japonaise, notamment fantastique et spirituelle.

C’est aussi Dominique Véret, cette fois chez Akata qui dirigeait alors la collection manga des Editions Delcourt, qui a montré que les mangas à destination des filles pouvaient être de gros succès commerciaux grâce à Nana d’Ai Yazawa et Fruit Basket de Natsuki Takaya. Il a ainsi aidé au développement d’une littérature BD à destination d’un public féminin, très largement ignoré jusqu’ici par la bande dessinée franco-belge.

Le phénomène Naruto

Naruto a été publié par Kana entre mars 2002 et novembre 2014. Il s’agit d’un gros succès commercial qui totalise plus de 12 millions d’exemplaires vendus en francophonie.

Il est emblématique de la façon dont se font les ventes d’un titre à succès. Il faut généralement une à deux années pour que le titre s’installe. Ensuite, s’il bénéficie d’un effet de mode qui se développe généralement dans les collèges, souvent souvenu par la diffusion à la télévision d’un animé, cela va permettre au titre un décollage vertigineux des ventes. Il devient ainsi un phénomène commercial. Ensuite, un pic est atteint et la série n’arrive plus à recruter suffisamment de nouveaux lecteurs pour compenser l’érosion habituelle des ventes (un phénomène de pertes de lecteurs qui s’amplifie à chaque nouvelle sortie).

La sortie de Boruto a permis à Naruto de ne pas disparaitre dans les limbes de l’histoire, à l’instar Dragon Ball qui a bénéficié des déclinaisons « Z », « GT » et « Super ».

La relève One Piece

One Piece est un cas intéressant. Il est sorti avant Naruto (en septembre 2000) mais n’a réellement connu un grand succès en France qu’après la fin de de la série au petit ninja orange.

Il s’agit actuellement de la série qui connait les meilleures ventes. Elle est toujours en cours au Japon et représente le manga au plus gros succès commercial de tous les temps, même si la série voit ses ventes décliner depuis quelques années après avoir connu au Japon des tirages supérieurs à 4 millions d’exemplaires pour chaque nouveau tome. D’ailleurs, toujours au Japon, One Piece a toujours eu un plus grand succès que Naruto, de loin.

Les petits nouveaux

Actuellement, les titres les plus à la mode en Francophonie sont My Hero Academia, la nouvelle version de Dragon Ball, intitulée « Super », et The Promised Neverland. Il s’agit dans ces trois cas de shônen, tous issus du Weekly Shonen Jump, comme d’habitude.

Cela montre que le manga, que ça soit au Japon (la source d’approvisionnement) ou en francophonie, a réussi à se renouveler et que la crise du début des années 2010 n’est plus qu’un mauvais souvenir. Du moins, jusqu’à la prochaine chute des ventes…

Le phénomène manga (1ère partie)

La première édition du Festival Cherisy Manga a eu lieu ce dimanche 6 octobre. J’y ai donné une conférence intitulée Le phénomène manga au Japon et en France dont je vous propose ici la première partie (Japon) :

Le phénomène manga, au Japon, date de l’après seconde guerre mondiale même si la bande dessinée japonaise existe depuis le début du 20e siècle. Apparu durant les années 1950, le manga que l’on pourrait qualifier de moderne s’est développé dans les décennies suivantes, atteignant son apogée au mitan des années 1990. La Francophonie (France, Suisse, Belgique principalement) l’a découvert dans les années 1970 par le biais des dessins animés diffusés à la télévision, puis à partir des années 1990 en version papier avec Akira puis Dragon Ball.

Qu’est-ce que le manga ?

Pour les puristes francophones, le manga est le terme désignant la bande dessinée d’origine japonaise, tout comme comics désigne la BD américaine, les fumetti, celle venue d’Italie, etc. Pour le grand public, le manga est surtout représenté par les séries animées d’origine japonaises passant à la télévision, bien plus que par la bande dessinée, largement moins connue.

Au Japon, le terme manga représente, là aussi, plus que la bande dessinée, alors que cette dernière est très présente dans le quotidien des Japonais. D’ailleurs, pour parler de BD, les Japonais utilisent plutôt le terme de komikku (comic), emprunté aux américains. En fait, on pourrait parler ici d’univers manga, voire de culture manga, même si le terme ici recouvre un nombre important de situations et d’œuvres très différentes. Par exemple, pour parler des séries d’animation, le terme est plutôt terebi manga (manga TV) (même si c’est moins vrai depuis quelques années) qu’anime (son équivalent occidental).

De la bande dessinée…

Pour nous, le manga est donc de la bande dessinée, mais tout en gardant en tête qu’il s’agit d’un phénomène qui dépasse ce cadre strict. Avant de développer ce point, voyons ce qu’est plus précisément le manga au Japon.

Si la bande dessinée est née au début du XXe siècle au Japon par le biais des journaux satiriques et des caricatures, c’est dans les années 1910 que le manga s’est développé petit à petit dans les magazines destinés à la jeunesse. Après-guerre, dans la région d’Osaka, le manga s’est développé sous la forme de petits livres peu chers (les akahon) en réaction des magazines de la capitale, jugée hors de prix pour la plupart des enfants à une époque où le Japon se remettait difficilement des destructions et de la ruine. C’est dans ce cadre qu’Osamu Tezuka, appelé le dieu du manga, a commencé en 1947 sa carrière qui allait l’amener révolutionner le genre. Avec le boom économique des années 1950, les Japonais ont eu les moyens d’acheter les magazines, ceux-ci se sont développés, certains sont passés hebdomadaires et c’est toute une économie du divertissement qui s’est mise ainsi en place.

Actuellement, au pays du Soleil-Levant, la bande dessinée (hors des publications dans la presse) est d’abord prépubliée dans des magazines spécialisés (appelés mangashi). Ce sont des périodiques (hebdomadaires, bimensuels, mensuels, semestriels ou annuels, etc.) qui ressemblent pour la plupart (surtout les hebdomadaires) à de gros bottins contenant un certain nombre d’histoires différentes découpées en chapitre, chaque numéro du magazine proposant un nouveau chapitre à la fois. Les auteurs doivent ainsi rendre 16 planches toutes les semaines (pour un hebdo) ou 40 à 60 planches tous les mois (pour un mensuel). Une fois qu’il y a assez de chapitres, ceux-ci sont publiés sous forme de livre au format poche, c’est-à-dire en volume reliés comptant entre 160 et 210 pages.

Il existe de nombreux magazines de prépublication, même si ceux-ci ont tendance, ces dernières années, à disparaitre sous forme papier pour se retrouver uniquement sur le web ou sur téléphone portable. En effet, la prépublication papier est en crise depuis de nombreuses années, même si la situation s’est un peu stabilisée récemment. Ces magazines visent tous une cible précise, segmentée pour un public essentiellement masculin ou essentiellement féminin, définie notamment par son lectorat ou par son genre (exemples : mangas de mah-jong, mangas sur l’univers Gundam). C’est ainsi qu’on va pouvoir faire une classification que l’on retrouve dans les grandes lignes en France : le shônen pour les jeunes garçons (pré-ados et ados), shôjo pour les jeunes filles (pré-ados, ados et post ados), le seinen (jeunes adultes, principalement des hommes). Il n’y a pas que ces trois principales catégories, il en existe bien d’autres comme le young, le boys’ love, le komodo, le josei, etc.

En illustration, nous avons ici un numéro du Weekly Shônen Jump, le principal magazine de manga au Japon, dont le tirage a dépassé les 6,5 millions d’exemplaires au milieu des années 1990. Depuis, il est passé sous la barre des 2 millions. Il s’agit du magazine qui propose le plus grand nombre de séries à grand succès commercial. À côté, se trouve la couverture d’un numéro de Betsuma (Bessatsu Margaret), un des principaux magazines shôjo, proposant de nombreuses romances lycéennes (ce qui en fait un peu l’archétype du shôjo à nos yeux). Enfin, le plus à droite, se trouve la couverture d’un numéro du Big Comic Spirit, un des principaux magazines seinen au Japon, qui s’adresse principalement à un public masculin composés d’étudiants ou de salary men. Notez la différence de traitement en ce qui concerne les couvertures de ces trois supports. Concernant Big Comic Spirit, il s’agir là d’une photo assez soft, la plupart du temps, les filles en couverture sont en bikini.

Lorsqu’on parle de lectorat, il faut avoir en tête qu’il s’agit là de cœur de cible, les limites de ces catégories éditoriales sont en réalités assez floues. Des filles ou des adultes peuvent lire du shônen, là où on verra quasiment aucun garçon lire du shôjo (ou l’avouer).  Le lectorat est en réalité plus étendu, et il l’est de plus en plus avec la crise du manga qui sévit depuis plus de dix ans, ce qui a amené la création de magazines de prépublication (souvent uniquement en ligne) multi audience.

…déclinée à l’infini.

Cependant, pour la plupart des gens, le manga n’est pas que de la bande dessinée. Pour le grand public, c’est aussi (et surtout, pour beaucoup) des séries d’animation (les animés) diffusées à la télévision. Quand un manga (papier) rencontre un certain succès, il est souvent adapté en animé qui peut faire une ou deux saisons (ou plus si l’audience est au rendez-vous). Cette adaptation est importante pour les auteurs comme pour les éditeurs du manga originel car, outre des droits d’auteurs, la diffusion à la télévision accroit la notoriété donc l’audience du titre et amplifie ses ventes. C’est un phénomène qu’on ne rencontre pas qu’au Japon. En Occident, c’est la même chose : une série qui passe à la télévision (même par Internet) a de très grandes chances de mieux se vendre sous la forme de livre.

L’exemple montré ici est une des nombreuses déclinaisons de la franchise Dragon Ball. Après la série originale, la Z, la GT, voici la Super. Les plus gros succès commerciaux ont droit à une déclinaison cinématographique (bénéficiant donc d’un budget nettement plus important). Cette adaptation qui est diffusée dans les salles de cinéma est le plus souvent sous la forme d’un film d’animation, mais peut être aussi un fil en prise de vues réelles, avec de véritables acteurs et actrices. Ici, Broly est la dernière production en date, qui est même sortie en France en mars 2019. Le film d’animation peut être aussi produit uniquement pour une diffusion à la télévision (on parle alors d’OAV). L’adaptation peut aussi se faire sous la forme d’une série TV en prises de vues réelles avec de véritables acteurs et actrices. On parle alors de drama.

