Pathfinder: Kingmaker, stop ou encore ?

Après avoir terminé Tyranny, un CRPG malheureusement bien trop court, j’ai voulu commencer immédiatement un autre titre du même genre. Après avoir passé un peu de temps à chercher celui qui me conviendrait, je me suis mis à jouer à Pathfinder: Kingmaker pendant un peu plus de deux mois, de mi-mars à mi-avril, ce qui a totalisé près de 130 heures (à comparer aux 39 heures pour Tyranny). Depuis, j’y reviens de temps en temps pour faire quelques niveaux du donjon rogue-like ajouté par le DLC « Beneath The Stolen Lands ». Étant donné que ces niveaux sont générés semi-aléatoirement, il n’y a pas réellement de fin (ce qui n’est pas le cas lorsqu’on l’explore durant l’aventure principale, ce que j’ai fait non sans difficultés ni sans tricher). L’idée est d’obtenir deux ou trois succès supplémentaires, liés à ce DLC.

Il faut reconnaître que le jeu n’est pas si mal, il arrive assez rapidement à être addictif. Basé sur l’univers de Pathfinder, dont j’ignorais l’existence jusque-là, le jeu vidéo adapte sous forme de RPG en 3D isométrique la série de livres d’aventures Kingmaker. Les six tomes se retrouvent ainsi dans les différents chapitres du jeu vidéo ou dans un des DLC. D’ailleurs, on peut considérer qu’il y a trois parties différentes dans Pathfinder: Kingmaker. La première sert à constituer son équipe, à monter en niveaux et surtout à obtenir une baronnie. Une fois ceci réussi, il s’agit de conquérir petit à petit les territoires environnants et monter en grade jusqu’à devenir reine ou roi de son domaine. Enfin, il faut réussir à sauver son royaume d’une ancienne malédiction en affrontant la super méchante : Nyrissa (sauf qu’il y a un méchant encore plus méchant à vaincre ensuite).

Comme avec Tyranny, c’est Hervia qui reprend du service (tout comme Yinia en tant que compagnonne) et qui a donc la lourde tâche de devenir la « numero uno » du monde proposé par le RPG. Je peux vous dire que c’est du boulot, les ennemis rencontrés sont régulièrement très (trop ?) puissants alors que je jouais en mode facile. Bien entendu, très rapidement, je suis parti à la recherche d’un éditeur de sauvegarde pour « muscler » l’équipe et faire couler à flot l’argent indispensable au développement de la baronnie; Car il faut reconnaître que les combats sont assez techniques et demande d’utiliser les bons sorts au bon moment sur les bons ennemis. Vu que je n’ai plus la patience de la jouer fine, j’avais créé une équipe de « bourrines » bien dopées à la triche. Et même comme ça, ça n’a pas toujours été simple. La dernière partie du jeu, très nihiliste (ce qui m’a rappelé Ultima VII Serpent’s Isle pour cet aspect fin du monde) n’est pas simple, ce qui est normal pour un grand final. À l’arrivée, il en résulte un jeu très plaisant à faire, où la partie gestion de la baronnie aurait gagné à être un peu mieux développée et à donner un peu plus de temps avant de déclencher le chapitre final. J’imagine qu’il aurait fallu que je me concentre plus sur cette partie du jeu, mais il faut reconnaître que ce n’était pas très palpitant.

Aucun autre RPG ne trouvant grâce à mes yeux actuellement, il ne me reste plus qu’à attendre la suite prévue pour la fin de l’année : Pathfinder: Wrath of the Righteous est en cours de développement. J’en serai !

Sayonara Miniskirt

Nina Kamiyama est une jeune lycéenne originale : elle refuse de porter des jupes, surtout si elles sont courtes. Elle porte aussi les cheveux « à la garçonne ». Du coup, elle utilise l’uniforme des garçons puisque rien ne l’interdit dans le règlement de l’établissement où elle vient juste d’arriver. En plus, elle est assez taciturne, ce qui ne l’aide pas à se lier avec ses camarades de classe. Il faut dire qu’elle cache un lourd secret : jusqu’à il y a peu, elle était la vedette d’un groupe d’idols féminin. Malheureusement, lors d’une rencontre avec le public, elle s’est fait agresser par un inconnu qui resté impuni. Depuis, elle a décidé d’arrêter sa carrière, ne pouvant plus supporter le moindre contact avec les hommes. Constamment, elle vie dans la peur qu’une attaque se reproduise. À l’inverse, Miku Nagasu est ultra populaire. Elle est tellement mignonne avec « sa peau blanche [et] sa taille fine ». Elle vient de subir une agression, mais elle ne semble pas en être plus affectée que cela. Après tout, comme elle dit, ce n’était que des caresses sur ses cuisses, cela fait « flipper » mais il ne faut pas en faire « des tonnes ». De son côté, Hikaru Horiuchi est un membre assidu du club de judo du lycée. Il est très populaire auprès des filles de l’école qui apprécient sa beauté un peu délicate. Suite à une rencontre fortuite, il découvre que Nina était Karen Hamamiya, du groupe Pure Club, dont sa sœur est une grande fan. Celle-ci est devenue une hikikomori suite à l’agression sexuelle que lui a fait subir un de ses enseignants. Cela amène Hikaru à se rapprocher de l’ancienne idol. Il faut dire qu’il semble conscient à quel point, dans nos sociétés, l’oppression d’un grand nombre d’hommes peut nuire au simple bonheur de vivre de nombreuses femmes. Pourtant, ses véritables intentions sont-elles si innocentes que cela ? En effet, Nina a remarqué chez Hikaru un certain nombre de détails qui peuvent ne pas être de simples coïncidences.

Sayonara Miniskirt est un shôjo manga prépublié depuis septembre 2018 dans Ribon, un mensuel de la fameuse maison d’édition Shueisha, qui s’adresse à un public de collégiennes (8-14 ans). Cela n’empêche pas Aoi Makino, l’auteure, d’y aborder des sujets graves liés aux agressions, sexuelles ou non. et aux traumatismes que cela entraine. Si la mangaka a débuté professionnellement en 2008 après avoir remporté un accessit dans un concours de débutantes organisé par ce même magazine, elle ne propose pas pour autant de gentillettes romances lycéennes. Peu prolifique, elle écrit surtout des histoires courtes. Ses travaux marquants sont composés de HAL (publié en novembre 2009) et de REC (4 chapitres parus entre décembre 2010 et mars 2011) regroupés récemment en un volume disponible en français chez Soleil Manga avec le recueil Histoires courtes. Elle enchaine ensuite avec The End of the World (4 tomes parus en français chez Panini) entre août 2011 et décembre 2012. Toutes ces œuvres sont marquées par une certaine noirceur qui tranche avec l’idée que l’on se fait des titres issus du Ribon (par exemple Gals! ou Ultra Maniac). C’est après être restée cinq années sans publier la moindre histoire qu’Aoi Makino revient en avril 2018 avec la présente série. Malheureusement, Sayonara Miniskirt est en pause depuis la sortie du huitième chapitre (il y en a trois par tome relié) fin mai 2019 (dans le numéro de juin). Il s’agit pourtant d’une œuvre qui a rencontré un certain succès critique. Elle a été nommée en 2019 pour le Prix Culturel Osamu Tezuka, et a remporté en 2020 la catégorie shôjo du prix Kono Manga ga sugoi! (« Ce manga est génial ! »). Il va donc falloir être très patient pour lire la suite et même espérer qu’il y ait un jour un tome 3.

Sayonara Miniskirt propose un graphisme typique du Ribon, avec des personnages plutôt malingres, au corps assez juvénile, avec un menton pointu et de très grands yeux. Ajoutez à cela une narration basée sur une mise en page assez éclatée, fourmillant de dialogues tout à fait caractéristiques du genre et vous obtenez une œuvre qui peut vous rebuter au premier abord si vous ne faites pas partie du cœur de cible. Les nombreuses analepses qui parsèment le récit n’aide pas à la fluidité de la lecture, même si elles n’en cassent pas réellement le rythme. Toutefois, grâce à des personnages attachants (quoique régulièrement larmoyants) et des thèmes actuels qui ne sont pas exposés de façon didactique, Aoi Makino réussit à rendre son manga prenant. Il faut dire que la longueur des chapitres (plus de 60 pages pour le premier, une bonne cinquantaine pour les suivants) permet de développer le comportement de Nina, Hikaru et Miku. Malheureusement, il n’en va pas de même avec les personnages secondaires qui sont un peu trop caricaturaux, que ce soit les garçons où les filles. Ce grand nombre de planches permet aussi de bien caractériser les situations. Celles-ci mettent en évidence les nombreuses attitudes problématiques de la gent masculine, que ce soit des lycéens ou des adultes. Ces derniers sont d’ailleurs dépeints comme des prédateurs sexuels. L’autre grand thème est celui du traumatisme subit par les victimes de ces violences et des désordres comportementaux que cela entraine. Il n’aurait pas été inintéressant qu’Aoi Makino développe aussi l’exploitation, notamment sexuelle, des membres de groupes d’idol mais elle semble avoir décidé (pour l’instant du moins) de se concentrer sur les agressions et leurs conséquences.

La mangaka n’invente pas les faits divers dont sont victimes les jeunes filles de son histoire. En 2014, un fan a agressé à l’aide d’une scie deux membres du groupe d’idols AKB48 lors d’une séance de poignées de main. D’ailleurs, l’une d’elle n’a jamais réussi à surmonter son traumatisme et a arrêté sa carrière. C’est ce qui arrive à Nina. En 2016, un peu avant un concert, la chanteuse Mayu Tomita a été très gravement blessée de nombreux coups portés avec un couteau de poche par un fan éconduit. Ces deux faits divers sordides (il y en a eu d’autres du même genre) sont tout à fait représentatifs de la violence masculine envers les femmes et du risque qui pèse continuellement sur elles. Les attouchements que subit Miku (il lui arrive pire dans le tome 2) sont eux aussi monnaie courante. Dans le tout premier chapitre, les circonstances de l’agression qu’elle a subit ne sont pas clairement exposées, la jeune fille semble prendre avec un certain détachement ce qui lui est arrivé (des attouchements sur ses cuisses un peu dénudées par une jupe plutôt courte). Il n’en est pas de même avec Tsuji, une camarade de classe, qui est continuellement confrontée au chikan, terme qui désigne le harcèlement sexuel et les attouchements dans l’espace public. Rien que pour la mégapole de Tokyo, la police a enregistré en 2017 plus de 1 700 cas s’étant déroulés dans les transports en commun. Ce phénomène de chikan, dans les gares et stations (20% des cas) ainsi que dans les trains et métros, est si important que des wagons sont désormais réservés aux femmes (70% des victimes sont des adolescentes ou des jeunes femmes dans leur vingtaine) aux heures de pointe (30% des cas ont lieu entre 7h00 et 9h00 le matin) afin qu’elles soient un peu plus en sécurité. Des caméras de surveillance ont aussi été installées un peu partout. Si Aoi Makino met en évidence ces phénomènes, elle ne s’en contente pas.