Une autre déclinaison des mangas qui connaît un succès certain est la figurine. En Occident, on aime beaucoup les figurines, il en est de même au Japon, ce qui fait le bonheur des magasins spécialisés, les marges étant bien meilleures que sur le livre. Elles ont tendance à être plus petites, moins travaillées et surtout moins cher au Japon qu’en France. Il s’agit ici d’une figurine de Sailor Moon, mais il en existe des centaines et des centaines, issues de séries comme Les Chevaliers du zodiaque, Dragon Ball, etc.

Cependant, les produits dérivés sont bien plus variés que cela. Il existe par exemple des bandes dessinées réalisés par des auteur·e·s non professionnel·le·s (il y en a même qui en vivent) qui auto éditent leurs créations qui reprennent l’univers et/ou les personnages de séries à succès. Cette pratique est normalement interdite mais elle est (plus ou moins) tolérée dans les faits. Ces BD sont appelées dojinshi, un phénomène qui s’est développé dans les années 1970 dans les clubs manga des lycées japonais. Les dojinshi ont leurs propres conventions comme le Comiket (le plus grand rassemblement BD au monde) qui se déroule deux fois l’an, ou le Comitia, plus accès sur les créations originales où des éditeurs francophones comme Ki-oon ont l’habitude de prospecter, à la recherche de talents encore inconnus des éditeurs japonais. En France, le phénomène existe aussi, de bien moindre importance), comme on peut le voir en allant dans la partie dédiée au fanzinat de conventions comme Japan Expo ou Yaoi/Yuri Con.

Les séries à succès peuvent être aussi déclinées sous une forme purement littéraire, en romans appelés « light novel », c’est-à-dire proposant une littérature sans grande prétention autre que de distraire. Nous sommes là dans la pure industrie du divertissement. Il s’agit le plus souvent de spin-off, c’est-à-dire des histoires parallèles mettant en scène des personnages plus ou moins secondaires. Néanmoins, il existe des séries qui font le chemin inverse. Des light novels, créations originales ayant rencontré un certain succès public, sont adaptés en manga et même en animés. Il y a même des cas où les trois supports sont prévus dès l’origine afin d’être très présents sur les trois canaux en même temps, renforçant ainsi leur notoriété et leur exposition.

Enfin, les plus grands succès commerciaux trouveront leur Graal en étant adapté en jeu vidéo. Deux des trois principaux fabricants de consoles de jeux vidéo étant japonais, un nombre important de mangas à succès ont eu droit à une adaptation. Bandai est un des éditeurs de référence, un des plus actifs dans le domaine. Dragon Ball, Naruto, One Piece, mais aussi Mobile Suit Gundam, JoJo’s Bizarre Adventure, la liste est longue des adaptations réussies en jeux vidéo, que ce soit sur Super Nintendo ou Playstation.

La liste des produits dérivés est réellement interminable. Ce peut être aussi des jouets ou des jeux de sociétés, des peluches ou des poupées, des goodies sous toutes les formes imaginables (agenda, trousses, cahiers, stylos, cartables, cartes téléphoniques ou de train, vêtements et chapellerie, maroquinerie, et même des préservatifs Sailor Moon en 2016). Il existe aussi des chaines de cafés comme le Gundam Cafe que l’on peut trouver dans les principales villes japonaises. Le centre commercial Diver City à Odaiba accueille même une reproduction d’une armure à l’échelle un depuis 2009 (le modèle a changé en 2017).

Le manga, un renouvellement sans fin ?

Fin 2018, je faisais le bilan BD d’une année qui s’était passée sans enthousiasme excessif. Pratiquement huit mois plus tard, le constat est ambivalent pour le manga. Si mes lectures ont continué à baisser en volume, il y a quatre, voire cinq débuts de série qui ont réussi à m’enthousiasmer. En 2018, il n’y avait eu aucune nouvelle série avec un tome 1 en coup de cœur, en 2017, il y en avait eu trois tout comme en 2014. Sur l’année 2015, il y en avait eu quatre, une en 2013, 2012 et 2011, etc. J’y vois là la preuve d’une certaine capacité de renouvellement du manga. De nouvelles œuvres de bandes dessinées japonaises ont réussi à relancer mon intérêt alors que je pensais en avoir définitivement fait le tour.

Un peu de retour vers le passé

Il faut dire que je suis lecteur de mangas depuis le mitant des années 1990. Déjà, à la fin de ces mêmes années 1990, j’avais déjà plus ou moins abandonné la bande dessinée japonaise. En 2001, je ne lisais plus que Ranma ½ en mode automatique. Puis j’ai découvert début 2002 Maison Ikkoku, autre œuvre, mais en plus adulte, de Rumiko Takahashi, puis Lamu, (la série qui a lancé l’auteure au Japon) et c’était, à l’époque, reparti pour un tour (un gros tour) avec un pic de lectures sur l’année 2010 (entre services de presse et nombreux achats, je lisais 24-25 mangas par mois, de tous les genres et thèmes). Après une perte d’intérêt (partielle) en 2011-2012 avec quand même une dizaine de mangas lus mensuellement en 2012, une remontée d’intérêt les années suivantes, j’ai effectué dernièrement un nouveau décrochage que je pensais définitif. Il faut dire que le premier semestre 2019 a vu se terminer plusieurs séries dont j’étais plutôt friand : Maiwai, Après la pluie, Dorohedoro et Kamakura Diary. Et pourtant…

Le renouvellement

Économiquement, le manga se porte plutôt bien en France depuis de nombreuses années, le trou d’air rencontré entre 2010 et 2014 n’étant plus qu’un mauvais souvenir. La fin de locomotives comme Naruto ou Fairy Tail a été compensée par l’arrivée de nouveaux best-sellers tels que My Hero Academia ou One-Punch Man. Indéniablement, le marché francophone de bande dessinée japonaise a trouvé un « second souffle » alors qu’on pouvait craindre un effondrement comme l’ont connu les USA durant la seconde moitié des années 2000. En ce qui concerne les sorties, elles se sont stabilisées depuis quelques temps à 1600-1700 volumes par an. Néanmoins, ces mangas à succès, des shônen, forcément, ne me concernent pas, n’étant plus client de ce genre depuis de très longtemps. Les seuls mangas destinés à un lectorat jeune et masculin qui pourraient trouver grâce à mes yeux ne seraient pas de gros succès commerciaux, bien au contraire. Par contre, quelques titres que l’on pourrait classer en young seinen ont réussi à m’intéresser tels que Gleipnir ou Time Shadows. N’oublions pas le seinen très shôjo sous bien des aspects (et pour cause), j’ai nommé Le Tigre des neiges. En ce qui me concerne, c’est donc plus dans la diversité des titres proposés en version française qu’il faut rechercher mon renouvellement d’intérêt qui va se concrétiser dans mes achats du mois de septembre où je vais me jeter (plus ou moins rapidement) sur une dizaine de sorties.

La plupart de mes nouvelles lectures sont à mettre à l’actif de Kana, ce qui doit expliquer le recul permanent de l’éditeur bruxellois au niveau de ses parts de marché. En effet, en tant que bon mangaversien, je représente une boussole inversée en ce qui concerne le succès commercial. Ainsi, il existe un adage : « si ça plait à un mangaversien, ça ne va pas se vendre ! ». Mais trêve de pessimisme, laissez-moi vous présenter ces quatre « coups de cœurs » 2019 :

BL Métamorphose

Présentation de l’éditeur : À 75 ans, Yuki vit le quotidien bien réglé d’une grand-mère japonaise, entre mots croisés et cours de calligraphie. En flânant un jour dans une librairie pour fuir la chaleur, elle craque pour un manga, intriguée par sa couverture chatoyante… Ce n’est qu’en rentrant chez elle que Yuki se rend compte qu’elle a fait l’acquisition d’une bande dessinée d’un genre bien particulier : un boy’s love, une romance entre garçons ! L’histoire pourrait s’arrêter là, mais, contre toute attente, notre mamie tombe littéralement sous le charme de ce récit et n’a plus qu’une idée en tête… lire la suite ! C’est la jeune Urara, apprentie libraire et accro au genre, qui va devenir la conseillère de la vieille dame en la matière ! Pour l’adolescente timide et complexée, qui vit sa passion dans le secret, la rencontre avec Yuki va être un véritable déclic. Par-delà les générations, les deux fangirls vont s’ouvrir l’une à l’autre et découvrir les joies d’une amitié hors du commun !

Voilà un excellent premier tome, quoiqu’il se lise très vite (140 pages à 5-6 cases par planche, prépublication Internet oblige, cela fait court à l’arrivée). Les réactions de Yuki et d’Urara sont dépeintes avec bienveillance par Kaori Tsurutani, l’auteure, qui puise dans sa propre expérience pour développer son récit. C’est ainsi que l’asociabilité (relative) d’Urara est dépeinte avec pas mal de subtilité, ainsi que de son désir de nouer des relations avec des personnes partageant sa passion pour le BL. L’intérêt soudain de Yuki pour l’homo-érotisme masculin est totalement vraisemblable et n’est pas un simple artifice de scénario. Une telle maîtrise narrative est remarquable même si la mangaka n’est pas totalement une débutante ayant emporté un prix en 2007, même s’il lui a fallu ensuite une dizaine d’année avant de connaître le succès et une première série longue.

From End

Présentation de l’éditeur : Enseignante au lycée depuis peu, Rui Shinomiya tombe un jour sur une photo précieusement gardée par Rui Hayase, l’un de ses étudiants. Choquée, elle se reconnaît sur le cliché, adolescente, à l’époque où elle était victime d’agressions sexuelles. Le passé qu’elle avait tout fait pour oublier ressurgit brutalement. C’est un nouvel enfer, pavé de chantage et de manipulation, qui commence…

Il s’agit d’un thriller en trois tomes réalisé par Mitsuo Shimokitazawa, une auteure qui a une dizaine d’année de carrière qu’elle a exercée dans plusieurs déclinaisons du magazine Margaret (Shueisha). Cela se voit à son dessin, très typique des mangashi pour filles du célèbre éditeur. Par contre, en ce qui concerne le contenu, il ne va pas falloir s’attendre à de la romance lycéenne (d’où le changement de magazine, je pense). On a du sombre, du sordide, du chantage, du suspense, de la mort qui rôde (et plus). Bref, c’est un sacré thriller (pas seulement) psychologique qui nous est proposé par Kana. Et en trois tomes, je pense qu’on ne va pas s’ennuyer un seul instant et que l’on va trembler pour Rui Shinomiya jusqu’au bout. Surtout que personne ne semble vraiment honnête et on sent que la mort peut survenir à n’importe quel moment, de n’importe qui.