Tout au long du premier tome, l’auteure montre le sexisme de la société japonaise. Tout d’abord en faisant agir et parler ses protagonistes mais aussi les personnages secondaires. Elle rappelle que la femme est un objet de désir pour les hommes. C’est particulièrement le cas des idols qui se prêtent souvent à des séances de photos en bikini (comme on le voit dans les chapitres 1 et 5). Surtout, Aoi Makino rappelle que la faute est rejetée sur les victimes : si cela leur arrive, c’est de leur faute car il faut faire attention à ne pas se mettre dans une telle situation, qu’il ne faut pas rechercher à attirer l’attention et que si cela arrive, c’est la preuve qu’on est séduisante, qu’on ne doit pas s’en plaindre. Dans le tome 1, Miku tiens des propos illustrant cette perception mensongère du chikan. Elle ne semble pas se questionner sur son rapport à la féminité et aux problèmes soulevés par le féminisme. Il faut à cette occasion rappeler que la fétichisation des lycéennes en uniforme (en jupe, donc) est un grand classique de l’imaginaire érotique japonais et qu’elle fait partie du répertoire pornographique au pays du soleil levant. N’oublions pas non plus qu’il existe une véritable loi du silence car il s’agit de ne pas se faire remarquer, de ne pas faire de vagues, surtout pour « si peu ». Pourtant, la parole se libère de plus en plus au Japon depuis la fin des années 2010 malgré l’absence de réactions immédiates au phénomène #metoo. D’ailleurs, depuis 2018, les médias en parlent de plus en plus, y compris à l’étranger. Néanmoins, le plus intéressant dans Sayonara Miniskirt n’est pas là : Aoi Makino montre avec un certain brio, surtout dans les quatre premiers chapitres, comment les victimes d’agressions restent traumatisées et subissent ainsi une double peine : non seulement, elles ont été (plus ou moins) blessées, mais elles restent surtout sujettes à des réactions de peur qui peuvent survenir à n’importe quel moment, lorsqu’une situation les renvoie au moment de l’agression passée.

Il ne reste plus qu’à espérer que ce fichu neuvième chapitre sorte un jour prochain dans Ribon, que l’on puisse avoir un troisième tome en français en 2022. Cette mise en pause est d’autant plus regrettable que la série proposait un thème peu traité dans le shôjo maga, au point qu’un journal aussi réputé le Mainichi Shimbun en a parlé, montrant qu’il existe des shôjo manga capables de ne pas renforcer les stéréotypes de genre avec des histoires à l’eau de rose. En attendant, pour mieux comprendre ce qui arrive à Miku et à Tsuji, les raisons de leur comportement, il faut savoir qu’un livre est paru en 2018 aux Éditions Thierry Marchaise : Tchikan d’Emmanuel Arnaud et Kumi Sasaki où cette dernière dénonce la pratique du chikan en se basant sur sa propre expérience de victime. De même, la lecture du manga En proie au silence d’Akane Torikai (Éditions Akata) est indispensable pour mieux appréhender à quel point le sexisme et le machisme sont toxiques pour de nombreuses femmes. Enfin, précisons que si tout ceci se passe au Japon, les mêmes causes produisent les mêmes effets dans le monde entier, à commencer en Occident.

La Bande dessinée asiatique au festival d’Angoulême (annexe)

Pour se donner une meilleure idée de la représentation des bandes dessinées asiatiques au Festival d’Angoulême, il est nécessaire de s’intéresser aux tires sélectionnés. Vous trouverez ci-dessous l’ensemble des œuvres concernées par les différentes sélections entre 2001 et 2020. Notons qu’un comité de sélection (dont fait partie Benoit Mouchard, futur directeur artistique entre 2003 et 2013) est mis en place pour l’édition 2001. Et c’est cette même année qu’un manga est mis en évidence, le Japon étant invité à montrer sa production BD dans deux expositions. Les prix remis dans le cadre du FIBD (mais pas par le festival proprement dit) sont aussi recensés.

2001

Sélection Alph-Art du meilleur album étranger Le Journal de mon père – tome 3 de Jirō Taniguchi (Casterman)
Prix du Jury Œcuménique Le Journal de mon père – tome 3 de Jirō Taniguchi (Casterman)

2003

Alph-Art du meilleur scénario Quartier lointain – tome 1 de Jirō Taniguchi (Casterman)
Sélection Alph-Art du meilleur scénario Monster de Naoki Urasawa (Kana)
Prix Canal BD Quartier lointain de Jirō Taniguchi (Casterman)

2004

Prix de la série 20th Century Boys – tome 10 de Naoki Urasawa (Panini Manga)
Prix Tournesol Gen d’Hiroshima de Keiji Nakazawa (Vertige Graphic)
Sélection Prix du scénario Planètes de Makoto Yukimura (Panini Manga)
Sélection Prix du dessin Ping-pong – tome 1 de Taiyō Matsumoto (Akata / Delcourt)
Sélection Prix du patrimoine Ayako d’Osamu Tezuka (Akata / Delcourt)
Sélection Prix du patrimoine Coups d’éclat de Yoshihiro Tatsumi (Vertige Graphic)
Sélection Prix public du meilleur album 20th Century Boys – tome 10 de Naoki Urasawa (Panini Manga)
Sélection Prix public du meilleur album Quartier lointain – tome 2 de Jirō Taniguchi (Casterman)

2005

Prix du dessin Le Sommet des dieux – Tome 2 de Jirō Taniguchi et Yumemakura Baku (Kana)
Sélection Prix du meilleur album L’Homme sans talent de Yoshiharu Tsuge (ego comme x)
Sélection Prix du premier album Love My Life d’Ebine Yamaji (Asuka)
Sélection Prix de la série Coq de combat d’Izō Hashimoto et Akio Tanaka (Akata / Delcourt)
Sélection Prix du patrimoine Gen d’Hiroshima de Keiji Nakazawa (Vertige Graphic)
Sélection Prix public du meilleur album Coq de combat d’Izō Hashimoto et Akio Tanaka (Akata / Delcourt)
Sélection Prix public du meilleur album Say Hello to Black Jack de Sato Shuho (Glénat)

2006

Sélection Prix du scénario Dans la prison de Kazuichi Hanawa (ego comme x)
Sélection Prix du dessin Gogo Monster de Taiyō Matsumoto (Akata / Delcourt)
Sélection Prix du premier album Cornigule de Takashi Kurihara (Cornélius)
Sélection Prix du patrimoine Prince Norman – Tome 1 d’Osamu Tezuka (Cornélius)
Sélection Prix du patrimoine L’École emportée de Kazuo Umezu (Glénat)
Sélection Prix public du meilleur album Terres de rêve de Jirō Taniguchi (Casterman)
Sélection Prix public du meilleur album Nana d’Ai Yazawa (Akata / Delcourt)
Sélection Prix public du meilleur album Naruto – Tome 15 de Masashi Kishimoto (Kana)

2007

Prix du meilleur album NonNonBâ de Shigeru Mizuki (Cornélius)
Sélection officielle Ki-Itchi de Hideki Arai (Akata / Delcourt)
Sélection officielle Zipang de Kaiji Kawaguchi (Kana)
Sélection officielle In the Clothes Named Fat de Moyoco Anno (Kana)
Sélection officielle Jacaranda de Shiriagari Kotobuki (Kanko)
Sélection officielle Gyo de Junji Itō (Tonkam)
Sélection officielle Avant la prison de Kazuichi Hanawa (Vertige Graphic)
Sélection patrimoine Hato d’Osamu Tezuka (Cornélius)

2008

Prix du patrimoine Un gentil garçon de Shin’ichi Abe (Cornélius)
Sélection officielle Amer béton – intégrale de Taiyō Matsumoto (Tonkam)
Sélection officielle Death Note de Takeshi Obata et Tsugumi Ōba (Kana)
Sélection officielle Helter Skelter de Kyōko Okazaki (Sakka / Casterman)
Sélection officielle Journal d’une disparition de Hideo Azuma (Kana)
Sélection officielle L’Âme du Kyudo de Hiroshi Hirata (Akata / Delcourt)

2009

Essentiel Patrimoine Opération mort de Shigeru Mizuki (Cornélius)
Sélection officielle Les Gouttes de Dieu – tome 1 de Shu Okimoto et Tadashi Agi (Glénat)
Sélection officielle Ushijima, l’usurier de l’ombre de Shohei Manabe Manabe (Kana)
Sélection officielle Le Voleur de visages de Junji Itō (Tonkam)

2010

Prix de la bande dessinée alternative Special Comix No 3 (Collectif, Chine)
Sélection officielle Ikigami – tome 1 de Motorō Mase (Asuka)
Sélection officielle Le Vagabond de Tokyo de Fukutani Takashi (Le Lézard noir)

2011

Prix Intergénérations Pluto de Naoki Urasawa et Takashi Nagasaki (Kana)
Sélection officielle La Chenille de Suehiro Maruo et Edogawa Ranpo (Le Lézard noir)
Sélection patrimoine La Fille du bureau de tabac de Masahiko Matsumoto (Cambourakis)
Sélection patrimoine Ashita no Joe – tome 4 d’Asao Takamori et Tetsuya Chiba (Glénat)
Sélection jeunesse Naruto – tome 50 de Masashi Kishimoto (Kana)
Sélection jeunesse Détective Conan – tome 62 de Gōshō Aoyama (Kana)

2012

Prix Intergénérations Bride Stories – tome 1 de Kaoru Mori (Ki-oon)
Prix Regards sur le monde Une vie dans les marges – tome 2 de Yoshihiro Tatsumi (Cornélius)
Sélection officielle Les Vacances de Jésus et Bouddha de Hikaru Nakamura (Kurokawa)
Sélection officielle Soldats de sable de Susumu Higa (Le Lézard noir)
Sélection officielle Le Samouraï bambou de Taiyō Matsumoto et Issei Eifuku (Kana)
Sélection patrimoine Kuzuryū de Shōtarō Ishinomori (Kana)
Sélection patrimoine Sous notre atmosphère d’Osamu Tezuka (Éditions H)
Sélection patrimoine Le Voyage de Ryu – tome 5 de Shōtarō Ishinomori (Glénat)

2013

Sélection officielle I Am a Hero de Kengo Hanazawa (Kana)
Sélection officielle Soil – tome 11 d’Atsushi Kaneko (Ankama)
Sélection officielle Thermæ Romæ – tome 4 de Mari Yamazaki (Sakka / Casterman)
Sélection patrimoine 2001 Night Stories de Yukinobu Hoshino (Glénat)
Sélection patrimoine Anjin San de George Akiyama (Le Lézard noir)
Sélection jeunesse Chi : Une vie de chat – tomes 7 et 8 de Konami Kanata (Glénat)

2014

Sélection officielle Opus de Satoshi Kon (IMHO)
Sélection officielle L’Attaque des Titans – tome 1 de Hajime Isayama (Pika Édition)
Sélection officielle Cesare – tome 1 de Fuyumi Soryo (Ki-oon)
Sélection officielle Goggles de Tetsuya Toyoda (Ki-oon)
Sélection patrimoine Les Trois Royaumes d’après Luo Guanzhong (Éditions Fei)
Sélection patrimoine Poissons en eaux troubles de Susumu Katsumata (Le Lézard noir)
Sélection jeunesse Space Brothers – tome 1 de Chūya Koyama (Pika Édition)

2015

Prix du patrimoine San Mao, le petit vagabond de Zhang Leping (Éditions Fei)
Prix Tournesol Le Parfum des hommes de Kim Su-Bak (Atrabile)
Sélection officielle Le Chef de Nobunaga – tome 4 de Takuro Kajikawa et Mitsuru Nishimura (Komikku)
Sélection officielle L’Enfer en bouteille de Suehiro Maruo (Sakka / Casterman)
Sélection officielle Sunny – tome 1 de Taiyō Matsumoto (Kana)
Sélection patrimoine Capitaine Albator – intégrale de Leiji Matsumoto (Kana)
Sélection patrimoine Sex & Fury de Bonten Tarô (Le Lézard noir)
Sélection jeunesse Seven Deadly Sins – tome 5 de Nakaba Suzuki (Pika Édition)
Sélection polar Wet Moon d’Atsushi Kaneko (Casterman)

2016

Sélection officielle Ajin de Gamon Sakurai et Tsuina Miura (Glénat)
Sélection officielle Chiisakobé de Minetarō Mochizuki (Le Lézard noir)
Sélection officielle La Fille de la plage d’Inio Asano (IMHO)
Sélection officielle Unlucky Young Men de Kamui Fujiwara et Eiji Otsuka (Ki-oon)
Sélection patrimoine Cette ville te tuera de Yoshihiro Tatsumi (Cornélius)
Sélection patrimoine La Maison aux insectes de Kazuo Umezu (Le Lézard noir)
Sélection jeunesse A Silent Voice de Yoshitoki Oima (Ki-oon)
Sélection polar Inspecteur Kurokôchi de Kōji Kōno et Takashi Nagasaki (Komikku)