Hi Score Girl

Présentation de l’éditeur : 1991. Haruo est un élève de primaire qui n’a qu’une passion : les jeux vidéo. Il passe la quasi-totalité de son temps libre dans les salles d’arcade à aiguiser sa maîtrise des jeux de combat. Alors qu’il pense être le meilleur dans son domaine, ses certitudes vont voler en éclats le jour où une redoutable adversaire va se dresser contre lui : Akira, la plus brillante et la plus jolie des filles de son école. Déclaration d’amour au rétrogaming, ce récit touchant se joue des idées préconçues pour nous offrir une virée à la fois nostalgique, drôle et référencée dans la scène compétitive vidéoludique des années 1990.

Ce premier tome s’est révélé être excellent alors que le sujet choisi ne promettait rien de bon pour une personne ne s’intéressant pas (ou plus) aux jeux vidéo. D’ailleurs, la plupart des jeux ne me disent rien car j’ai surtout été un joueur sur micro-ordinateurs (C64, Amiga puis PC) et non de jeux vidéo d’arcade (peut-être aussi sont-ils trop « récents » pour moi). Donc, le côté « geek sur le retour » et la nostalgie ne fonctionnent absolument pas pour moi. Néanmoins, nous avons là une histoire à la fois très amusante et attendrissante à de nombreux moments. Certes, il faut savoir dépasser le dessin assez particulier (mais tout à fait réussi). Une fois cette étape franchie, ce n’est que du plaisir de lecture. De plus, vu la façon dont de termine le présent volume, nous ne pouvons que nous demander comment la série va évoluer, ce qui amplifie notre intérêt pour l’histoire.

La voie du tablier

Présentation de l’éditeur : Notre homme est un ancien yakuza devenu homme au foyer… Il se faisait appeler « Tatsu, l’immortel » ! Aujourd’hui, il est l’homme idéal : il prépare des bentos à tomber, il repère les meilleures promotions et il aide même d’anciens collègues (?) dans leur quotidien…Mais malgré son adorable tablier, il ne peut totalement gommer son air patibulaire et son regard de tueur… Pour notre plus grand plaisir !

Encore une série étonnante par ses prémisses improbables. Yakuza et homme au foyer, il fallait oser l’idée ! Le résultat est extrêmement hilarant, notamment le chapitre dédié au robot ménager. Certes, il faut s’habituer aux têtes des personnages, parfois bizarrement dessinées, ainsi qu’au trait un peu particulier de la série (et le détourage des silhouettes), mais une fois ce possible écueil passé, ce n’est que du plaisir à lire les « aventures » de Tatsu. S’il semble sur le forum de Mangaverse que ça ne soit pas le cas pour tout le monde, pour ma part, j’accroche totalement à l’humour et aux chutes décalées de fins de chapitres. Le rythme est soutenu car chaque histoire fait peu de pages et du coup, on ne s’ennuie jamais. Néanmoins, il faudra voir comment l’auteur va réussir à se renouveler dans la durée.

Dorohedoro, c’est clos !

Après seize années de parution (pour la version française), la formidable série Dorohedoro s’est achevée en ce mois de juin 2019 avec son tome 23. Héritage de la reprise des éditions Végétal Manga par l’éditeur toulonnais Soleil Prod, le titre a continué à paraitre malgré quelques vicissitudes, à commencer par de mauvaises ventes qui ont été à l’origine d’un hiatus de deux années entre les tomes 2 et 3 puis entre les tomes 3 et 4. Heureusement, Iker Bilbao (que je remercie une fois de plus), le responsable d’édition du label Soleil Manga, s’est battu pour relancer (notamment en rendant la série à nouveau disponible pour une poignée de nouveaux fans) puis pour continuer sur un rythme plus en adéquation avec les habitudes des lecteurs de bandes dessinées japonaises. C’est ainsi que le public francophone a pu en voir la fin. N’oublions pas qu’au Japon, Dorohedoro a connu deux arrêts de magazines (Ikki puis HiBaNa), ce qui n’a pas non plus aidé la commercialisation de la version francophone.

Dorohedoro 23
Samedi 22 juin : a-yin, Shermane (hors cadre) et moi sommes allés acheter notre tome 23 à la librairie Komikku !
La voici, la fin tant attendue !

Au fait, ça parle de quoi ?

L’univers de Dorohedoro est divisé en deux : tout d’abord, il y a Hole, là où (sur)vivent les humains, dans une société délabrée. En effet, ils sont victimes des mages qui vivent dans une autre dimension et qui viennent s’exercer ou s’amuser à transformer les hommes en diverses choses, selon leur talent magique. Leur pouvoir résulte de leur personnalité et le résultat est souvent imprévisible. Certains peuvent vous transformer en champignons, d’autre vous découper en rondelles sans vous tuer, d’autre encore peuvent vous faire fondre, ou se téléporter, ou vous muter en saurien, en insecte, etc. Des mages, aux pouvoirs très recherchés, peuvent vous soigner et vous restaurer physiquement quelque soit l’importance de vos blessures. Il se dit même que certains mages maitrisent le temps…

Le premier tome de la série commence à Hole où Caïman, un humain (?) dont la tête est celle d’un lézard et qui est amnésique, cherche à tuer tous les mages qu’il rencontre mais seulement après avoir vérifié qu’il ne s’agissait pas de celui qui l’avait transformé. Il est assisté dans sa quête par Nikaido, la tenancière d’un restaurant de gyozas et redoutable combattante. Cependant, à force de tuer des mages alors que ceux-ci ont plus l’habitude d’être des chasseurs que des proies, notre duo attire sur lui l’attention de En, le dirigeant (de fait) du monde des mages. En est un mage surpuissant qui bénéficie de l’aide de Chidamura, le premier et le plus puissant des diables. Ceux-ci sont des anciens mages qui ont réussi à passer un examen après un entrainement très sélectif et réservé aux meilleurs.

En décide alors de mettre deux de ses plus puissants acolytes à la recherche de ces tueurs de mages : Shin (un demi-humain) et Noï. Ce sont deux puissants combattants, aux pouvoirs magiques redoutables. L’affaire devrait être ainsi rondement menée… sauf que Caïman est insensible à la magie. Celle-ci s’exprime sous forme de fumée, une fumée de poudre noire, que peuvent produire tous les mages, la quantité dépendant de leur puissance magique. Il se révèle assez rapidement que Caïman semble lié à une secte, celle des « yeux en croix » qui regroupe des mages minables, ceux incapables de lancer de la fumée. Pour compliquer le tout, En a déjà eu affaire aux étranges pouvoirs du chef des « yeux en croix » et ne s’en est sorti que de justesse il y a de nombreuses années. Il pensait pourtant avoir réussi à s’en débarrasser. Il faut dire que dans un monde où la mort est rarement définitive, aucune victoire ne peut l’être… définitive !

Un univers baroque et très sombre

Q-Hayashida, l’auteure, a un graphisme immédiatement reconnaissable. Il est à la fois lâché et très sombre. Pour Dorohedoro, elle semble aussi avoir été influencée à certains moments par l’artiste suisse H.R. Giger et ses peintures biomécaniques, mais aussi par l’artiste japonais Kenji Yanobe célèbre pour ses sculptures issues d’un univers dystopique. On apprend dans l’entretien (malheureusement assez décevant) paru dans le numéro 5 du magazine ATOM que l’auteure a été marquée par le film Alien et par une exposition dédiée à Giger. En effet, ce sont plus les films, les clips vidéo et les séries TV qui sont ses sources d’inspiration que ses lectures manga (pourtant nombreuses). Cela explique peut-être le dessin personnel (elle n’utilise pas d’assistant) de Q-Hayashida, que l’on ne peut rattacher à tel ou tel courant ou déceler facilement telle ou telle influence (elle n’a jamais été assistante de quiconque). Il s’agit là d’une des trois qualités principales du titre, incontestablement.

Au niveau de la narration et de la mise en page, l’originalité n’est pas de mise, par contre. C’est l’efficacité qui prime. Il est stupéfiant de voir à quel point il est facile de rentrer dans l’histoire, que ce soit avec le premier tome ou avec les volumes suivants, même lorsqu’un certain temps s’est écoulé entre deux sorties. Pourtant, le récit repose sur une double trame narrative. Cette facilité est d’autant surprenante que la mangaka n’a eu que très peu de temps pour livrer les premiers chapitres de Dorohedoro et qu’elle était encore relativement débutante à l’époque avec juste comme expérience une nouvelle (celle de ses débuts professionnels suite à un concours de débutants) intitulée Sofa-chan, et une courte série (Maken X Another), les deux étant paru chez Kodansha. De plus, le scénario n’est pas réellement élaboré à l’avance, Q-Hayashida avoue le concevoir au fur et à mesure de la composition des chapitres.

D’après un entretien disponible en anglais (à l’origine paru au Japon), cette facilité de lecture est surtout due au travail, notamment suite à de nombreux échanges avec son responsable éditorial chez IKKI. Le talent joue aussi, sans le moindre doute, et nous avons là le deuxième point fort de la série. Le troisième est lié aux personnages. Que ce soit les principaux (Caïman, Nikaïdo et Prof Kasukabe d’un côté, En, Shin et Noï de l’autre), ou les secondaires (trop nombreux pour être cités), ils sont tous attachants à leur manière. Il est à noter qu’il n’y a pas réellement de romance, que ça soit entre Caïman et Nikaïdo ou entre Shin et Noï. Q-Hayashida a voulu retrouver la relation qu’avaient les agents Mulder et Scully dans la série X-Files. C’est un peu dommage pour les fans d’histoires de cœur mais c’est tant mieux pour la qualité du récit.

Ce tome 23, il vaut quoi ?

Dans la postface du dernier volume, nous apprenons qu’à un moment, Q-Hayashida avait des difficultés avec la création de sa série et elle avait annoncé qu’elle allait l’achever, ce qui aurait donné un total de 19 volumes. Puis après avoir relu l’ensemble des tomes parus, elle avait retrouvé l’énergie et l’envie de la continuer afin de la conclure de façon satisfaisante. Les lectrices et lecteurs peuvent ressentir cette lassitude puis cette volonté de prolonger l’aventure. Il faut reconnaître que Dorohedoro a perdu petit à petit certaines qualités de ses débuts, notamment la vivacité du récit, et que l’auteure s’est un peu fourvoyée en empruntant certaines voies peu satisfaisantes dans les méandres d’une narration jusqu’ici plutôt fluide.

Il est difficile de situer exactement cette baisse de qualité, surtout que tout le monde ne la placerait pas au même endroit. En ce qui me concerne, le milieu du tome 16 est un marqueur avec l’évolution de Nikaïdo. Il y a un changement de ton qui devient plus grand-guignolesque. De plus, toute la partie dans le grand magasin central est bien trop longue. Un autre changement est assez déplaisant, même si cela n’était pas réellement nouveau (il y avait une courte scène de bain dans le tome 6), Q-Hayashida se met à déshabiller un peu trop souvent son héroïne, de façon assez gratuite. En matière de lenteur, le tome 21 est le pire de la série, tant le délayage y est présent, avec une narration très laborieuse et donc sans rythme. L’avant-dernier volume est toutefois moins mauvais, la mangaka mettant en place les éléments nécessaires à la fin de son histoire.

Heureusement, le dernier opus retrouve en grande partie la facilité de lecture des débuts, un rythme plus soutenu et sa double trame narrative, celle-là même qui était un des points forts de l’histoire. Néanmoins, je trouve qu’il y a deux facilités scénaristiques, des deus ex-machina qui ne sont pas très satisfaisants. Impossible d’en parler ici sans dévoiler la fin, ou plutôt comment l’auteure arrive à sa conclusion, tant celle-ci est prévisible depuis de très nombreux chapitres (depuis le cliffhanger à la fin du tome 18). Néanmoins, la lecture de ces 350 pages est un réel plaisir, et c’est bien là le principal. Une fois Dorohedoro 23 refermé, il ne reste plus qu’à rouvrir le premier tome et relire l’ensemble de la série (ce que je suis en train de faire, pardi) !

Le manfra (4/4)

Voici le dernier texte du cycle de quatre conférences sur le manga donné au C.D.I. du Lycée Jean Monnet entre octobre 2018 et mars 2019, celle-ci étant consacrée à un type de bande dessinée francophone qui ressemble, souvent à s’y méprendre, à son homologue japonaise, c’est-à-dire le manga. Il s’agit d’une version raccourcie de la conférence que j’ai donné au Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême 2019, durant moins d’une heure au lieu de l’heure trente d’origine. Une version complète (et même développée) est prévue pour fin mars sur le site du9.

En effet, cela fait longtemps que des auteur·e·s veulent créer des « mangas à la française ». Dès le milieu des années 1990, on pouvait trouver en kiosque des œuvres ressemblant à la bande dessinée japonaise, malheureusement au graphisme et aux récits non maîtrisés, dans un magazine comme Yoko. Toutefois, ce n’est que récemment que le mouvement a pris de l’ampleur, avec des titres qui trouvent un certain succès public, avec des maisons d’éditions dédiées et donc une professionnalisation des « manfrakas ». C’est à type d’ouvrages que nous allons parler aujourd’hui.

Avant de revenir sur l’histoire de ce que nous appelons ici « manfra » et d’en étudier les différents aspects, il est nécessaire d’en établir une définition, ce qui permet de borner le champ de cette conférence. Pour moi, est du manfra toute œuvre édité originellement en francophonie et qui veut ressembler à du manga, ce qui peut aller jusqu’à l’utilisation d’un sens de lecture de droite à gauche. Il s’agit ici d’écarter les bandes dessinées dites « hybrides » (pour ce que ça peut vouloir signifier) comme L’Immeuble d’en face de Vanyda, La Rose écarlate de Patricia Lyfoung ou L’Extrabouriffante aventure des Super Deltas d’Edouard Court. Par bande dessinée hybride, j’entends les BD qui empruntent différents éléments narratifs aussi bien au manga qu’au Franco-belge (sans oublier les comics) et qui ne sont pas au format « manga ».

Pour cela, nous devons faire ressortir ce qui, pour le grand public, compose les principales caractéristiques du manga. Tout d’abord, c’est le N&B, même s’il existe de nombreuses œuvres en franco-belge ou de comics books qui ne sont pas en couleur et ce, depuis des décennies. Il faut aussi un nombre élevé de pages (environ 200). Ensuite, c’est le format : le manfra, sauf exception, se doit d’être du format B6 (125 × 176 mm), voire A6 (105 × 148 mm), jusqu’au A5 (148 × 210 mm). La présence d’une jaquette est un plus indéniable, tout comme le sens de lecture « à la japonaise ». Voilà pour la forme.

Pour le fond, un graphisme plus ou moins copié des mangas shônen ou des shôjo grand public est plus ou moins inévitable (alors que le manga propose une très grande diversité graphique). C’est ainsi que nous rencontrons surtout un dessin que j’appelle semi-réaliste néoténique (avec des – plus ou moins – grands yeux) ou alors comique de type SD (Super Déformé). La narration, grâce à la pagination de l’ouvrage, est aussi d’inspiration manga, c’est-à-dire avec peu d’ellipses et la présence régulière d’enchainements de point de vue à point de vue (d’après l’analyse de Scott Mc Cloud).

Il y a donc une volonté manifeste des auteur·e·s de faire du manfra. Cependant, il semble que nombre de manfras n’arrivent pas à de débarrasser d’une certaine tendance à être trop verbeux. Outre l’influence des bandes dessinées dites « classiques », il y a la nécessité de faire passer un certain nombre d’informations en relativement peu de pages, car les séries font rarement plus de trois ou quatre tomes.

Enfin, il faut aussi la volonté de l’éditeur d’utiliser (au moins en partie) le canal de diffusion des mangas pour vendre ses manfras (diffuseur-distributeur / communication / disponibilité en rayon spécialisé). Ce dernier point est important. Si la prépublication dans une revue spécialisée (papier) ou sur un site web n’est pas indispensable, il faut une démarche « professionnelle » et commerciale effectuée par une structure éditoriale. Néanmoins, il y a toujours des cas discutables. Par exemple, je considère que Cédric Tchao fait du manfra même si Le Grand pélican a été commercialisé par un éditeur généraliste. Cependant, on se situe là aux limites de la présente définition.

J’ai ainsi écarté de ma définition du manfra les œuvres que l’on peut trouver dans le domaine du yaoi car si de nombreuses publications sont créées par des auteur·e·s francophones, comme on peut le constater lorsqu’on va à la convention Y/CON, il s’agit quasi-exclusivement d’autoédition ou de structures non-professionnelles. De plus, il s’agit d’un « monde » qui mérite un thème dédié (d’ailleurs abordé dans un des numéros de la revue Manga 10 000 images).

Intéressons-nous maintenant à la jeune histoire du manfra. On en trouve les prémisses dans les années 1990 (juillet 1994 pour être précis) dans les petits suppléments de Kameha, la revue de prépublication et de rédactionnel sur le manga des éditions Glénat. Cela s’appelait Kameha Kids et proposait de très courtes histoires dessinées dans un « style manga ». Il y a eu aussi le magazine Yoko, proposant à partir de décembre 1995 et jusqu’à fin 1997 des bandes dessinées plus ou moins travaillées à l’influence manga plus qu’évidente (y compris dans sa facette hentai). Ceci dit, surtout dans le cas de Kameha Kids, on était plus dans le fanzinat que dans de la véritable publication professionnelle.

Je date la naissance du manfra à avril 2005 lorsque Pika Éditions prépublie Dys de Moonkey, suivi de près par Dreamland de Reno Lemaire dans son magazine Shônen Collection. Les premiers tomes reliés des deux séries sortent en janvier 2006. Il y a aussi le cas du tome 1 de Dofus qui est sorti chez Ankama en octobre 2005. Ce titre est le produit dérivé d’un jeu vidéo, il n’est pas très manga dans son dessin et sa narration, cependant, il est en petit format et en N&B. Surtout, il est revendiqué comme étant du « manga » aussi bien par ses auteurs (Ancestral Z et Tot) que par l’éditeur.

Pink Diary, de Jenny, sort avec succès en avril 2006 chez Delcourt, mais pas dans sa collection manga qui est dirigée à l’époque par Akata. Une distinction qui doit vraisemblablement plus à cette externalisation qu’à la volonté de Delcourt de séparer manga et manfra.
Pika continue à creuser le sillon du manfra avec Vis-à-vis de Miya (2007) puis Catacombes de de Vald (2008). Ankama développe sa collection Dofus avec des séries dérivées : Dofus Arena (2007) et Dofus Monster (2007). L’éditeur roubaisien cible ensuite sans réel succès un public féminin avec Kuma Kuma (2008).
Kana se lance dans le manfra via sa collection Made In qui est consacrée aux bandes dessinées asiatiques avec IO Memories de Chris Lamquet en juillet 2007. Si l’auteur voulait faire du manga, cela ne ressent pas dans le graphisme ni dans la narration qui restent très personnels.

Cependant, c’est du côté des Humanos que le manfra prend une toute autre dimension. Avec la volonté affichée de faire du manga à l’européenne, de mettre en place une prépublication avant de sortir les récits en tomes reliés et surtout un grand nombre de titres proposés en même temps. Le premier numéro de Shogun Mag sort en octobre 2006. Il s’agit donc d’un magazine mensuel de près de 350 pages et contenant une dizaine de séries réalisées sous forme de chapitres à suivre.