2017

Prix de la série Chiisakobé de Minetarō Mochizuki (Le Lézard noir)
Prix révélation Mauvaises filles d’Ancco (Cornélius)
Prix du patrimoine Le Club des divorcés – tome 2 de Kazuo Kamimura (Kana)
Sélection officielle Last Hero Inuyashiki – tome 6 de Hiroya Oku (Ki-oon)
Sélection officielle Le Mari de mon frère – tome 1 de Gengoroh Tagame (Akata)
Sélection officielle Sunny – tome 6 de Taiyō Matsumoto (Kana)
Sélection jeunesse Ichiko et Niko – tome 1 de Lunlun Yamamoto (Kana)
Sélection jeunesse My Hero Academia – tome 1 de Kohei Horikoshi (Ki-oon)

2018

Prix du patrimoine Je suis Shingo – tome 1 de Kazuo Umezu (Le Lézard noir)
Sélection officielle La Cantine de minuit – tome 1 de Yarō Abe (Le Lézard noir)
Sélection officielle Charlie Chan Hock Chye de Sonny Liew (Urban Comics)
Sélection officielle L’Enfant et le Maudit – tome 3 de Nagabe (Komikku)
Sélection officielle Tokyo Alien Bros. – tome 1 de Shinzo Keigo (Le Lézard noir)
Sélection jeunesse Hanada le garnement – tome 1 de Makoto Isshiki (Ki-oon)

2019

Sélection officielle Blue Giant – tome 3 de Shinichi Ishizuka (Glénat)
Sélection officielle La Cantine de minuit – tome 3 de Yarō Abe (Le Lézard noir)
Sélection officielle Les Montagnes hallucinées de Gō Tanabe (Ki-oon)
Sélection officielle Pline – tome 5 de Tori Miki et Mari Yamazaki (Casterman)
Sélection officielle Saltiness – tome 3 de Minoru Furuya (Akata)
Sélection officielle Sunny sunny Ann ! de Miki Yamamoto (Pika Édition)
Sélection patrimoine Charivari de Maki Sasaki (Le Lézard noir)
Sélection jeunesse L’Atelier des sorciers – tome 1 de Kamome Shirahama (Pika Édition)

2020

Prix de la série Dans l’Abîme du temps de Gō Tanabe (Ki-oon)
Prix jeunes adultes Le Tigre des neiges – tome 4 d’Akiko Higashimura (Le Lézard noir)
Sélection officielle Le Bateau de Thésée de Toshiya Higashimoto (Vega)
Sélection patrimoine Les Fleurs Rouges : Œuvres 1967-1968 de Yoshiharu Tsuge (Cornélius)
Sélection jeunes adultes Beastars – tome 6 de Paru Itagaki (Ki-oon)
Sélection jeunesse My Hero Academia – tome 20 de Kohei Horikoshi (Ki-oon)

Cette longue liste permet de voir à quel point Le Lézard noir (15 sélections, 3 prix) a remplacé Cornélius (9 sélections, 4 prix) comme éditeur « chouchou » du festival au tournant des années 2010. Elle permet aussi de réaliser la montée en puissance d’un éditeur comme Ki-oon (12 sélections, 2 prix), ce qui se fait manifestement au détriment de Kana (19 sélections, 3 prix) ces dernières années. On aussi peut constater, sans surprise, le peu d’auteures dans les sélections : les femmes représentent un peu plus de 12% des sélections, seules Kaoru Mori, Ancco et Akiko Higashimura ayant réussi à remporter un prix (soit presque 16% des prix). D’ailleurs, les titres relevant du shôjo / josei manga sont au nombre de 4 (1 / 3), soit un peu plus de 3% des sélections (toutes entre 2005 et 2008). Enfin, le manga est, comme prévu, omniprésent, ce qui représente un peu plus de 94% des sélections. Il n’y a que la Corée du Sud, la Chine continentale et, étrangement, Singapour, qui ont réussi à briser ce quasi-monopole de la bande dessinée japonaise. Les manhua de Taïwan et de Hong-Kong y arriveront-ils un jour à avoir au moins une sélection, alors que ces deux Chine sont présentes depuis de nombreuses années au Festival d’Angoulême ?

La Bande dessinée asiatique au festival d’Angoulême (4B/4)

À l’étroit depuis plusieurs années dans Le Monde des bulles 2 (qui se trouve au centre-ville, à côté du Champ de Mars), l’espace dédié aux bandes dessinées asiatiques déménage en 2019. Appelée Manga City, une grande bulle est montée à côté des chais du Musée de la Bande Dessinée (donc de l’Espace Jeunesse). Certaines personnes peuvent regretter ce (relatif) isolement, ainsi qu’une catégorisation générique (le manga) qui ne reflète pas la diversité des productions de l’Asie de l’Est, sans parler de l’aspect un peu communautariste d’un tel lieu, empêchant ainsi de montrer les passerelles qui existent entre les différentes BD issues du monde entier. Il n’empêche que sur un plan pratique, c’est une réussite avec bien plus d’espace pour circuler, une zone dédiée aux animations et rencontres, où l’on peut (enfin) réellement s’asseoir, sans oublier des stands éditeurs de plus en plus nombreux et à l’aspect professionnel. En 2020, Manga City déménage à nouveau, dans le but de préparer le futur développement de la zone située derrière la gare SNCF, là où se trouve la médiathèque L’Alpha. L’espace en profite au passage pour gagner un peu plus de superficie.

Les années 2019 et 2020

Contrairement à ce que l’on pouvait craindre au début, l’accès à Manga City est assez aisé en 2019. Y aller à pied est assez simple et rapide : il suffit de descendre du plateau à partir des Halles par l’avenue de Cognac puis de couper par les escaliers du Vaisseau Moebius avant de traverser la passerelle Hugo Pratt (et poser au passage devant la statue de Corto Maltese). Pour remonter, c’est encore plus facile : il n’y a qu’à emprunter une des fréquentes navettes dédiées qui relient Manga City au Champ de Mars (il est possible de la prendre dans les deux sens, bien entendu). Résultat, nous n’avons aucun souci à changer régulièrement de lieux durant nos cinq jours de présence. Heureusement, car le programme est fourni, de véritables rencontres remplaçant les innombrables « performances graphiques » des années précédentes. Que Stéphane Ferrand (le responsable de Manga City) et Fausto Fasulo (Rédacteur en chef du magazine ATOM et le responsable des animations) en soient mille fois remerciés. Alors, certes, nous n’avons pas tout suivi mais nous avons passé pas mal de temps sur place comme, par exemple, le dimanche où nous avons enchainés les trois rencontres du jour. Il faut dire que la richesse des animations (y compris sur les stands des éditeurs) est rendue possible par la présence de nombreux mangaka et d’une délégation importante venue de Taïwan.

Signe de la place toujours plus importante donnée au manga par Stéphane Beaujean (le directeur artistique), il y a de nouveau deux invités plutôt prestigieux : Tayô Matsumoto et Tsutomu Nihei. Outre le fait que chacun bénéficie d’une exposition dédiée, ils participent à un programme de rencontres, même si Nihei semble être quelqu’un de plus discret que Matsumoto (pourtant réputé pour ça). En effet, entre sa masterclass au CGR, sa Rencontre internationale et ses trois séances de dédicace à Manga City, sans oublier sa grande exposition monographique située au Musée d’Angoulême (avec le catalogue qui vient avec), Tayô Matsumoto est sur tous les fronts. Une conférence du Conservatoire, animée par l’excellent Gwenaël Jacquet, lui est même consacrée. Par ailleurs, nous avons pu jouer aux fans, les Mangaversien·ne·s ont toutes et tous eu leur dédicace du mangaka. L’exposition « Dessiner l’enfance » est vraiment réussie, tout comme le catalogue l’accompagnant. Toutefois, nous regrettons une masterclass assez peu intéressante, moyennement bien animée par Lloyd Chéry, ce qui nous a fait rater la rencontre avec Paru Itagaki (Beastars chez Ki-oon) qui est proposée aux mêmes horaires (ahhh, le samedi et ses sempiternels conflits d’emploi du temps). L’exposition consacrée à l’œuvre de Tsutomu Nihei est, elle aussi, réussie malgré un espace assez réduit. La prestation (dessiner en public) de Nihei est intéressante (les photos étant malheureusement interdites). Il est à noter que la séance de dédicace du mangaka consiste en une simple signature mais qu’elle permet de rencontrer le « maître », au plus grand plaisir de l’une d’entre nous. La première année de Manga City se révèle donc être une belle réussite, participant activement à faire de la quarante-sixième édition du FIBD d’Angoulême la meilleure que nous ayons pu suivre. Les lectrices et lecteurs peuvent avoir une vue plus générale de la manifestation en consultant le mini-site dédié à 2019 (qui propose notamment de nombreuses photos) et en allant voir mon compte-rendu sur le présent blog.

En 2020, Manga City déménage une nouvelle fois. L’emplacement situé derrière la gare SNCF n’est pas franchement meilleur ni plus accessible mais il préfigure le développement du festival dans le nouveau quartier de la gare. Du coup, l’espace dédié aux bandes dessinées asiatiques gagne à nouveau un peu plus de surface, ce qui permet de bien séparer l’espace dédié aux animations de celui consacré aux stands. Malheureusement, le programme de ces animations est trop grand public à nos yeux et ne nous intéresse absolument pas. Il faut dire que l’absence du Grand Prix 2019, Rumiko Takahashi, combinée à la présence extrêmement discrète (du fait de son grand âge) de Yoshiaru Tsuge, et à l’absence d’intervenant·e japonais·e d’un « certain calibre » font que nous ne suivons pratiquement aucune activité liée au manga et nous ne mettons quasiment pas les pieds à Manga City, juste ce qu’il faut pour faire quelques achats et discuter un peu sur les stands de Kana et Akata.

Certes, il n’y a pas que Manga City au festival mais même les conférences du Conservatoires liées à la bande dessinée japonaise ne sont pas très motivantes. Heureusement, il reste les masterclass des deux principaux invités japonais. Celle d’Ino Asano est vraiment réussie, Lloyd Chéry s’étant bien amélioré. Nous n’assistons pas à celle de Yukito Kishiro, préférant faire autre chose, ce qui est un peu regrettable étant donné les retours que nous en avons peu après son déroulement. L’exposition « Gunnm, l’ange mécanique » se révèle être de qualité alors que celle consacrée à Yshijaru Tsuge, « Être sans exister », ne réussit pas à nous intéresser autant (malgré sa grande érudition) que celles proposées au Musée d’Angoulême les années précédentes. Du coup, comme déjà dit, il est difficile de s’enthousiasmer autant qu’en 2018 et en 2019. L’édition 2020 est donc à nos yeux, comme à une époque pas si lointaine, sauvée par ses autres activités, notamment les expositions, les animations et les rencontres liées aux comics.

Et maintenant ?

La quarante-septième édition a pu se dérouler normalement avant que le fameux coronavirus provoque l’annulation des festivals BD et conventions manga (à de rares exceptions près) prévus en 2020 mais aussi en 2021. Résultat, la quarante-huitième édition n’existe que sous forme virtuelle, avec une diffusion vidéo de la remise des prix en janvier 2021 et un vote pour le Grand prix en juin 2021. Surtout, les changements dans la direction artistique du festival d’Angoulême avec la démission en février 2020 de Stéphane Beaujean, suivie quelque temps après de celle de Stéphane Ferrand qui était pressenti pour s’occuper de la partie « asiatique » du programme 2021, sans oublier le départ récent de Frédéric Felder (chargé de la BD franco-belge), font que nous n’avons aucune idée de ce à quoi pourrait ressembler l’édition 2022, surtout sur le plan de la bande dessinée asiatique. Il ne nous reste plus qu’à attendre les prochaines annonces et réunions du festival (sans oublier la conférence de presse) et surtout à espérer que la situation sanitaire soit revenue à peu près à la normale à la rentrée de septembre…

Je remercie une nouvelle fois Manuka pour sa relecture et ses précieuses corrections. J’adresse aussi tous mes remerciements au FIBD et à ses différentes organisations dont 9e Art+.