Certains titres sortent tous les mois mais tout le monde n’arrive pas à suivre le rythme. Cela permet un roulement et l’arrivée de nouvelles séries (exemple : Kairi dans le numéro 3 de décembre 2006). Dès avril 2007, les difficultés de trouver un public (et donc de faire des ventes suffisantes) apparaissent au grand jour car il faut attendre deux mois le numéro suivant qui est alors proposé sous une nouvelle formule : Shogun Shonen d’un côté et Shogun Seinen de l’autre (pour les deux, environ 280 pages, 8 séries dont plusieurs nouvelles). Une tentative Shogun Life (plutôt axée vers un public féminin) a lieu en novembre 2007, sans suite. En 2008, les deux magazines sortent en alternance tous les mois : Shogun Seinen en janvier pour le numéro 4 et, ce qui se révèle être par la suite le chant du cygne, le numéro 12 (la numérotation du magazine originel étant ici suivie) de Shogun Shonen sort en février. Il faut se souvenir que l’éditeur fait faillite à cette période et se retrouve de longs mois en redressement judiciaire.

Pratiquement un an plus tard, en février 2009, le magazine réapparait en ligne avec une formule bimensuelle et en lecture gratuite. Avec environ 350 pages virtuelles, ce ne sont pas moins de 16 séries qui sont proposées. Le premier numéro ne contient que des rééditions de premiers chapitres de séries en cours, certainement pour toucher un nouveau public, de nouveaux titres étant promis dès le deuxième numéros. La nouvelle tentative tourne rapidement court puisque fin avril, c’est l’arrêt définitif avec le cinquième opus.

Je vois cinq explications aux échecs qu’ont connus Pika et surtout Les Humanoïdes associés : La période 2008-2012 est une période de retournement de marché pour le manga avec un recul important des ventes. Les titres sont de qualité variable, pour ne pas dire quasiment amateurs dans certains cas, surtout au niveau du dessin, ce qui est compréhensible, les auteur·e·s étant quasiment toutes et tous débutant·e·s. Trop de séries visent un public un peu âgé avec des thèmes parlant surtout à des jeunes adultes. La réussite de Dreamland, là tous les autres (ou presque) échouent, s’explique sûrement, outre par des qualités intrinsèques, par le fait que c’est du « pur » shônen-like. N’oublions pas que le public manga, à cette époque, était assez sectaire : seuls les titres d’origine japonaise trouvaient grâce à ses yeux. Enfin, il y a surproduction à cause de Shogun mag et de différentes tentatives de global manga (c’est-à-dire toute bande dessinée occidentale s’inspirant du manga, le manfra étant une sous-division linguistique du global manga), par exemple chez Akileos ou Soleil Manga. C’est ainsi que le manfra connaît le même destin que le manhua : arrêts des séries en cours et arrêts de commercialisation.

La prépublication étant définitivement morte, vive la publication directement en volume relié. C’est la société roubaisienne Ankama qui relance le manfra en 2012-2013 par le biais de sa branche édition. L’éditeur était certes précurseur avec Dofus mais il s’agit là d’un cas particulier, c’est-à-dire l’adaptation du jeu vidéo éponyme. Il y a eu aussi Debaser (9 tomes entre 2008-2014, en pause) qui a tous les ingrédients du manfra même si l’œuvre de Raf est éditée dans la collection 619 consacrée aux bandes dessinées dérivées des cultures urbaines et des comics actuels.

Ankama récidive avec Wakfu, ou plutôt avec sa version manga, une version BD existant déjà depuis plusieurs années. Comme il s’agit là de l’adaptation de l’autre jeu vidéo à succès de l’éditeur (lui-même issu d’une série d’animation), ce sont les succès de City Hall et surtout de Radiant qui montrent que l’on peut faire du manga à la française et en vivre. Pourtant (ou heureusement), ces deux séries ne sont pas intégrées à la collection manga créée en 2011 et dirigée par JD Morvan. Comprenant (notamment) les mangas Soil, Hitman, La Paire et le sabre, Togainu no Chi, le manfra Appartement 44 et le global manga adaptant le film Le dernier maître de l’air, la collection Kuri n’existe qu’entre 2010 et 2013. Notons aussi qu’Ankama a proposé en 2011 un magazine de prépublication de mangas originaux : Akiba (janvier 2011 – août 2011).

City Hall et Radiant ne devaient faire que trois tomes à l’origine. Le succès ayant été au rendez-vous, les deux séries se sont vues prolongées, City Hall atteignant un total de sept volumes (le septième clôturant le deuxième cycle) alors que Radiant est toujours en cours avec un onzième tome sorti en février 2019. City Hall a été décliné en Jeux de Rôle plateau et Grandeur Nature. Il a même inspiré une recette de cuisine, preuve de son impact hors du petit monde de la bande dessinée. Quant à Radiant, traduit en japonais dans un magazine confidentiel, il a réussi l’exploit d’être décliné en animé au Japon dans une version s’adressant à un plus jeune public qu’à l’origine.

Nul ne doute que l’appétit des différents éditeurs francophones a été aiguisé, surtout avec la réussite commerciale de l’adaptation en manfra du jeu social en ligne Amour Sucré, un jackpot pour l’éditeur Akileos qui avait tenté l’aventure du global manga avant d’arrêter très rapidement devant les ventes catastrophiques de ses premiers titres. Il y a par exemple Glénat qui se met à investir depuis quelques années sur la création française de manfra, notamment avec VanRah, une autodidacte passionnée par le dessin et extrêmement douée, ainsi qu’avec Izu, pseudonyme de Guillaume Dorison, ancien directeur de collection du magazine Shogun mag et scénariste de plusieurs manfra et BD (sous son nom) chez différents éditeurs. Ce n’est pas pour autant qu’Izu, avec Shonen, dessinateur de plus en plus confirmé, réussi à trouver à chaque fois le succès, à l’exemple de Lords of Kaos, titre publié par Pika et interrompu au bout de deux tomes. L’éditeur peine toujours à renouveler le succès de Dreamland mais ne désespère pas d’y arriver avec Everdark.

C’est autour du mitant des années 2010 que l’on voit arriver une nouvelle vague d’œuvres relevant du manfra. Dara, connu pour son Appartement 44 chez Ankama, réussi à placer une série chez un des plus importants éditeurs BD, Casterman, en dehors de la collection manga de ce dernier. Ki-oon, l’éditeur de manga indépendant bien connu pour la qualité de son travail se lance dans la création française avec le professionnalisme qui le caractérise. C’est ainsi que Shonen montre ses remarquables progrès en matière de dessin dans sa série Outlaw Players (toujours en cours, 7 tomes depuis 2016). Cependant, le nouveau succès du moment est Ki & Hi qui réussit l’exploit de rejoindre les plus gros succès en manga. Avec 190 000 exemplaires des tomes 1 et 2 vendus en 2017, le titre est aux portes du top 10 annuel manga, mais avec seulement deux volumes. Le record d’Amour sucré est très largement battu. Toute la puissance des réseaux sociaux, et notamment de YouTube, s’exprime ici car ce n’est pas la qualité de l’œuvre – très relative – qui a pu être le moteur principal des ventes. À l’inverse, c’est un flop commercial absolu que connait Akata avec Les Torches d’Arkylon, série immédiatement stoppée après un seul tome et disponible en autoédition par son auteur pour la suite.

Cette vague s’amplifie tout naturellement avec l’arrivée sur le marché du manfra de nouveaux éditeurs, créés ex nihilo pour commercialiser des titres à la qualité variable. Si H2T et E.D Édition ont une démarche professionnelle, manifestement réfléchie, en proposant une prépublication en ligne (en partie gratuite) débouchant ensuite sur une sortie imprimée de qualité distribuée en librairie spécialisée, les éditions Olydri et Yüreka montrent plus d’amateurisme pour leur manfra, ce qui ne doit pas préjuger de l’avenir, étant donné qu’il est toujours difficile de se lancer, surtout lorsque l’on vient du monde de la vidéo communautaire en ligne comme c’est le cas pour Olydri.

E.D Édition a été créé en 2011 pour publier le travail d’Emeric et Damien Chazal, deux frères passionnés de mangas n’ayant pas pu percer au Japon comme ils l’espéraient. Head-Trick rencontre un certain succès sur Internet, ce qui leur permet de se lancer dans l’aventure de l’édition. Le succès des ventes papier (plus de 15 000 exemplaires de la série ont été vendus entre 2011 et 2013) a permis de décliner l’univers de la série en plusieurs produits dérivés, ce qui permet de rentabiliser encore plus l’ensemble.

La maison d’édition H2T (Hydre à 2 Têtes) est créée en mars 2016 par Ludivine Gouhier et Mahmoud Larguem (de retour en France après avoir tenu durant 7 ans un manga café à Montréal) en ayant pour but de proposer des créations originales sur un site dédié où chaque chapitre peut être lu pour une somme modique. Une fois qu’il y a suffisamment de pages, un tome peut être alors imprimé et diffusé en librairie. Proposant du manfra, du global manga mais aussi du manga, sans oublier du simili franco-belge, l’éditeur a basé son modèle économique sur une sorte de micro réseau social entre les auteur·e·s et leur lectorat reposant sur un site et des rencontres sur des salons et conventions. Leur capacité à proposer des séries de qualité a éveillé l’intérêt de Hachette qui en a fait un label adossé à Pika Édition en mai 2018, certainement pour rattraper le retard pris par sa branche manga dans la création francophone (ce qui est un comble pour un précurseur).

L’année 2018 voit s’amplifier le mouvement du manfra, notamment sous l’impulsion de Glénat qui continue à proposer de nouveaux titres. Avec quatre lancements l’année dernière dont Versus Fighting Story sur un scénario de l’incontournable Izu, Mortician de l’auteure maison VanRah et surtout de Tinta Run de Christophe Cointault, l’éditeur grenoblois a passé la vitesse supérieure. De son côté, outre son développement dans le manfra grâce au rachat de H2T, Pika espère beaucoup du frère cousin de Reno avec Everdark de Romain Lemaire qui vient juste de débuter. Ankama, qui n’a jamais quitté le domaine, même après l’arrêt de sa collection manga et de son magazine de prépublication, lance en février 2018 Talli, fille de la lune, un manfra de Sourya Sihachakr, déjà dessinateur pour une série du label 619. Prévue en cinq tomes, il s’agit d’une œuvre assez éloignée de ce que publie l’éditeur roubaisien. L’élan pris en 2018 concerne aussi les régions d’outre-mer. Il y avait bien eu Caraïbéditions il y a une dizaine d’année : deux tentatives pour autant d’échecs. Il y a surtout Redskin de Staark, édité par Des bulles dans l’océan, un éditeur-libraire basé à Saint-Denis sur l’île de La Réunion. Le manga y rencontre un grand succès, ce qui rend viable le projet de Staark qui a même pu engager deux assistants pour pouvoir sortir plus rapidement sa série.