Imbattable, un super-héros de bande dessinée

Héros plus ou moins de l’ordinaire, Imbattable sauve aussi bien un petit chat coincé en haut d’un arbre que, par exemple, le monde d’une catastrophe bactériologique fomentée par un savant fou. En tant que « seul véritable super-héros de bande dessinée » comme le précise l’accroche de l’éditeur du titre (Dupuis), Imbattable possède le pouvoir de se mouvoir d’une case à l’autre (l‘espace) et de voir l’intégralité de la planche (le temps), sans respecter le sacro-saint sens de lecture. Pouvant voir comment les événements vont se dérouler, il peut ainsi anticiper et faire interagir les cases entre elles : il a le pouvoir de briser la barrière de l’espace-temps inter-iconique.

Auteur phare de Treize Étrange au début des années 2000 jusqu’au rachat de l’éditeur par Glénat en 2007, Pascal Jousselin a trouvé un temps refuge chez Audie / Fluide Glacial avant de rebondir en 2013 chez Dupuis grâce aux séries L’Atelier Mastodonte et surtout Imbattable. Cette dernière a débuté dans le Journal de Spirou en mai 2013 et se poursuit depuis de façon irrégulière, selon une pagination plus ou moins changeante. Le premier tome, « Justice et légumes frais » paru en avril 2017, est constitué d’une sélection de 46 planches, ce qui représente plus qu’une sorte de compilation de la période 2013-2016. En effet, sur les 24 histoires prépubliées à l’époque (l’une étant en deux parties), 21 nous sont proposées ici, la plupart étant des gags en une planche, la plus longue, celle en deux parties, totalisant 10 pages. Le deuxième opus, « Super-héros de proximité » a été mis en vente en avril 2018. Il propose 11 nouvelles histoires couvrant la période 2013-2018, certaines étant toujours des gags en une page, d’autres étant nettement plus longues comme celle intitulée « Vadrouille américaine ». Cette dernière a d’ailleurs été prépubliée sur trois semaines, à raison de trois planches par numéro. Enfin, la nouvelle livraison, titrée « Le cauchemar des malfrats », a demandé trois années de patience aux fans de l’auteur. Sortie en avril 2021, elle contient à nouveau 46 planches reprenant les travaux de 2014 à 2021. Cela représente là aussi, 11 histoires, les gags en une page se faisant plus rares. Toutefois, n’oublions pas dans notre décompte le court gag proposé à chaque fois en quatrième de couverture.

« Justice et légumes frais » propose principalement des gags reposant sur des effets de déplacement du personnage entre et dans les cases d’une seule planche. Si cela fonctionne très bien au début, l’humour perd petit à petit son impact. Heureusement, Pascal Jousselin ne se contente pas de ressasser la même formule. Il est conscient des limites de l’exercice et il se met alors à introduire de nouveaux personnages comme le gendarme Jean-Pierre et Toudi, l’adolescent qui maîtrise les effets de perspective, la profondeur dans l’environnement 2D de la bande dessinée. En effet, et c’est surtout vrai avec « Super-héros de proximité » (l’effet de surprise étant passé), le risque pour l’auteur de tourner en rond est de plus en plus important au fil des pages. Il faut se renouveler, ce que Jousselin réussit en proposant des récits plus longs et surtout reposant sur d’autre jeux formels. Nous en avons un premier exemple dans le premier tome où l’auteur développe quelques récits sur un plus grand nombre de planches et où un super-vilain à le pouvoir de passer à travers les pages.

« Vadrouille américaine » (dans le tome 2) en est une des meilleures démonstrations, avec un travail sur les couleurs, un paramètre très important dans la bande dessinée franco-belge. Ce jeu est littéral, c’est-à-dire que le nom de la couleur sert ici à réaliser un effet. Saluons d’ailleurs la colorisation réussie de Laurence Croix sur l’ensemble de la série. Un autre exemple est donné avec l’histoire mettant en scène Le Savant fou avec un jeu sur les univers parallèles et une page repliable. Dans le tome 3, Le récit intitulé « Le passe-temps de la factrice » s’intéresse à la façon dont la BD symbolise le passage du temps et la succession d’instants. Moins ambitieuse mais plus visuelle, l’histoire « Le rayon diabolique » permet de jouer sur les cases en les rendant interdépendantes sur l’ensemble de la page, et même de la double page. Avec « L’autre dimension », Jousselin joue sur le support même de la bande dessinée. Plus anecdotique, quoique assez tendre, l’épisode « Opération Jean-Pierre » utilise le rendu d’un vernis brillant sur une page au papier mat. Enfin, « Imbattable contre Invincible » fait intervenir le récitatif pour concevoir un nouveau pouvoir, lié à la fameuse case qui introduit dans la narration une rupture d’unité de lieu, de temps, ou des deux à la fois.

Illustrant avec brio les analyses sur la case, la planche, le récit en bande dessinée proposées par Benoit Peeters, Thierry Groensteen, Will Eisner et Scott Mc Cloud, Pascal Jousselin construit le pouvoir d’Imbattable sur une forme classique : un gaufrier plus ou moins strict de 9 à 16 cases. Notons que l’utilisation des espaces inter-iconiques ainsi créés se rapproche plutôt d’une approche séquentielle, chère à Peeters, avec une utilisation très réduite de l’ellipse. En effet, celle-ci peut laisser une grande place à l’imagination des lectrices et lecteurs en installant une zone de « non-dit ». Or, Imbattable ne peut agir que sur ce qu’il voit de la page où il se trouve. C’est d’ailleurs la limite de son pouvoir : placé en dehors d’une planche, il ne peut plus s’en servir comme le montre « L’autre dimension ». À un moment, notre héros se retrouve à Saint-Malo, sur le site de l’exposition qui est consacrée à la série à l’occasion du festival Quai des bulles 2019, et non dans une BD ; résultat, le voilà impuissant. N’oublions pas les pouvoirs de Toudi (s’affranchir de la perspective), du Plaisantin (passer à travers la feuille) et d’Invincible (voyager dans l’espace-temps grâce aux récitatifs, une prérogative d’auteur). Ils enrichissent ces différents jeux sur le médium sans toutefois en proposer les mêmes implications théoriques (encore que…). Il est par ailleurs amusant, et totalement dans l’esprit, de découvrir un « plagiat par anticipation » (dixit Manuka) avec ce gag d’Étienne Oburie. Quoi qu’il en soit, Imbattable est une série remarquable et remarquée, surtout à ne pas manquer.

La Bande dessinée asiatique au festival d’Angoulême (4A/4)

En 2016, un nouveau cycle débute pour les lectrices et lecteurs de bandes dessinées asiatiques : Stéphane Beaujean devient seul directeur artistique du Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême. Sa volonté est clairement affichée lors d’une réunion en novembre avec les éditeurs manga francophones : faire (re)revenir ces derniers au festival en plaçant la bande dessinée japonaise au centre de ses préoccupations. En attendant, la quarante-troisième édition (organisée durant l’année 2015) s’ouvre fin janvier 2016 dans un contexte de crise (notamment avec un problème de renouvellement de contrat entre 9e Art+ et l’Association du Festival) sans oublier diverses polémiques (avant, pendant et après le festival).

Deux années de transition : 2016 et 2017

Entre 2016 et 2018, la bande dessinée asiatique occupe une partie du Monde des bulles 2 et retrouve ainsi un emplacement occupé en 2012. Intitulé « Quartier Asie », l’espace occupe tout le fond de la bulle en 2016 et met en évidence la moto de la série Akira (réalisée par un Japonais fan de l’œuvre d’Otomo, le Président de la présente édition en tant que Grand Prix 2015). Malheureusement, le programme n’est pas franchement intéressant, proposant bien trop de « performances graphiques » et trop peu de rencontres. En fait, seul le vendredi nous intéresse avec deux rencontres internationales, une avec Minetaro Mochozuki, brillamment animée par Xavier Guilbert (pour ne pas changer), et l’autre avec Ayako Noda, très moyennement conduite par Christian Marmonnier. À la décharge de ce dernier, le manga n’est pas sa spécialité et la mangaka est une jeune débutante, encore peu connue au Japon. Nous devons avouer que nous avons un peu séché les autres activités, connaissant plutôt bien l’industrie de la bande dessinée hongkongaise et la Comix Home Base. Une petite exposition, manquant malheureusement de cartels mettant en situation les planches proposées, présente différentes séries paraissant dans le magazine de prépublication HiBaNa, le successeur du regretté IKKI, magazine laissant une part importante aux auteures de seinen manga.

Cependant, il n’y pas que le Quartier Asie qui est peu attrayant. Il faut reconnaitre que si on ne s’intéresse pas à Akira et à son créateur, l’offre globale en matière de manga est plutôt pauvre. De ce fait, nous assistons à une nouvelle rencontre avec Minetaro Mochozuki, cette fois dans l’espace L’Alpha (la médiathèque du Grand Angoulême tout juste inaugurée) où un Stéphane Beaujean très fatigué se fait plus que seconder par Xavier Guilbert « embauché » à la dernière minute. Heureusement, la programmation du festival est tellement riche qu’il y a toujours autre chose à voir ou à faire. Par exemple, cela permet d’avoir le temps d’aller au festival Off, le FOFF, pour y découvrir un mangaka bien particulier : Jiro Hishiwara. Pour avoir un aperçu plus complet de la manifestation, les lectrices et lecteurs du présent billet peuvent se rendre sur le mini-site Mangaverse à Angoulême 2016 et voir les diverses activités suivies par l’équipe mangaversienne

En 2017, étrangement, il y a peu de changements dans l’organisation de l’espace dédié aux bandes dessinées asiatiques. Pourtant, le lieu perd son nom, devenant un simple « espace manga » au sein du Monde des Bulles, le numéro 2 (la bulle sise rue des Frères Lumière, rappelons-le). La programmation s’en ressent, elle est réduite à la portion congrue. Une fois de plus, les stands coréens, hongkongais et taïwanais tirent l’espace vers le haut par leur réalisation. Seuls Akata et Ototo représentent les éditeurs mangas francophones. Sur ce point, le festival est loin de concurrencer Japan Expo, ou même Livre Paris. « Rome ne s’est pas faite en un jour » comme on dit, et cela se voit ! Inutile de dire que nous y passons encore moins de temps que lors de l’édition précédente. Nous assistons debout du fait du manque d’espace et d’un emplacement en plein cheminement des festivaliers voulant se rendre sur le stand Dupuis/Spirou, uniquement une conférence peu intéressante sur une œuvre scénarisée par Eiji Otsuka. Ce dernier n’est même pas présent, laissant le soin à une professeure de manga japonaise de nous présenter (assez laborieusement si je me souviens bien) cette création inédite en français (et qui l’est toujours).

Heureusement, le programme des Rencontres Internationales est plutôt intéressant, même en l’absence d’une tête d’affiche plus grand public. Les Japonais sont nombreux : Eldo Yoshimizu, auteur publié pour la première fois par le Lézard Noir, Gengoroh Tagame, dont Le Mari de mon frère vient de sortir chez Akata, ainsi que le duo Mari Yamazaki (Thermæ Romæ et PIL chez Casterman) / Tori Miki (connu dans nos contrées pour Intermezzo chez IMHO) qui officie sur Pline, série publiée en français par Sakka / Casterman. N’oublions pas le regretté Rao Pingru (Chine), dont le formidable Notre histoire est publié au Seuil. Il y a donc largement de quoi faire en matière de rencontres avec des auteur·e·s asiatiques, d’autant plus que les animateurs ont fait du bon travail et que les auteur·e·s n’étaient pas mutiques (ce qui est toujours un risque). De plus, le festival a investi le Musée de la ville d’Angoulême pour y établir son exposition majeure. Si l’espace dédié aux expositions temporaires (situé au deuxième étage) sert depuis plusieurs années (2010 et depuis 2015), il s’agit désormais d’y mettre en avant un auteur japonais emblématique. Pour cette première année, il s’agit de Kazuo Kamimura, désigné comme étant « l’estampiste du manga ». L’auteur est notamment publié en français par Kana. L’habituel reportage photographique mangaversien est bien entendu disponible sur son mini-site dédié.

2018, nouvelle année de référence ?

En 2018, le travail de Stéphane Beaujean commence à porter ses fruits de façon plus visible. Un « Pavillon Manga » fait sa réapparition, prenant la place du Monde des Bulles 2. Son organisation est confiée à Stéphane Ferrand, ancien co-rédacteur en chef du Virus Manga, ce qui nous renvoie plus de dix années en arrière, à l’édition 2005 pour être précis. Le programme est étoffé même s’il y a toujours trop de ces fichues « performances graphiques ». Du côté des invités, il y a du « lourd » : Naoki Urasawa et Hiro Mashima. Bien entendu, le Pavillon manga n’a droit qu’aux « seconds couteaux » que sont Keigo Shinzo (auteur au Lézard Noir de Tokyo Alien Bros.) et Kenichi Kiriki (auteur du contemplatif manga La Photographe chez Komiku). Il y a aussi l’intéressante rencontre avec Takayuki Matsutani, le président de Tezuka Productions venu parler du « dieu du manga » à l’occasion de l’exposition qui est consacrée à ce dernier. Bref, nous passons un peu plus de temps que les années précédentes, notamment pour tenter notre chance aux concours quotidiens organisés sur le stand de Tezuka Prod. Une grande librairie manga est proposée par Cultura pour pallier un peu l’absence des éditeurs francophones. Malheureusement, il n’y a que les séries les plus vendeuses de disponible, pour la découverte, on repassera. En effet, pour le manga, il n’y a qu’Akata, Kana et Pika qui sont présents. Notons toutefois l’impressionnant stand consacré au « manfra » Head-Trick et à ses nombreux goodies.

En dehors du Pavillon Manga, il y a de quoi faire avec les deux grosses têtes d’affiche japonaises. Naoki Urasawa et Hiro Mashima bénéficient chacun de leur exposition : « L’Art de Naoki Urasawa » pour le premier et « Fairy Tale » pour le second. Toutefois, l’exposition majeure de cette édition du festival est celle consacrée à Osamu Tezuka : « Manga no kamisama » (le dieu du manga). Sise dans le même espace que celle de l’année précédente et bénéficiant d’une scénographie assez similaire, son intérêt et son impact sont immenses. De plus, le Festival propose un catalogue qui reprend et développe les intéressants cartels tout en incluant de nombreuses reproductions de planches. Une réussite totale ! Le Conservatoire propose trois conférences intéressantes (et réussies) sur la bande dessinée asiatique. Sur le plan des rencontres, Naoki Urasawa et Hiro Mashima bénéficient chacun d’une Masterclass même si celle d’Urasawa a dû surprendre plus d’une personne lorsque le mangaka a profité de sa présence sur scène pour montrer ses talents de musicien en plus de ceux de dessinateur. Urasawa est aussi invité à une Rencontre internationale, animée par le vétéran et toujours excellent Romain Brethes. Mashima a, lui, le droit de s’amuser avec Reno Lemaire lors d’une Draw Battle. Enfin, n’oublions pas la présence du très talentueux auteur singapourien (d’origine malaisienne) Sonny Liew qui bénéficie d’une petite mais intéressante exposition dans les caves du Théâtre d’Angoulême à l’occasion de la sortie chez Urban Comics de Charlie Chan Hock Chye, une vie dessinée. Il participe aussi à une Rencontre internationale formidablement animée par Paul « Magnific » Gravett. Bref, 2018 se révèle être une excellente édition, une des meilleures qu’il nous a été possible de suivre. Et pourtant, un an plus tard, 2019 va se révéler être un meilleur cru !

Je remercie Manuka pour sa relecture et ses précieuses corrections. J’adresse aussi tous mes remerciements au FIBD et à ses différentes organisations dont 9e Art+.

Tyranny, fin de partie ?

Il y a un mois, le présent blog se faisait l’écho de ma nouvelle plongée dans les jeux vidéo à cause de la plateforme Steam. Après avoir achevé Pillars of Eternity I et II, j’ai embrayé en février sur un autre RPG « à la Baldur’s Gate », lui aussi développé par Obsidian : Tyranny. Venant tout juste de le terminer (ou plus exactement de voir deux des fins possibles, d’ailleurs quasiment identiques) sans y retrouver même le plaisir de jeu, et n’ayant pas trouvé de successeur du même genre, je me demande si cette partie n’était pas la dernière avant longtemps. J’ai bien quelques RPG dans ma liste de souhaits Steam mais j’attends qu’ils soient en solde et je doute de leurs qualités. Cela aurait l’avantage de me laisser du temps pour me remettre à lire (des BD, des livres d’étude sur la BD, de la SF, des essais, des romans 10/18, etc.) et à écrire (des chroniques, des billets, des messages), au lieu de passer mon temps sur Steam. D’ailleurs, illustration de cette envie de désaffection, je me suis mis à écrire un petit quelque chose sur Tyranny dès le générique de fin passé.

Il s’agit donc là aussi d’un jeu de rôle en 3D isométrique proposant des combats en temps réel avec pause. Le site de l’association Pixels le présente bien. Le tout est très classique, ce que je recherche, détestant les jeux en pure 3D. Par contre, comme le pointe le test proposé par jeuxvideo.com, l’histoire proposée est trop courte (même avec le DLC Tales from the Tiers), le monde trop petit et les sous-quêtes sont trop peu nombreuses, régulièrement mal amenées et souvent peu palpitantes. L’extension Bastard’s Wound a les mêmes défauts, surtout que je l’ai faite avec des stats gonflées pour me faciliter les combats. Cela n’en fait pourtant pas un mauvais jeux, loin de là, il faut juste se faire à l’idée qu’il n’est pas aussi immersif que Baldur’s Gate ou Pillars of Eternity et qu’il n’occupera pas ses loisirs pendant des semaines et des semaines. Tout d’abord, il est très plaisant d’être, pour une fois, du côté des méchants envahisseurs. On est là pour soumettre des populations, pas pour les défendre. Les irréductibles Gentils peuvent toutefois rejoindre le camp des rebelles, mais quel intérêt ? Cela m’a rappelé, dans un genre totalement différent, l’excellent jeu de combat spatial Tie Fighter où nous jouions du côté de l’Empire, aidant ainsi à notre niveau l’Empereur et Dark Vador à vaincre les rebelles. Qu’il est bon d’être mauvais !

Ensuite, graphiquement, le jeu est réussi, même s’il faut s’habituer à un dessin très stylisé et très coloré, peut-être peu en adéquation avec la noirceur des paysages et de l’histoire. Cependant, le plus plaisant et le plus intéressant est incontestablement la place donnée aux femmes dans le monde de Terratus. Si les deux Archontes envoyés au front (Graven Ashe et Nerat Polyvoix) sont des hommes, des chefs de guerre, ils ont énormément de subordonnées, y compris à des postes importants. Par ailleurs, il est possible de recruter quatre compagnonnes pour deux compagnons de quêtes. Et elles sont toutes intéressantes à jouer : il y a Verse, combattante émérite et tueuse sans scrupule. Il y a aussi Eb, une puissante magicienne bien plus utile dans les combats que Landry, son homologue masculin. Enfin, il y a Tue-dans-ombre, dernière représentante des Femme-bêtes de la tribut des Chasse-ombres. C’est une combattante puissante qui peut remplacer sans peine dans le rôle du tank Barik, un guerrier modèle et loyal à son Archonte, un peu trop rigide sur les principes. L’avantage est qu’il monte vite en niveaux. Par contre, j’ai peu utilisé, à tort, Sirin, une Archonte du chant, ce qui fait que je n’ai pas réellement d’avis à son sujet. Elle a l’air d’être puissante et je me dis que j’aurai dû constituer mon équipe 100% féminine bien plus tôt.

En effet, ayant choisit d’incarner une Scelleuse (et non un scelleur pour une fois), on aurait pu penser que j’aurai constitué rapidement ce groupe 100% féminin. Mais la linéarité du jeu permet de recruter assez rapidement Lantry et Barik, qui sont assez indispensables au début. Cela m’a fait garder le plus souvent ces deux personnages masculins par facilité. Il faut dire que, à l’instar de Verse, ils ont tous les deux des quêtes qui leur sont associées (je n’ai pourtant pas terminé celle de Lantry). Comme quoi, entre mon conditionnement et celui des concepteurs du jeux, l’aspect « féministe » du jeu n’est pas si développé qu’il le semblerait de prime abord. Il y a toutefois un détail « amusant » concernant la question du genre. Selon les personnages, le sexe de Kyros varie. Pour certains, c’est un homme alors que pour d’autres, c’est une femme. Mieux encore, Sirin, qui a été pendant plusieurs années à son service direct, nous contredit lorsqu’on en parle à la troisième personne du masculin, et vice-versa. Alors : il, elle, iel ou autre ?

En fait, pour avoir la réponse à cette question « si importante » 🙂, il faudrait que Tyranny II sorte un jour (ce qui ne risque pas d’arriver vu les ventes décevantes du présent opus et de PoE II). Cela permettrait aussi de mieux profiter des Flèches qui ne peuvent pas être exploitées à leur plein potentiel à cause d’un jeu qui se termine trop vite (sans parler de ma compréhension tardive de leur utilité autre que de servir de téléporteurs) et des ressources importantes qu’elles demandent pour leur utilisation. Sans doute, il faudrait rejouer l’histoire deux ou trois fois, en choisissant des factions différentes, en adoptant des comportements plus variés grâce à une meilleure compréhension des mécanismes du jeu. Malheureusement, je n’en ai pas le courage, du moins pas pour l’instant (car ça reste un bon jeu)…

Les Mangaversien·ne·s n’y sont pas !

Normalement, aujourd’hui dimanche 31 janvier, la petite délégation mangaversienne aurait dû avoir profité depuis quatre jours, comme tous les ans, du Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême. Cependant, la crise du COVID jouant les prolongations, la quarante-huitième édition a été scindée en deux. La première partie est même devenue virtuelle alors qu’une cérémonie de remise des prix était prévue au théâtre le vendredi 29 avec l’ouverture au public de deux expositions. Il ne reste plus qu’à espérer que la seconde partie, devant se dérouler du 24 au 27 juin, ait bien lieu. Au passage, je peux vous dire qu’Angoulême en été, ça n’a rien à voir avec l’Angoulême hivernal que nous connaissons toutes et tous !