Une caractéristique du manfra, qui n’apparait pas clairement dans cette conférence, est la diversité des profils, avec une présence accrue des femmes, ainsi que des jeunes issus de l’immigration. Cela change agréablement de la bande dessinée franco-belge où la diversité ne règne pas en maitre, c’est le moins que l’on puisse dire. En effet, derrière les nombreux pseudonymes et label exerçant dans le manfra, nous pouvons trouver autant de profils différents, d’origines variées qu’il y a d’auteur·e·s mais aussi de responsables éditoriaux.

Si la grande majorité des auteur·e·s de manfra sont plus ou moins autodidactes ou viennent de la bande dessinée franco-belge, il y en a (peu) qui ont fait des écoles spécialisées ou des écoles d’art. Ces dernières sont d’ailleurs à privilégier tant la diversité de leurs formations permet d’acquérir de nombreuses techniques et connaissances en art plastique en plus du dessin. En Belgique, les plus connues sont l’Institut Saint-Luc de Bruxelles (par laquelle de nombreux auteurs de BD sont passés) ainsi que l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles (mais la bande dessinée n’y est pas enseignée). En France, l’École des Gobelins est la voie royale grâce à un enseignement d’une très grande valeur (toutefois l’animation et le jeu vidéo sont privilégiés à la bande dessinée). Cependant, il y a de nombreuses écoles de qualité en province, telles que l’EESI à Angoulême / Poitiers, l’École Émile Cohl à Lyon, ainsi que L’Iconograf à Strasbourg, la Haute école des Arts du Rhin à Mulhouse / Strasbourg ou l’École Pivaut à Nantes / Rennes, l’EIMA à Toulouse. Cette liste n’est pas exhaustive, bien entendu. De plus, il existe des écoles privées spécialisées dans l’apprentissage du manga. Il y a par exemple Eurasiam à Paris et Human Academy à Angoulême. Une liste très complète de ces écoles publiques et privées est disponible sur le site de la Cité Internationale de la Bande Dessinée et de l’Image d’Angoulême.

Angoulême 2019, un petit bilan personnel

Deux semaines après la fin de la quarante-sixième édition du Festival International de la Bande Dessinée, il est temps d’en tirer un bilan. Celui-ci est excellent, cette année ayant réussi l’exploit d’être bien meilleure et plus riche que la précédente, qui avait pourtant remonté la barre de façon spectaculaire depuis que Stéphane Beaujean se retrouve seul directeur artistique. Ceci dit, tout le monde ne doit pas penser la même chose tant il a donné de l’importance à la bande dessinée venue du Japon ou à celle venue des USA. Il nous a fallu cinq journées (déplacements aller-retour compris) pour suivre le programme proposé et, comme toujours, sans pouvoir tout faire.

Manga City, le jeudi en fin d’après-midi

Dans la distribution des bons et mauvais points, commençons par Manga City. Le nouvel espace dédié aux bandes dessinées asiatiques se retrouve excentré par rapport aux années précédentes en passant du plateau au terrain de sport situé derrière les chais, mais il faut reconnaître que le gain de place (et donc de confort) valait ce petit désagrément, surtout que la navette Manga City a bien fonctionné et s’est révélée être très efficace, au point de ne jamais avoir besoin d’utiliser les bus BD pour passer du bas au plateau d’Angoulême.

L’abribus près du CGR, le vendredi matin

Cette année, nous avions un véritable espace d’animation avec un cycle de rencontres et de tables rondes bien plus intéressant que les années précédentes. S’appuyant sur une partie de l’équipe éditoriale (enfin, surtout sur Fausto Fasulo, le rédacteur en chef, qui s’est révélé être un bon animateur) de la revue ATOM, donc un gage de qualité, il y a eu de nombreuses rencontres et tables rondes intéressantes, la plus intéressante à nos yeux étant celle avec Taiyô Matsumoto proposée le dimanche en début d’après-midi.

La table ronde sur le shôjo manga, animée par Fausto Fasulo, le vendredi soir

Stéphane Ferrand, le remplaçant des Nicolas Finet et Erwan Le Verger qui avaient incroyablement tiré vers le bas (à leur décharge, ils manquaient peut-être de moyens et de place) la partie manga du festival (ce qui nous faisait regretter chaque année le Manga Building à l’Espace Franquin), a réussi à nous proposer un lieu donnant envie de venir et de revenir. Il faut dire que nous pouvions circuler sans difficulté, que plusieurs stands éditeurs (Kana, Pika, Ki-oon et Glénat) étaient « pro » quoique pas très grands (ce n’est pas Japan Expo), que les espaces de Taïwan, Hong-Kong et de Corée étaient comme d’habitude de qualité, que le lieu n’était pas envahi de vendeurs de goodies et autres produits dérivés, qu’il y avait un bar à sushi très correct pour y manger le midi, etc.

Le co-commissaire de l’exposition Dessiner l’enfance la présentant, le jeudi matin

L’autre excellent point du festival concerne les expositions. Certes, nous ne les avons pas toutes faites mais à part celles consacrées à Rutu Modan et Jean Harambat, plutôt décevantes, elles se sont révélées être d’un très haut niveau, comme souvent avec 9e Art+. Mention spéciales aux expositions « Batman 80 ans », « Taiyô Matsumoto, dessiner l’enfance » et « Richard Corben, donner corps à l’imaginaire », vraiment très réussies au niveau de la scénographie et des cartels.

L’exposition Batman 80 ans, le mercredi soir

« Batman 80 ans », très spectaculaire, réussissait l’exploit de pouvoir s’adresser à la fois au grand public et aux connaisseuses et connaisseurs. Son succès public a dû dépasser les espérances, j’ai entendu parler de plus de trois heures d’attente pour pouvoir y accéder le samedi. Dommage qu’elle ne durait que cinq jours (nous y sommes allés le mercredi, journée pro). Les expositions « Tsutomu Nihei, l’arpenteur du futur », « Tom-Tom et Nana présentent tout Bernadette Després » et « Manara, itinéraire d’un maestro » étaient à ne pas rater.

Le Conservatoire, le samedi midi

Du coup, nous n’avons pas passé énormément de temps au Conservatoire pour suivre les conférences et rencontres qui y étaient programmées, à la différence des années précédentes. La faute à un programme trop concentré sur le vendredi et le samedi, entre la fin de matinée et le début d’après-midi, obligeant à faire des choix cornéliens. C’est d’ailleurs, et ce n’est pas nouveau, un des points noirs de cette édition. Ce qui nous intéressait le plus tombait trop souvent en même temps, sur des sites assez éloignés les uns des autres. Un meilleur étalement des activités en rapport au manga serait une bon idée, en ce qui nous concerne. Le samedi, soit nous assistions à la masterclass de Taiyô Matsumoto, soit nous assistions aux rencontres avec Shinichi Ishizuka (Blue Giant chez Glénat) puis avec Paru Itagaki (Beastars chez Ki-oon). Le soucis est que tous les ans, il y a aussi plusieurs conférences sur les bandes dessinées étrangères qui nous intéressent et qui entrent en conflit avec le reste du programme du festival. Les années précédentes, cela n’était pas un tel soucis, vu la faible qualité des animations de l’espace manga, mais cette année, ça a été une grande source de frustration.

La fameuse masterclass du samedi après-midi

Le grand raté de cette édition est, pour nous, la masterclass de Taiyô Matsumoto. Comme je le craignais, Lloyd Chéry l’animateur, n’a pas été au niveau. Ce n’est pas qu’il n’avait pas préparé la rencontre, il l’avait manifestement travaillée. C’est surtout que ça correspondait à une présentation de l’auteur, de son œuvre et à destination du grand public, des personnes ne connaissant pas Taiyô Matsumoto. Malheureusement, c’était une masterclass, et, pour moi, ça doit être une rencontre technique, abordant la manière de travailler, parlant du processus de création, montrant comment le mangaka dessine. Il n’y a rien eu de tout ça, juste une présentation des principales séries disponibles en français. Bon, il ne faut pas regretter d’y être allé, la présence en France de Taiyô Matsumoto est si rare… D’autant plus que la rencontre internationale à Manga City du dimanche matin, animée par Xavier Guilbert et Stéphane Beaujean (deux vrais connaisseurs du travail de l’auteur) était vraiment réussie, ce qui compense la déception de la masterclass. En fait, il aurait fallu inverser les deux rencontres…

Dédicace T. Matsumoto, le jeudi soir

Je retiens aussi, dans les bons points, l’organisation par Kana des dédicaces de Taiyô Matsumoto. Tirage au sort limité à 100 tickets par jour, une chance sur deux de gagner, quatre jours de dédicaces, achat nécessaire seulement pour valider le ticket gagnant avec la possibilité d’avoir la dédicace sur une autre œuvre du mangaka, c’était bien organisé… du moins, pour les francophones. Heureusement pour les délégations hongkongaises et taïwanaises qu’a-yin était là pour leur expliquer en cantonais puis en une sorte d’anglo-mandarin le système, cela aura permis à quelques Chinois·e·s amatrices et amateurs de Taiyô Matsumoto de pouvoir le rencontrer en dédicace. En plus, le jeudi, nous n’étions qu’une cinquantaine, ce qui fait que tout le monde a été servi en ticket gagnant.

L’au-revoir à Manga City, le dimanche après-midi

À l’arrivée, cette quarante-sixième édition s’est révélée être une des meilleures que j’ai pu suivre (j’en suis à ma seizième, cela commence à compter) et que j’attends avec une certaine impatience (déjà) la prochaine avec Rumiko Takahashi en présidente. Malheureusement, a-yin, ma compère d’Angougou, va avoir sa visite compliquée par le nouvel an chinois 2020 (le réveillon tombe le vendredi soir). Une petite ombre que l’annonce de l’exposition Tsuge ne peut suffire à éclaircir… Bah, on verra bien d’ici là !