Depuis jeudi, je me dis plusieurs fois par jour que j’aurai dû être à Angoulême avec ma camarade de festival (depuis 10 ans déjà) a-yin. Nous y aurions retrouvé nos compères Tanuki et Manuka (entre autres). Nous aurions dû faire des expositions, discuter avec différentes connaissances, assister à des rencontres, des tables rondes, des conférences, etc. Nous aurions aussi ramené quelques dédicaces (peu, il ne s’agit pas d’un exercice important pour nous) et surtout fait de nombreux (trop du point de vue d’a-yin) achats chez les éditeurs indépendants et/ou alternatifs. J’avais songé à un moment aller quand même dans la préfecture de la Charente pour essayer d’assister à la cérémonie de remise des prix qui était prévue le vendredi. Encore aurait-il fallu que j’aie une invitation, étant donné le peu de places qui auraient été disponibles dans le théâtre. Celui-ci comptant en temps normal 680 sièges, on peut imaginer qu’il n’y aurait eu qu’environ 200 personnes invitées. Sachant qu’en seize éditions, j’ai préféré décliner les deux ou trois occasions où j’aurai pu récupérer le précieux sésame, n’étant pas fan de l’exercice, cela aurait peut-être été exagérer d’y assister cette année. Cependant, c’eut été aussi l’occasion de faire les deux expositions au long cours (janvier → juin), celle consacrée à Emmanuel Guibert et celle consacrée à la BD africaine. En attendant, nous n’y étions pas, et il ne nous reste plus qu’à parcourir à nouveau les mini-sites réalisés à l’occasion des précédentes éditions…

La cérémonie de remise des prix a quand même eu lieu, retransmise sur YouTube par France Inter, un des partenaires média du festival. Passons sur les soucis techniques qui ont rendu la diffusion pénible à suivre pour nous concentrer sur le palmarès. J’avoue que, comme tous les ans, je me fiche un peu de qui a tel ou tel fauve. Cette année, sur les douze titres primés, je n’en ai lu qu’un (et encore à la mi-janvier) : GOST 111. C’est très bien, je le conseille fortement. J’ai prévu depuis longtemps de lire Paul à la maison sans jamais penser à l’acheter (il faut vraiment que je retourne à la librairie Super Héros). Je connais aussi de réputation L’Accident de chasse. Cela fait peu ! Toutefois, et c’est aussi le but d’une telle manifestation, il y a trois titres dont j’ignorais plus ou moins l’existence (ce qui la fout un peu mal, non ?) qui sont passés en prévisions d’achat. Mon attention a donc été attirée sur Dragman, Tanz ! (cette BD, j’avais quand même vu qu’elle était sortie) et Anaïs Nin : Sur la mer des mensonges. J’avoue ne pas avoir beaucoup de curiosité pour le reste, ayant déjà trop de choses à lire. Après, si je venais à croiser tel ou tel ouvrage dans la bibliothèque parisienne où je m’approvisionne régulièrement…

Notons l’absence des bandes dessinées asiatiques au palmarès, comme pratiquement à chaque fois. Il y a bien eu un manga qui a été distingué mais il ne pouvait en être autrement, étant donné qu’il s’agit du prix Konishi de la traduction : cette année, c’est Miyako Slocombe qui a été (fort justement) récompensée pour son (excellent) travail sur Tokyo Tarareba Girl, un des plus grands succès d’Akiko Higashimura, son auteure. Bravo à Miyako que j’ai l’honneur de connaître un peu et aux éditions Le Lézard Noir ! Justement, j’ai la lecture du tome 3 qui m’attend (je sais, j’ai un peu de retard)…

Le Fauve © Lewis Trondheim / 9e Art+ — Merci à Manuka pour sa relecture

PoE : et ce fut la rechute !

Il y a à peu près un an et demi, suite à la lecture d’un ouvrage dédié au genre, j’écrivais un billet souvenir sur les RPG qui m’avaient le plus marqué. Cependant, je pensais qu’il s’agissait là d’un temps définitivement révolu, n’arrivant pas à me passionner à nouveau pour ces univers vidéoludiques. Pourtant, c’est bien connu, il ne faut jamais dire jamais. Début novembre, pour offrir à ma filleule son cadeau d’anniversaire sous la forme d’une e-carte cadeau Steam, j’ai dû m’inscrire sur la fameuse plateforme de distribution en ligne de jeux vidéo. J’avais soigneusement évité de le faire pendant des années, m’en vantant presque alors qu’une bonne partie de mon entourage s’y trouvaient (ce qui est un frein social, il faut le reconnaître). Ayant dorénavant un compte Steam, je suis allé voir ce que proposait le magasin. Grave erreur ! Passant en revue les jeux de rôle, je suis tombé sur Pillars of Eternity, dont j’avais remarqué l’existence lors de mes recherches sur le Web lors de l’écriture du fameux billet dédié au genre. Manque de chance, voilà qu’il est en promo (genre -60%)… Impossible d’y résister et je me retrouve à remplir mon porte-monnaie Steam et à en faire l’acquisition. Pire, l’idée d’y jouer me vient… Et là, c’est la rechute tant le jeu se révèle être addictif. Résultat, j’y passe l’essentiel de mon temps libre, ce qui se traduit par un arrêt quasi complet de mes lectures et de l’écriture de billets WordPress (je ne parle même pas de poster sur les deux-trois forums que je suis).

Pillars of Eternity

Le titre est considéré comme étant le digne successeur de Baldur’s Gate, Effectivement, on y retrouve la même représentation isométrique des décors et des personnages, le même système de combat en temps réel avec pause, etc. Il y a aussi un système de réputation très intéressant, celle-ci variant en fonction du comportement du joueur lors des (très) nombreuses quêtes secondaires ou lors de choix à faire lors des quêtes principales. Cela peut aller jusqu’au départ de compagnons qui ne supporteraient pas telle ou telle façon de faire ou de choisir une faction qu’il est hors de question de soutenir. C’est donc sans surprise que le jeu a reçu un accueil critique et public très favorable, ce qui s’est traduit par un beau succès commercial pour Obsidian, le studio de développement, et pour Paradox, l’éditeur. Il existe aussi deux extensions qui sont vraiment plaisantes à faire. Bref, il s’agit là d’une belle réussite.

D’habitude, je prends comme avatar un beau blond bien baraqué. Cette fois, j’ai préféré prendre un personnage au physique plus quelconque, laissant le rôle à Edér, un des compagnons principaux. Les débuts se sont révélés être assez aisés, entre fonctionnement connu et système de tutoriel bien fait, le tout accompagné par une difficulté du jeu bien étudiée, surtout que j’ai décidé de jouer en mode facile pour ne pas avoir à perdre trop de temps avec les combats et pour profiter au mieux de l’histoire. Toujours dans l’optique de ne pas perdre du temps, je me suis souvent aidé de la solution proposée par le site Supersoluce.com ainsi que du Strategy Guide disponible au format PDF dans la Definitive Edition. Et tant qu’à tricher, allons jusqu’au bout : j’ai installé l’éditeur de sauvegarde Eternity Keeper, histoire de muscler un peu mon avatar car j’en avais un peu marre qu’il tombe trop souvent évanoui lors des combats. Il m’a quand même fallu pratiquement 90 heures (étalées sur un peu plus d’un mois) pour arriver à la fin du jeu.

Il faut dire que le jeu est assez vaste, surtout avec l’extension (en deux parties) The White March. Chaque nouveau site atteint donne envie d’en découvrir plus, de rencontrer les PNJ locaux et d’avancer dans les quêtes. On a même son petit chez-soi avec la forteresse de Cae Nua. Il faut aussi la gérer et la défendre contre différentes attaques, ce qui est assez simple et qui rapporte beaucoup, rendant facile le financement des améliorations diverses. En faisant toutes les quêtes secondaires, en acceptant toutes les primes, mon équipe est rapidement arrivée au maximum de ses capacités (bloquées au niveau 16), ce qui a rendu les combats facile à gagner, même celui contre le boss final. Je ne vais pas me plaindre car, je le rappelle, j’avais choisi le mode facile. Tant mieux, je n’ai plus le courage de micro-gérer les rencontres avec les ennemis, de trouver leurs points faibles afin d’utiliser les bonnes armes et les bons sorts. Tout le long du jeu, je me suis contenté de bourrinage avec deux tanks (Edér et mon avatar, appelé « Gardien » – The Watcher en VO), aidés par les autres compagnons équipés d’armes de jet (sans oublier les sorts de combat d’Aloth, l’indispensable magicien).

PoE II : Deadfire

Début janvier, à peine terminé le premier opus, je me suis jeté sur la suite (achetée lors des soldes d’hiver de Steam), intitulée Deadfire. L’histoire fait directement suite au premier opus. La gigantesque statue qui se trouvait dans les profondeurs de Cae Nua s’est animée en devenant le réceptacle d’un dieu, et elle a détruit la forteresse. Plus que commotionné par la catastrophe, le Garfien s’est réveillé dans un bateau, avec Edér à son chevet. Malgré un chavirage, il va falloir rejoindre l’île où se trouve la capitale d’Eora. Si PoE II permet de reprendre la sauvegarde du I, j’ai été un peu désappointé de voir que j’avais perdu tout mon bel équipement et mes caractéristiques gonflées par la triche. C’est logique et c’est tant mieux. En fait, cela permet seulement de récupérer la personnalité de son avatar. Elle résulte des quêtes et des choix de dialogues du premier épisode, et rien d’autre, même pas les caractéristiques que l’on doit reprendre à zéro. Par contre, si un ancien compagnon est mort dans PoE, il le restera dans Deadfire.

Le jeu réussit à être encore plus addictif grâce à une plus grande liberté laissée dans le déroulement du scénario et dans les déplacements (qui se font d’île en île, par la mer), même si cela m’a amené à réussir plusieurs primes avant de se les faire proposer par tel ou tel PNJ. Le scénario est plus sombre aussi, et pas seulement visuellement. Les actions scriptées ajoutent du contenu au récit sans que les développeurs aient eu à trop se fouler. C’est à cette occasion que l’on se rend compte de l’importance des capacités de l’équipe car plus elles sont élevées, plus grandes sont les chances de réussites. Néanmoins, il me semble que Deadfire n’est pas réellement plus long que son prédécesseur. Après une cinquantaine d’heures de jeu, alors que je me suis moins aidé du guide de jeu acheté au format PDF sur gamepressure.com, j’ai pratiquement terminé la partie principale de l’histoire. Il me reste à faire une petite poignée de quêtes secondaires comme la visite des ruines de Poko Kohara ou deux des six quêtes des compagnons. Je me demande même si je vais pouvoir atteindre le niveau 20 (j’approche lentement du 19) avant de m’attaquer à la partie finale sans devoir faire les lieux proposés par les trois extensions disponibles.

Voulant avoir une équipe pléthorique lors des abordages (je ne cherche pas à engager une bataille navale), je me suis amusé à créer deux aventurières supplémentaires. Pour cela, il faut se rendre dans une auberge et de demander à recruter un aventurier. C’est ainsi qu’Alia est venue rejoindre assez rapidement le groupe. Puis ça a été le tour de Yinia d’arriver afin d’aider à finir le jeu. Il est aussi possible de recruter des PNJ en important des aventuriers proposés sur le Workshop dédié de Steam (j’en ai importé trois, que des personnages féminins). Key et Tanuki, notez que si vous achetez un jour Deadfire, vous pourrez recruter Alia et Yinia. Cependant, il n’est possible de recruter des aventuriers que si on a au moins le même niveau. Il faut aussi noter que ça coûte cher si on les veut avec tout leur équipement (ce que je ne fais pas, j’en ai plein le coffre, du matériel haut de gamme). D’autres PNJ peuvent nous rejoindre lorsqu’on les rencontre et que l’on fait les bons choix de dialogue. Ne ratez pas Mirke. C’est une pirate ivrogne qui ne pense qu’à faire la fête, mais quelle combattante ! À l’arrivée, j’ai actuellement une petite bande de 15 personnes (les sept principaux, quatre des six secondaires, deux aventurières créées et une recrutée sur les trois importées). Cependant, il n’y en a que cinq qui peuvent être dans l’équipe principale, ce qui amène à jongler entre les profils en fonction des besoins.

Les trois DLC ajoutant des quêtes sont malheureusement peu intéressants car, à mon goût, ils sont trop orientés combats (difficiles car souvent assez tactiques). Je pense faire l’effort de terminer Forgotten Sanctum qui propose une histoire accrocheuse quoique bien glauque. Par contre, je manque sérieusement de motivation pour m’attaquer à Beast of Winter. Quand je lis sur le forum dédié de Steam qu’un joueur a mis quarante-cinq minutes pour réussir à tuer Le Messager (qui bloque le retour au bateau), cela m’enlève tout courage. Pour ma part, j’arrive à peine à égratigner le dragon avant que mon équipe (niveau 18 quand même) soit couchée dans la neige… Le bourrinage, ça ne le fait pas, là. Pourtant, il doit y avoir du XP à gagner. Il en est de même avec Seeker, Slayer, Survivor. Néanmoins, là, c’est pire : ce ne sont que des combats à n’en pas finir qui semblent nous attendre sur cette île. Déjà que je n’arrive pas à passer le premier challenge du rite de passage dans l’arène du temple de Toamowhai… Ceci dit, mon équipe a depuis progressé, ça devrait pouvoir le faire maintenant. Cependant, il y a quatre challenges à réussir…

Deadfire ne s’est pas vendu autant que prévu, il n’y a donc pas de suite de prévue pour l’instant. Ce qui fait qu’une fois que j’aurai terminé le jeu, il faudra que je me penche sur le reste de ma logithèque (riche d’environ 25 jeux). Je peux aussi acheter Tyranny (pour rester dans la continuité) ou Disco Elysium (pour changer un peu).

Des jeux pas toujours avouables

Ayant profité des soldes d’hiver pour acheter à bas prix un certain nombre de jeux d’aventures et en 3D (histoire de voir comment ma petite carte vidéo GeForce 1050 Ti récemment installée se comporte), je me retrouve à avoir (pour moins d’un euro chaque) dans ma logithèque deux jeux dont je ne devrai pas me vanter mais qui permettent une pause bien délassante entre deux parties de PoE. Il s’agit de deux créations d’un auteur indépendant américain (même si son nom d’éditeur sonne japonais) qui semble être un sacré otaku. C’est ainsi qu’après les deux PoE, les deux jeux auxquels j’ai le plus joué (presque trois heure à eux deux) sont réservés à un public adulte : The Last of Waifus et Anime Redemption de Konnichiwa Games. Et tant qu’à faire, autant installer leur DLC Nude (18+), histoire d’aller au bout de ma démarche et d’assumer une certaine curiosité vers ces jeux hentai qui sont si nombreux parmi les productions indépendantes à très petit prix. Ici, le joueur (ou la joueuse) incarne une waifu. Bien entendu, le fessier quelque peu callipyge et le bouncing breast sont de rigueur ; et c’est mieux sans culotte ni soutien-gorge, n’est-ce pas ?

L’idée était aussi de se ré-entrainer aux jeux 3D afin de se remettre dans un futur plus ou moins proche à jouer à la franchise Deus Ex, à commencer par Invisible War, seulement commencé il y a bien longtemps, lors de la sortie du jeu sur PC en 2004.

Deux Ex, c’est pour bientôt ?

Ayant acquis avec une belle réduction que je ne pouvais pas laisser passer, j’ai acquis à Noël The Deus Ex Collection, m’étant rapidement rendu compte que Deus Ex: Mankind Divided était en fait une préquelle, qu’il s’adressait plutôt aux férus de jeux d’action en 3D et que j’allais avoir besoin d’une sacrée réelle mise à niveau pour progresser dans l’histoire. Cet entrainement a commencé avec System Shock, pour la séquence nostalgie et pour voir comment était la 3D dans la version Enhanced.

L’amélioration dans la représentation 3D des décors et des personnages est bluffante au fil des versions, surtout dans l’animation des mouvements. Par contre, j’ai été surpris (à moitié seulement) d’avoir de gros soucis au lancement d’une nouvelle partie d’Invisible War. Sa réputation de jeu non-terminé et capricieux (comprendre truffé de bugs) semble être toujours méritée, plus de quinze ans après sa sortie. On verra dans quelques temps si j’arrive à passer l’endroit où le jeu plantait irrémédiablement à l’époque. J’ai bon espoir d’aller plus loin, ceci dit. Ensuite, il sera bien temps de s’attaquer aux autres opus. J’avoue ne pas avoir le courage de refaire les deux System Shock, tout en attendant la sortie du numéro 3 avec une certaine curiosité.

Un peu de Point & click pour terminer

Autre séquence nostalgie dont je m’étais fait l’écho il y a quelques temps dans un billet sur les jeux d’aventure : pour cela, il suffit d’y rejouer !

Grâce au studio américain Zojoi qui a fait revivre les quatre jeux antédiluviens MacVenture, j’ai pu refaire en deux heures The Uninvited en suivant une solution que j’avais corédigée il y a plus de 18 ans dans le numéro 25 du fanzine RCAP Magazine dont j’étais le rédacteur en chef. J’ai aussi recommencé The Secret of Monkey Island dans sa Special Edition pour m’habituer au nouveau graphisme du jeu et surtout à la nouvelle représentation de Guybrush Threepwood. En effet, je pense qu’un temps d’adaptation m’est nécessaire pour pouvoir apprécier The Curse of Monkey Island (que je n’avais pas acheté à l’époque à cause du changement de design) puis Escape from Monkey Island et enfin Tales of Monkey Island, sachant que je n’ai pas encore acquis ces trois derniers jeux. Il va falloir aussi que je rejoue à Beneath a Steel Sky (offert sur Steam) avant d’acquérir Beyond a Steel Sky qui est très différent car il s’agit dorénavant d’un jeu d’action en 3D. Il n’y a aucune urgence, j’attendrai des soldes intéressantes (au moins 60% de remise). Néanmoins, le fait que j’envisage de jouer à tous ces jeux démontre bien que je suis victime d’une sacrée rechute 😁.

La Bande dessinée asiatique au festival d’Angoulême (3/4)

Les festivaliers fans de manga, manhua et autres manhwa perdent le Manga Building avec la trente-huitième édition du Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême qui se déroule du 27 au 29 janvier 2011. En effet, le duo Julien Bastide et Nathalie Bougon n’a pas prolongé l’aventure et l’Espace Franquin est dévolu à une exposition sur la nouvelle BD belge, ainsi qu’à des spectacles et projections. 

Les années Mangasie (2011-2012)

Le nouveau responsable de ce qui est devenu l’Espace Mangasie, placé sur un côté du Monde des bulles sis Place du Champ de Mars, est Erwan Le Verger. Ce n’est pas un inconnu du festival car il faisait partie de l’équipe Tsuki qui proposait des ateliers liés au manga une dizaine d’années auparavant. Forcément, tant le Manga Building était apprécié par la délégation mangaversienne, , tant le nouvel espace l’est moins. La déception est au rendez-vous. Pourtant, force est de reconnaître que cette première édition de Mangasie est plutôt réussie, malgré un vraisemblable manque de budget. Le programme n’est pas inintéressant. L’exposition, dédiée au manga « underground » au féminin, a l’avantage d’aborder un sujet doublement ignoré : les mangaka femmes et la BD « alternative » japonaise. C’est simplement dommage que son côté « cheap » laisse une impression mitigée dès l’arrivée. L’idée de s’associer à MCM peut sembler bonne, ne serait-ce que pour essayer de s’adresser à un public jeune. Ceci dit, le manga intéressant principalement les adolescents en francophonie, cette démarche de s’associer avec une chaîne musicale du câble n’est peut-être pas indispensable pour assurer la popularité du lieu, même si les passerelles sont évidentes.

Au moins, cela permet une table ronde intéressante sur le sujet du sexe dans le manga grâce à la qualité des intervenant·e·s dont Katsuni, animatrice sur la chaine MCM et encore à l’époque star du porno. D’ailleurs, lors de cette rencontre, elle fait venir de nombreux représentants des médias dans le petit espace dédié aux animations, laissant peu de place au grand public. Les autres tables rondes sont plus anecdotiques et peu originales, même si elles sont bien animées. Il faut dire qu’Ivan West Laurence (ex-Animeland) est un spécialiste du manga et de l’animation. Les autres activités consistent en des démonstrations sur palette graphique réalisées par des auteur·e·s hongkongais·e·s ou français ·e·s. Outre le peu d’intérêt de l’exercice, les conditions d’accueil du public sont assez déplorables entre espace exigu, absence de sièges et bousculades permanentes par les festivaliers qui aimeraient circuler dans les allées. Il est donc impossible de s’y attarder, même pour regarder l’émission de Noémie Alazard diffusée en direct sur MCM. Passons sur les stands éditeurs, ces derniers se signalant surtout par leur absence : seul Kurokawa fait acte de présence, avec des vendeurs peu avenants et s’ennuyant ferme. IMHO est là aussi, ainsi que Le Lézard Noir mais on n’y reprendra plus l’éditeur poitevin : il vaut mieux pour lui être au Nouveau Monde. Trois stands représentent les différentes BD chinoises : Taïwan, Hong Kong et Pékin. Il y a donc moyen de rencontrer quelques auteurs sinisants. Le reste est composé de vendeurs de goodies et produits dérivés. Tous ces espaces sont petits par manque de place.

La seconde année de Mangasie est un ratage quasi complet. Entre un programme peu inintéressant, deux animateurs lamentables (Miko et Cartman de MCM), une exposition numérique ratée, ce n’est pas un nouvel emplacement (Le Monde des bulles 2), en théorie partagé avec la bande dessinée américaine (c’est plutôt un fourre-tout de petits éditeurs venus de tous horizons), qui sauve cette nouvelle organisation. Seul le retour de la Corée du Sud avec un beau stand (Komacon) vaut le détour. Ayons une petite pensée pour IMHO qui, avec son stand plutôt caché, a peu de fréquentation. Il y en a un peu plus uniquement lorsque son auteur invité, Atsushi Kaneko, est en dédicace. Kurokawa fait à nouveau acte de présence, ce qui n’a aucun intérêt pour nous. Inutile de dire que nous ne consacrons que peu de temps au lieu, avec toutefois ce qu’il faut pour assister à une rencontre sur le numérique avec Jérôme Chelim (qui remplace Raphaël Pennes au pied levé) de Kazé Manga et Sébastien Naeco, un spécialiste de la question.

Heureusement, la bande dessinée asiatique est présente en dehors de l’Espace Mangasie. Ainsi, en 2011, les Ateliers Magelis accueillent une exposition intéressante et instructive : « Kaléidoscope, une histoire de la bande dessinée à Hong Kong » qui retrace cinquante années de BD hongkongaise. Cette exposition est bien complétée par une conférence donnée au Conservatoire par Connie Lam et Alan Wam. Les Éditions Fei sont présentes au Nouveau Monde et la revue Special Comix, qui a gagné le prix de la meilleure revue alternative l’année précédente, a un petit stand au Nouveau Monde. De plus, les auteurs / représentants de la revue ont une rencontre organisée à l’auditorium du Conservatoire qui est animée par Camilla Patruno (traductrice et journaliste BD) et  Li-Chin Lin (auteure taïwanaise installée en France). Il y a aussi la présence en Rencontre Internationale de Riyoko Ikeda (La Rose de Versailles chez Kana), pourtant plus intéressée depuis 2009 par sa carrière de cantatrice que celle de mangaka. N’oublions pas l’exposition « off » sur YaYa, située dans un vieux bus placé en retrait sur la place Saint Martial.

En 2012, c’est au tour de Taïwan, en tant que « pays invité », de présenter ses manhua. Bénéficiant d’un bel emplacement avec une (petite) bulle située dans la cour de l’Hôtel de Ville, l’exposition « Taïwan, ocean of comics » semble plus publicitaire qu’informative, mais elle n’en reste pas moins intéressante. Enfin, il est possible d’écouter Atsushi Kaneko répondre aux questions de Stéphane Beaujean (chroniqueur BD aux Inrockuptibles, membre du comité de sélection du festival et libraire à Aaapoum Bapoum) lors d’une Rencontre du Nouveau Monde. Enfin, il est possible de rencontrer au Conservatoire quatre auteurs taïwanais venus présenter leur production. Le film Tatsumi, du réalisateur singapourien Eric Khoo est diffusé en avant première le samedi soir à l’Espace Franquin, dans la grande salle.