Angoulême 2019, le programme manga

Demain, le 46e FIBD commence pour les « pros » (et jeudi pour tout le monde). Cette année, la venue de Taiyou Matsumoto a motivé les foules et c’est une importante délégation mangaversienne qui sera sur place jusqu’à dimanche. Avant de partir demain matin, je présente ici une synthèse des événements qui concernent le manga (au sens large). Voici donc le programme manga du Festival d’Angoulême :

Jeudi 24 janvier

Jeudi 11h00
Atelier – Manga City (Durée : 1h30)
Dessine-moi un yokai
Avec Camille Moulin-Dupré
Animé par Fausto Fasulo

Jeudi 12h30
Atelier – Manga City (Durée : 1h30)
Le style Chibi
Avec Art-of-K , Caly

Jeudi 14h15
Performance graphique – Manga City (Durée : 1h15)
Live drawing
Avec Tony Valente

Jeudi 15h45
Rencontre Manga – Manga City (Durée : 1h30)
Fairy Tail : Happy no Daiboken et Buster Keel! En partenariat avec la Human Academy.
Avec Kenshiro Sakamoto (Japon)

Jeudi 16h00
Présentation de books – Pavillon Jeunes Talents® – Espace Rencontres (Durée : 2h)
Mahmoud Larguem et Ludivine Gouhier – Éditions H2T (sur réservation à partir de 10h)

Jeudi 17h30
Performance graphique
Live drawing « Révisons nos classiques »
Avec Reno Lemaire, Romain Lemaire

Vendredi 25

Vendredi 10h30
Rencontre Manga – Manga City (Durée : 1h)
Yoshiharu Tsuge : un auteur d’exception
Avec Berliac (Argentine), Jean-Louis Gauthey, Daniel Pellegrino
Animé par Xavier Guilbert

Vendredi 11h45
Table Ronde – Manga City (Durée : 1h)
Le shojo, un genre uniquement pour les filles ?

Avec Art-of-K , Caly
Animé par Ludivine Gouhier, Bruno Pham

Vendredi 13h00
Rencontre – Conservatoire – Salle Gerschwin (Durée : 1h30)
Les Maîtres du manga : Taiyo Matsumoto
Avec Gwenaël Jacquet
et
Rencontre internationale – Manga City (Durée : 1h30)
Magical Girl of the End, Akata
Avec Kentaro Sato (Japon)
Animé par Frederico Anzalone

Vendredi 15h00
Rencontre – Manga City (Durée : 1h30)
Bolchoi Arena, une oeuvre sous influence
Avec ASEYN, Boulet
Animé par Marius Chapuis

Vendredi 16h00
Présentation de books – Pavillon Jeunes Talents® – Espace Rencontres (Durée : 2h)
Mahmoud Larguem et Ludivine Gouhier – Éditions H2T (sur réservation à partir de 10h)

Vendredi 17h00
Remise de Prix – Manga City (Durée : 0h30)
Remise du Prix Konishi pour la traduction de manga japonais en français

Vendredi 17h30
Table Ronde – Manga City (Durée : 1h)
La traduction de manga en français

Samedi 26

Samedi 10h30
Performance graphique
La rapsodie de Taïwan
Composition de performances graphiques
Avec morning anxiety, Huang Hsia-Chia, Ho Hush-Yi, Chen Jian, Ou Ling, Pam-Pam Liu, Li Lung-Chieh
et
Rencontre Jeunesse – Musée de la BD – Auditorium (Durée : 1h)
Marblegen, Pika (sur réservation)
Avec Sylvain Dos Santos, Grelin
Animé par Juliette Salin

Samedi 12h00
Rencontre – Conservatoire – Salle Brassens (Durée : 1h30)
Le Manfra, tour d’horizon du manga francophone
Avec Hervé Brient

Samedi 13h00
Rencontre internationale – Manga City (Durée : 1h30)
Blue Giant, Glénat
Avec Shinichi Ishizuka (Japon)
Animé par Frederico Anzalone

Samedi 14h00
Masterclass – Cinéma CGR – Salle 1 (Durée : 2h)
Taiyo Matsumoto (payant)
Avec Taiyo Matsumoto (Japon)
Animé par Lloyd Chéry

Samedi 15h00
Rencontre internationale – Manga City (Durée : 1h30)
Beastars, Ki-oon
Avec Paru Itagaki (Japon)

Samedi 17h00
Masterclass – Espace Franquin – Salle Buñuel (Durée : 1h30)
Live Drawing
Avec Tsutomu Nihei (Japon)
Animé par Fausto Fasulo

Samedi 18h00
Animation – Cinéma CGR – Salle 1 (Durée : 1h)
Cosplay avec l’association du Festival

Dimanche 27

Dimanche 10h30
Rencontre internationale – Manga City (Durée : 1h30)
Autour de Chiisakobe, Le Lézard Noir
Avec Minetaro Mochizuki (Japon)
Animé par Xavier Guilbert

Dimanche 12h15
Rencontre – Manga City (Durée : 1h)
Légende de Chen Uen
Avec Cheng Chi-Yu (Taiwan), Rex How (Taiwan)
Animé par Didier Pasamonik

Dimanche 13h30
Rencontre internationale – Manga City (Durée : 1h30)
Dessiner l’enfance
Avec Taiyo Matsumoto (Japon)
Animé par Stéphane Beaujean et Xavier Guilbert

Manga City

Cette année, l’espace manga a été réorganisé et surtout il a déménagé. Devenu Manga City, il se trouve maintenant derrière les chais (le Musée de la BD), sur un petit stade de football en stabilisé. Ce n’est pas encore Japan Expo, mais il y a 7 éditeurs spécialisés de présents. En voici la liste :
– Akata : MC13
– Glénat : MC18
– Kana : MC14
– Ki-oon : MC17
– Kurokawa : MC5
– Ototo : MC29
– Pika : PC10

Il y aura aussi un stand Atom, l’équipe du magazine étant responsable de l’animation, et les incontournables pavillons coréens, hongkongais, taïwanais ainsi qu’une délégation de Chine continentale. Il y aura aussi des trucs qui n’ont rien à voir avec la BD asiatique, preuve qu’il y a encore du travail à faire pour attirer plus d’éditeurs, notamment Kazé.

Les expositions

Concernant les expositions, il y en a deux qui concernent le manga : celle sur Taiyou Matsumoto (au Musée d’Angoulême, commissariat de Stéphane Beaujean et Xavier Guilbert) qui va nous parler de l’enfance et celle sur Tsutomu Nihei (à l’Espace Franquin, dans la petite salle du RDC, commissariat de Stéphane Ferrand) qui va nous arpenter sa vision du futur. Nous ne les raterons pas, bien entendu !

En conclusion

Si on ajoute à cela toutes les animations concernant le reste du monde de la bande dessinée (sans oublier tous les stands d’éditeurs à voir), il y une richesse de programmation réellement époustouflante cette année encore ! Je vous donne rendez-vous sur place ou dans quelques semaines, lorsque mon habituel compte-rendu photographique sera en ligne sur Des mangaversien·e·s à… à moins que je n’ai le courage de faire un compte-rendu détaillé ici, comme celui que j’avais fait l’année dernière…

Une année de bandes dessinées…

Sans être mauvaise, l’année 2018 n’a pas été excellente en termes de lectures BD en ce qui me concerne. La période voulant ça, voici un petit retour sur un an de lectures d’images qui ne bougent pas.

Mon année BD 2018

2018, année morose ? Année de recul, à tout le moins. En effet, après un léger rebond en 2017, la courbe annuelle de mes lectures est repartie à la baisse. Cela est dû surtout, je pense, à mes emprunts en bibliothèque qui ont chuté. J’ai fait un peu le tour de mon lieu habituel et j’ai aussi manqué de temps (et de courage) pour aller régulièrement un peu plus loin, où il y a malheureusement moins de choix (les deux bibliothèques étant tout de même dans les environs des Gobelins, mon point de chute habituel à Paris). Pire, cela fait quatre mois que je n’ai rien emprunté et je n’ai pas encore renouvelé ma carte… De plus, ce ne sont pas les PDF de presse qui ont pris le relais, Kana n’en mettant plus en ligne depuis cet été (changement de stagiaire ?). Quant à ceux que je récupère auprès des autres éditeurs, ils s’accumulent (pour la plupart) sur mon disque dur sans que je les lise.

Car il y a un autre problème, celui de mon enthousiasme. En me basant sur mes bullenotes, je constate qu’il y a peu de sorties qui ont réussi à obtenir des « petits cœurs » en 2018. Pour ce qui est de la BD franco-belge (et assimilée), il y en a quatre dont deux seulement sont des sorties de 2018. Pour les comics books, quatre aussi, pour une seule sortie en 2018. Enfin, onze pour le manga qui me procure le gros de mes lectures BD. Dans ces onze, il y a deux séries (Après la pluie, soit quatre tomes, et March comes in like a lion, pour trois tomes), ce qui fait qu’il n’y a que six titres en réalité. Tout ceci est bien peu.

Par contre, j’ai passé trois excellentes journées au Festival d’Angoulême en janvier et deux très bonnes demi-journées au SoBD. Tout ceci vient atténuer un peu cette impression de lassitude (ce n’est pas la première fois) qui me reste à l’issue de l’analyse de cette année passée. J’avoue que je place beaucoup (trop ?) d’espoirs dans l’édition 2019 pour trouver un nouveau souffle, un nouvel enthousiasme envers le 9e art.

Petit zoom sur mes titres les plus marquants en 2018

Voici en quelques mots les titres qui m’ont le plus marqué durant cette année 2018 :

March comes in like a lion et Après la pluie

Ce sont vraiment les deux titres qui me font le plus vibrer, et de loin, effet amplifié par l’aspect feuilletonnesque habituel des séries mangas. La première se terminera en 2019 alors que la seconde va ralentir pour cause de parution originale rattrapée, sniff…

Kamakura Diary

Il n’y a eu qu’un tome en 2018 mais je ne vais pas me plaindre du fait de l’absence de sortie en 2017. La série s’étant achevée en aout 2018 au Japon (le dernier tankobon est paru en décembre), nous devrions pouvoir lire la fin en 2019. Bref, de mes trois coups de cœurs de l’année, il n’en restera plus qu’un seul à fin 2019, avec un rythme de sortie ralenti. J’ai intérêt à profiter de l’année prochaine car 2020 ne s’annonce pas sous les meilleurs auspices.