Les années Little Asia (2013-2015)

Devenu en 2013 « Little Asia », l’espace dédié aux bandes dessinées asiatique, dorénavant sous la responsabilité de Nicolas Finet (journaliste, spécialiste de l’Asie), est réduit à une petite salle (le Studio) située tout en haut du théâtre d’Angoulême. Elle est accessible uniquement par un interminable escalier. Il faut vraiment être motivé·e pour assister à une des sempiternelles performances graphiques, cette fois avec la participation d’auteur·e·s venus des trois Chine (Taïwan, Hong-Kong, Chine continentale), à des projections d’animés ainsi que d’épisodes de la (sans grand) intérêt websérie « Raconte-moi un manga ». Il y a quand même plusieurs tables rondes autour de la BD taïwanaise, une autre autour de l’œuvre de Leiji Matsumoto, un des invités du festival, une conférence présentant le Comix Home Base situé à Hong-Kong (animée par Connie Lam, sa directrice), et enfin, une autre consacrée à Billy Bat de Naoki Urasawa, animée par Alex Orsini (spécialiste du mangaka et responsable du site « La Base secrète »). Ne parlons pas de ce qui ose s’appeler une exposition dédiée au manga et présentant le titre Deux mangakas à Angoulême (Kana). Le résultat : un programme qui réussit l’exploit d’être plus inintéressant que l’année précédente, du moins pour le peu que nous pouvons en voir, ayant rarement le courage de monter au Studio alors qu’il y a tant d’activités intéressantes à faire au festival.

Heureusement, la bande dessinée asiatique ne résume pas à Little Asia. En 2013, la bulle de la place Saint-Martial est dédiée aux manhwa. En effet, la Corée du Sud fait très régulièrement acte de présence à Angoulême, notamment par le biais des stands de Komacon. Pour leur deuxième grande présence après celle de 2003, la Corée présente au public angoumoisin de nombreux auteurs dont certains ont été traduits en français. Surtout, une place importante est faite au webtoon, ces webcomics sud-coréens qui commencent à percer hors de l’Asie. Autre exposition, plus intéressante à nos yeux : celle en « off » consacrée aux lianhuanhua (bandes dessinées traditionnelle chinoises). D’ailleurs, à l’occasion de la sortie du coffret Les Trois Royaumes, les Éditions Fei, représentées principalement par Xu Ge Fei (la fondatrice) et Nie Chongrui (auteur du Juge Bao) participent à deux tables rondes, une à La Cité et une au Forum du Nouveau Monde.

Il faut dire qu’en 2013, les rencontres avec les auteurs asiatiques sont plutôt limitées, hors « performances graphiques » qui ne sont pas réellement intéressantes si l’on n’est pas apprenti dessinateur ou fan de la personne qui dessine. Leiji Matsumoto est l’un des invités vedettes de l’édition avec deux rencontres internationales, mais c’est un peu l’arbre qui cache la forêt. Les trois autres invités japonais ne sont pas réellement mis en avant. S’il est logique que Tomonori Taniguchi (publié au Petit Lézard) ait une rencontre jeunesse, il est regrettable qu’Atsuhi Hosogaya (un universitaire) et surtout Hisae Iwaoka (auteure de La Cité Saturne chez Kana) ne soient pas mieux utilisés, surtout que leur table ronde « La bande dessinée dans tous ses médias » n’est pas franchement une réussite. De plus, la deuxième rencontre avec Leiji Matsumoto (nous n’avons pas pu aller à la première pour cause de conflit d’emploi du temps) est massacrée par un interprétariat totalement raté, la pauvre interprète n’ayant plus l’esprit clair pour cause de fatigue excessive. C’est d’autant plus dommage que le mangaka a des choses intéressantes à dire, surtout que l’animation de Julien Bastide est bonne, avec des questions pertinentes. C’est d’autant plus dommage (bis) car Alexander Clarke, l’accompagnateur, est un excellent interprète et qu’il aurait pu prendre le relais sans difficulté, même si c’eût aurait fait perdre la traduction en simultané. Enfin, pour avoir une présentation plus globale de cette quarantième édition, il est possible de lire (et de voir) le compte-rendu 2013 de Mangaverse à Angoulême.

En 2014, Little Asia bénéficie à nouveau d’une bulle, celle située Place Saint-Martial. Benoit Mouchard n’étant plus le directeur artistique du festival depuis mars 2013, il est remplacé pour cette édition par un triumvirat composé de Stéphane Beaujean, Nicolas Finet et Ezilda Tribot (responsable Jeunesse au festival depuis plusieurs années). Il est donc légitime d’espérer qu’un programme digne de ce nom soit à nouveau proposé en ce qui concerne la bande dessinée asiatique, aidé en cela par la présence de Kazé. Las… Ce n’est pas le cas : impossible de ne pas y voir une redite de l’année précédente entre performances graphiques (sauf que cette fois, ce sont surtout des Taïwanais·es), projections de la (toujours sans intérêt) websérie Raconte-moi un manga, et nouvelle conférence sur Naoki Urasawa. L’espace en lui-même est déserté par les éditeurs francophones (ils sont dispersés dans les différentes bulles). Par contre, il est envahi par les vendeurs de produits dérivés et autres goodies. Seuls les stands des délégations taïwanaises et sud-coréennes valent la peine d’aller voir la bulle. Leur professionnalisme tranche d’ailleurs avec le reste. À l’arrivée, ce qui fait le plus parler de Little Asia est l’incident lié notamment à la location d’un stand par un groupuscule révisionniste qui refuse de reconnaître les atrocités commises par l’armée impériale durant la Seconde guerre mondiale et qui est interdit d’accès à la bulle durant le festival. Inutile de dire que nous ne mettons quasiment pas les pieds à Little Asia de tout notre séjour.

Cette fois encore, c’est en dehors de Little Asia que les fans de BD asiatique peuvent espérer trouver leur bonheur. C’est tout d’abord au Conservatoire Gabriel Fauré (dont la programmation est depuis 2011 sous la responsabilité de Jean-Paul Jennequin, spécialiste BD et traducteur) qu’il est possible d’assister à deux conférences, une sur Shôtarô Ishinomori (par Vincent Zouzoulkovsky, traducteur) et une autre sur Moto Hagio (par votre serviteur). Deux rencontres intéressantes sont proposées dans l’auditorium, la première avec Li Kunwu (Chine) et la seconde avec Tony Valente (France) dont le manfra rencontre un grand succès. L’espace Franquin permet de rencontrer à deux reprises Atsushi Kaneko (un habitué du festival), notamment à une Rencontre dite Internationale en duo avec le timide Suehiro Maruo. À l’arrivée, tout cela est bien léger, comme je l’affirmais à l’époque dans le traditionnel mini-site Mangaverse à Angoulême. Cependant, ce n’est pas bien gênant : il y a bien d’autres choses à faire et à voir… De plus, n’oublions pas l’exposition causant l’ire de quelques Japonais venus protester contre sa tenue lors du festival : « Fleurs qui ne se fanent pas » est située dans les Caves du Théâtre. Organisée par le gouvernement sud-coréen, elle veut « témoigner de l’histoire de ces femmes qui […] continuent à se battre pour la reconnaissance par le Japon de cette vérité historique faisant aujourd’hui encore polémique, […] l’histoire des femmes de réconfort ».

Pourtant, en 2015, le festival réussit à faire pire : le programme de Little Asia est absent du « heure par heure ». C’est normal : il n’y en a pas, de programme. Il n’y a pas de lieu dédié aux animations (hors du stand de Hong Kong). Il faut dire que la surface réduite (une bulle située dans la cour de l’Hôtel de Ville) ne se prête pas à la création d’un espace pour les tables rondes et sempiternelles séances de dessin en public. Il faut dire aussi que les stands de Taïwan et de Hong Kong (tous deux superbes) prennent beaucoup de place afin de proposer un bel échantillon de leurs productions « nationales ». En effet, cette année, la place Saint-Martial est occupée par le Pavillon Chine. Ce dernier met en valeur la bande dessinée venant de la ville de Canton, qui est « invitée » pour l’occasion. Donc, Little Asia, pour simplifier, est surtout composé de deux stands. Un autre emplacement, bien plus petit et basique, est occupé par le Bureau des populations aborigènes de la mairie de New Taipei City, un représentant bien improbable qui permet de remettre en valeur Chiu Row-long et son excellent Seediq Bale (Akata). Heureusement, il y a tout de même un certain nombre de manifestations plus ou moins intéressantes liées à la bande dessinée asiatique dans la programmation du festival.

En effet, les auteurs japonais sont plutôt nombreux : outre Jirô Taniguchi, le principal invité de cette quarante-deuxième édition et qui est aussi le sujet d’une grande exposition rétrospective dans le Vaisseau Moebius (ex-CNBDI), Eiji Ostuka et Junji Ito (Spirale, Le Voleur de visages, etc. chez Tonkam) sont aussi présents et participent à des Rencontres internationales (malheureusement toutes placées le même jour). Elles sont d’ailleurs toutes les trois intéressantes et bien animées. L’exposition « L’Homme qui rêve » est malheureusement décevante, sa scénographie étant ratée du fait de cartels indigents et d’un manque flagrant de cohérence. Passons sur les reproductions ratées car moirées… Atsushi Kaneko est là, lui aussi mais il n’a toujours pas droit à une Rencontre internationale en solo. Cette fois, il est à l’Espace Polar SNCF pour sa série Wet Moon chez Casterman / Sakka.

Le Pavillon Chine propose bien quelques animations mais cela consiste principalement en des démonstrations de dessin. Malheureusement, Xia Da, l’auteure des excellents Little Yu et La Princesse vagabonde est absente, étant malade, alors que nous aurions voulu pouvoir la rencontrer (l’une d’entre nous connaissant déjà son travail). Il reste toutefois une intéressante présentation de la bande dessinée chinoise par la mise en avant d’une dizaine d’auteur·e·s, dont Nie Jun, la tête d’affiche de la délégation chinoise. Le moment fort du Pavillon est son inauguration suivie de la signature d’un contrat d’édition ambitieux entre le groupe Dargaud et l’éditeur cantonais Comicfans. Le public est plutôt présent en nombre alors que ce genre de raout n’est censé n’intéresser personne en dehors des officiels et de la presse. Ce contrat aboutit au lancement du label Urban China, qui sera actif entre 2014 et 2019.

Les personnes les plus courageuses peuvent aller en haut du théâtre pour assister à des performances graphiques au Studio, histoire de revenir deux années en arrière. Eiji Otsuka propose deux masterclass au Nil (à côté du Musée du papier, tout en bas, sur les bords de la Charente). Enfin, nous pouvons toujours compter sur le Conservatoire pour nous proposer des tables rondes ou des conférences sur la bande dessinées asiatique. Elles sont au nombre de quatre dont la plus intéressante est peut-être bien celle consacrée au lettrage, Eric Montesinos étant un des adaptateurs graphiques les plus connus (et doués) de francophonie. La bulle du marché des droits n’est pas en reste avec deux rencontres réservées aux professionnels, une sur le Comix Home Base animée par Thomas Maksymowicz (Rédacteur en chef de Coyote Mag), ce qui permet ensuite de retrouver et de discuter un peu avec Connie Lam, et une autre sur l’évolution de la bande dessinée à Hong-Kong (à laquelle nous ne pouvons assister pour cause de conflit d’emploi du temps).

C’est ainsi que l’édition 2015 se révèle être un bon cru pour la bande dessinée asiatique malgré l’absence d’un programme dédié au sein de Little Asia et le loupé de l’exposition consacrée à Taniguchi. D’ailleurs, c’est toute la quarante-deuxième édition qui se révèle être d’une grande qualité, comme je l’expliquais dans le mini-site Mangaverse à Angoulême 2015. Néanmoins, Little Asia, c’est terminé : place au Quartier Asie en 2016, première année sous la direction artistique unique de Stéphane Beaujean.

Je remercie Manuka pour sa relecture et ses précieuses corrections. J’adresse aussi tous mes remerciements au FIBD et à ses différentes organisations dont 9e Art+.