Holiday Junction

Pour qu’un recueil de nouvelles ait des « petits cœurs », il faut qu’il soit excellent de bout en bout, ce qui est le cas ici. Bravo au Lézard Noir pour nous avoir fait découvrir un aussi talentueux auteur.

Le Maître des livres

Le dernier tome est une belle réussite, même si tout se termine un peu trop bien et un peu trop facilement. Néanmoins, les « petits cœurs » sont mérités pour l’ensemble de la série.

On peut constater qu’il n’y a aucun manga d’action, de sport ou d’aventure, pas de SF, pas de fantastique, pas d’historique, rien que de la vie de tous les jours (certes, romancée). Ce n’est pas qu’un Zéro, un Sky-High Survival, un Pavillon des hommes, un Peleliu ou un Sunny Sunny Ann! ne soit pas bon, mais il a manqué à tous ces titres (et bien d’autres) un petit quelque chose.

Dernier point, on peut remarquer qu’en matière de manga, Kana est de loin l’éditeur qui m’intéresse le plus. Sur 78 titres avec une bullenote de 4 ou 5 (sur 5), il y a 33 Kana pour 7 Akata (+9 si on rajoute Princess Jellyfish chez Delcourt) et 6 Lézard Noir. Les autres sont à 2 ou 1.

Cul de Sac

Il s’agit de la seule bande dessinée américaine publiée en 2018 qui m’ait vraiment emballée, sans surprise puisque c’était aussi les « petits cœurs » pour les deux premiers tomes. Et comme l’intégrale est terminée, il faudra trouver autre chose en 2019.

The Shadow Hero, Far Arden et Bêtes de somme

Trois rattrapages qui se sont révélés être plus qu’excellents. Mais entre un one-shot, deux séries en pause (quoique ça bouge un peu aux USA pour Bêtes de somme), ce sont des coups de cœurs sans lendemain. J’ai eu aussi de bonnes surprises avec Étoile du Chagrin (encore un titre en pause), American Born Chinese, Louis Riel – L’Insurgé (des one-shots). Sans la nouveauté Motor Girl (un dernier one-shot pour la route ?), il n’y aurait eu que des « vieilleries ».

Ralph Azham et Tyler Cross  Miami

Année 2018 nettement en recul par rapport à 2017 où cinq nouveautés avaient eu les « bullepetits cœurs » (pour un total de onze). Deux séries très efficaces (un tome 11 et un tome 3) ont donc sauvé une année morose sur le plan de la bande dessinée franco-belge (et assimilée).

La mémoire dans les poches et Le Fantôme de Gaudí

Deux rattrapages (le premier, un tome 3, date de 2017 et l’autre, un tome unique, de 2016). Tout cela fait vraiment peu. J’avais fondé de grands espoirs dans Malaterre, L’Espoir malgré tout et La Princesse et l’Archiduc, mais il a manqué un petit quelque chose à ces trois nouveautés. J’ai par contre été agréablement surpris par deux titres de la collection Sociorama (La Petite mosquée dans la cité et Vacances au Bled), ainsi que par Féministes – Récits militants sur la cause des femmes. Concernant ce recueil, en général je ne suis pas client des publications « militantes », les trouvant assez faibles en intérêt. Ce n’a pas été le cas ici et c’est remarquable. Dans un autre genre (mais alors, vraiment différent), j’ai beaucoup aimé Héroïque fantaisie.

Voilà, on a déjà fait le tour de mes lectures les plus marquantes en 2018. J’avoue ne pas être particulièrement optimiste en 2019, mais on verra bien. En tout cas, ça ne m’empêchera pas d’apprécier la prochaine édition du Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême, tant j’ai hâte d’y être étant donné le programme annoncé et la certitude de ne pas être déçu.

Manga ↔ Tokyoïsmes

De nombreuses expositions se déroulent actuellement sur Paris dans le cadre de Japonisme 2018. Ces trois derniers mois, et avant d’aller voir Japon japonismes aux Arts décoratifs, nous avons pu aller à Jômon, naissance de l’art dans le Japon préhistorique à la Maison de la Culture du Japon à Paris, Meiji, splendeurs du Japon impérial (1868-1912) au Musée Guimet et Manga ↔ Tokyo à la Grande Halle de la Villette. Or, des trois, c’est bien la dernière qui s’est révélée être la plus intéressante, peut-être parce que c’était celle dont j’en attendais le moins (du fait de son positionnement supposé grand public), les deux autres se révélant être plus ou moins décevantes (Jômon pour sa petitesse, son manque de variété et de mise en contexte, Meiji pour son déséquilibre entre une première partie intéressante, une deuxième répétitive et une dernière un peu gavante).

Une introduction monumentale

La première salle (autour de laquelle toute l’exposition s’organise) en jette, et pas qu’un peu. En effet, une maquette au 1/1000de la ville de Tokyo (de sa partie principale, plus exactement, ce qui représente tout de même une surface de 16 mètres sur 22) surplombée par un écran géant passant en boucle des extraits de films de jeux vidéo et d’animés. Impressionnant ! Plusieurs cartels et écrans sont positionnés autour de la maquette, situant lesdits extraits dans la ville et les présentant. Efficace ! Après en avoir fait le tour, admiré la tour de Tokyo, et les différents cours d’eau qui traversent la mégapole, il ne reste plus qu’à rejoindre le premier des cinq îlots thématiques situés à l’étage.

Une exposition en mezzanine

En effet, il faut aller en mezzanine pour entrer dans le vif du sujet. La première zone nous présente un petit groupe de destructeurs de la ville de Tokyo, à commencer par le célèbre Godzilla. En effet, la capitale du Japon a subi plusieurs destructions (et donc reconstructions) au cours des siècles passés, de l’incendie d’Edo en 1657 au tremblement de terre de 1923, sans oublier les bombardements américains pendant la Seconde Guerre mondiale. Par le biais de différentes reproductions (il y a très peu d’originaux d’exposés), malheureusement parfois un peu trop petites (surtout quand il s’agit de photos), l’exposition nous montre comment le passé se retrouve dans la pop culture actuelle, que ce soit les films, l’animation et des jeux vidéo. Je dois avouer que j’ai eu très peur que le manga (papier) soit le grand oublié et que sa présence soit uniquement liée à ses adaptations sur d’autres supports, tel l’incontournable Akira. Heureusement, mes doutes ont été rapidement dissipés, et même se sont révélés sans fondements, tant la bande dessinée est présente et variée dans les trois zones suivantes. Il faut aussi avoir en tête que le terme « manga » est à comprendre ici au sens large, c’est-à-dire englobant toute la « culture manga ».

Une exposition manga très pointue

L’exposition a pour ambition de présenter, certes de façon rapide, l’origine du manga, en remontant aux peintures sur rouleau, puis en proposant des reproduction d’estampes figurant Edo, et enfin en revenant sur l’apparition des bandes dessinées proprement dite au début du XXsiècle. Les visiteurs d’expositions d’estampes comme notre petit groupe ont déjà vu à de nombreuses reprises les œuvres de Hiroshige, mais il est toujours plaisant de revoir quelques illustrations d’époque. La partie la plus intéressante est incontestablement constituée des trois espaces consacrés à la vie à Edo puis Tokyo par le biais de nombreuses planches de manga (ainsi que quelques jeux vidéo sans grand intérêt et quelques films et séries d’animation réputés).

Plus d’une trentaine de mangaka nous sont présentés par le biais de planches au style varié (des reproductions d’originaux). Concernant les ouvrages (plus ou moins) disponibles en français, nous avons là une belle brochette d’auteur·e·s : Osamu Tezuka (L’Arbre au soleil), Taiyou Matsumoto (Le Samouraï bambou), Hinako Sugiura (Oreillers de laque), Shotaro Ishinomori (Sabu et Itchi), Moyoko Anno (Sakuran), Nobuhiro Watsuki (Kenshin le vagabond), Yu Takita (Histoires singulières du quartier de Terajima), Asao Takamori / Tetsuya Chiba (Ashita no Joe), Tsukasa Hojo (City Hunter), CLAMP (Cardcaptor Sakura), Chica Umino (March comes in like a lion), Inio Asano (Solanin), Kyoko Okazaki (River’s Edge), Jirô Taniguchi (Au temps de Botchan et Le Gourmet solitaire), Mazayuki Kusumi / Estsuko Mizusawa (Mes petits plats faciles by Hana) et Shimoku Kio (Genshiken).

Cependant, pour les amatrices et amateurs de manga, le plus intéressant se trouve sans aucun doute dans les nombreuses planches de titres non traduits chez nous : Hinako Sugiura (Sarusuberi), Erica Sakurazawa (Love so special et Lovely!), Kei Ichinoseki (Hanagami Sharaku), Ei Hirosasawa / SatooTomoe (Ai to honô),  Ryohei Saignan (San-chôme no yûhi), Shinji Nagashima (Fu-ten), Waki Yamato (Haikarasan : Here come Miss Modern), Osamu Akimoto (Kochikame pour faire court), AtsushiKamijo (To-Y), Seizo Watase (Tokyo Eden), Takashi Ikeda (34-sai Mushoku-san),  Jigu Takao (Kûneru Maruta), Ken Wakui (Shinjuku Swan) et Yori Kurokawa (Hitorigurashi no OL wo kakimashita).

Cela représente beaucoup d’œuvres couvrant les années 1960 à 2010, avec une belle représentation du pan féminin du manga, ce qui est très rare dans les expositions mangas présentées en France, y compris au Festival d’Angoulême, qui est pourtant la référence en matière de qualité et d’érudition. On voit à ce qui n’est pas un détail que le commissariat est ici japonais.

Une dernière partie plus grand public

La partie dédiée aux personnages dans la ville permet de voir de nombreuses représentations de la pop-culture japonaise que l’on peut voir dans la ville de Tokyo. Cela va des statuettes traditionnelles comme les maneki-neko ou un tanuki à la figurine géante de Gundam (20 m. de haut, ce qui n’est pas le cas de la maquette proposée ici, bien entendu) ou celle de Rei Ayanami (à taille plus humaine). Il est aussi possible de faire un tour virtuel de métro tokyoïte, de visualiser une vidéo du Comiket d’été ou de se faire une petite idée de ce que l’on peut trouver dans un combini. Amusant mais vite expédié…