Imbattable, un super-héros de bande dessinée

Héros plus ou moins de l’ordinaire, Imbattable sauve aussi bien un petit chat coincé en haut d’un arbre que, par exemple, le monde d’une catastrophe bactériologique fomentée par un savant fou. En tant que « seul véritable super-héros de bande dessinée » comme le précise l’accroche de l’éditeur du titre (Dupuis), Imbattable possède le pouvoir de se mouvoir d’une case à l’autre (l‘espace) et de voir l’intégralité de la planche (le temps), sans respecter le sacro-saint sens de lecture. Pouvant voir comment les événements vont se dérouler, il peut ainsi anticiper et faire interagir les cases entre elles : il a le pouvoir de briser la barrière de l’espace-temps inter-iconique.

Auteur phare de Treize Étrange au début des années 2000 jusqu’au rachat de l’éditeur par Glénat en 2007, Pascal Jousselin a trouvé un temps refuge chez Audie / Fluide Glacial avant de rebondir en 2013 chez Dupuis grâce aux séries L’Atelier Mastodonte et surtout Imbattable. Cette dernière a débuté dans le Journal de Spirou en mai 2013 et se poursuit depuis de façon irrégulière, selon une pagination plus ou moins changeante. Le premier tome, « Justice et légumes frais » paru en avril 2017, est constitué d’une sélection de 46 planches, ce qui représente plus qu’une sorte de compilation de la période 2013-2016. En effet, sur les 24 histoires prépubliées à l’époque (l’une étant en deux parties), 21 nous sont proposées ici, la plupart étant des gags en une planche, la plus longue, celle en deux parties, totalisant 10 pages. Le deuxième opus, « Super-héros de proximité » a été mis en vente en avril 2018. Il propose 11 nouvelles histoires couvrant la période 2013-2018, certaines étant toujours des gags en une page, d’autres étant nettement plus longues comme celle intitulée « Vadrouille américaine ». Cette dernière a d’ailleurs été prépubliée sur trois semaines, à raison de trois planches par numéro. Enfin, la nouvelle livraison, titrée « Le cauchemar des malfrats », a demandé trois années de patience aux fans de l’auteur. Sortie en avril 2021, elle contient à nouveau 46 planches reprenant les travaux de 2014 à 2021. Cela représente là aussi, 11 histoires, les gags en une page se faisant plus rares. Toutefois, n’oublions pas dans notre décompte le court gag proposé à chaque fois en quatrième de couverture.

« Justice et légumes frais » propose principalement des gags reposant sur des effets de déplacement du personnage entre et dans les cases d’une seule planche. Si cela fonctionne très bien au début, l’humour perd petit à petit son impact. Heureusement, Pascal Jousselin ne se contente pas de ressasser la même formule. Il est conscient des limites de l’exercice et il se met alors à introduire de nouveaux personnages comme le gendarme Jean-Pierre et Toudi, l’adolescent qui maîtrise les effets de perspective, la profondeur dans l’environnement 2D de la bande dessinée. En effet, et c’est surtout vrai avec « Super-héros de proximité » (l’effet de surprise étant passé), le risque pour l’auteur de tourner en rond est de plus en plus important au fil des pages. Il faut se renouveler, ce que Jousselin réussit en proposant des récits plus longs et surtout reposant sur d’autre jeux formels. Nous en avons un premier exemple dans le premier tome où l’auteur développe quelques récits sur un plus grand nombre de planches et où un super-vilain à le pouvoir de passer à travers les pages.

« Vadrouille américaine » (dans le tome 2) en est une des meilleures démonstrations, avec un travail sur les couleurs, un paramètre très important dans la bande dessinée franco-belge. Ce jeu est littéral, c’est-à-dire que le nom de la couleur sert ici à réaliser un effet. Saluons d’ailleurs la colorisation réussie de Laurence Croix sur l’ensemble de la série. Un autre exemple est donné avec l’histoire mettant en scène Le Savant fou avec un jeu sur les univers parallèles et une page repliable. Dans le tome 3, Le récit intitulé « Le passe-temps de la factrice » s’intéresse à la façon dont la BD symbolise le passage du temps et la succession d’instants. Moins ambitieuse mais plus visuelle, l’histoire « Le rayon diabolique » permet de jouer sur les cases en les rendant interdépendantes sur l’ensemble de la page, et même de la double page. Avec « L’autre dimension », Jousselin joue sur le support même de la bande dessinée. Plus anecdotique, quoique assez tendre, l’épisode « Opération Jean-Pierre » utilise le rendu d’un vernis brillant sur une page au papier mat. Enfin, « Imbattable contre Invincible » fait intervenir le récitatif pour concevoir un nouveau pouvoir, lié à la fameuse case qui introduit dans la narration une rupture d’unité de lieu, de temps, ou des deux à la fois.

Illustrant avec brio les analyses sur la case, la planche, le récit en bande dessinée proposées par Benoit Peeters, Thierry Groensteen, Will Eisner et Scott Mc Cloud, Pascal Jousselin construit le pouvoir d’Imbattable sur une forme classique : un gaufrier plus ou moins strict de 9 à 16 cases. Notons que l’utilisation des espaces inter-iconiques ainsi créés se rapproche plutôt d’une approche séquentielle, chère à Peeters, avec une utilisation très réduite de l’ellipse. En effet, celle-ci peut laisser une grande place à l’imagination des lectrices et lecteurs en installant une zone de « non-dit ». Or, Imbattable ne peut agir que sur ce qu’il voit de la page où il se trouve. C’est d’ailleurs la limite de son pouvoir : placé en dehors d’une planche, il ne peut plus s’en servir comme le montre « L’autre dimension ». À un moment, notre héros se retrouve à Saint-Malo, sur le site de l’exposition qui est consacrée à la série à l’occasion du festival Quai des bulles 2019, et non dans une BD ; résultat, le voilà impuissant. N’oublions pas les pouvoirs de Toudi (s’affranchir de la perspective), du Plaisantin (passer à travers la feuille) et d’Invincible (voyager dans l’espace-temps grâce aux récitatifs, une prérogative d’auteur). Ils enrichissent ces différents jeux sur le médium sans toutefois en proposer les mêmes implications théoriques (encore que…). Il est par ailleurs amusant, et totalement dans l’esprit, de découvrir un « plagiat par anticipation » (dixit Manuka) avec ce gag d’Étienne Oburie. Quoi qu’il en soit, Imbattable est une série remarquable et remarquée, surtout à ne pas manquer.

La Bande dessinée asiatique au festival d’Angoulême (4A/4)

En 2016, un nouveau cycle débute pour les lectrices et lecteurs de bandes dessinées asiatiques : Stéphane Beaujean devient seul directeur artistique du Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême. Sa volonté est clairement affichée lors d’une réunion en novembre avec les éditeurs manga francophones : faire (re)revenir ces derniers au festival en plaçant la bande dessinée japonaise au centre de ses préoccupations. En attendant, la quarante-troisième édition (organisée durant l’année 2015) s’ouvre fin janvier 2016 dans un contexte de crise (notamment avec un problème de renouvellement de contrat entre 9e Art+ et l’Association du Festival) sans oublier diverses polémiques (avant, pendant et après le festival).

Deux années de transition : 2016 et 2017

Entre 2016 et 2018, la bande dessinée asiatique occupe une partie du Monde des bulles 2 et retrouve ainsi un emplacement occupé en 2012. Intitulé « Quartier Asie », l’espace occupe tout le fond de la bulle en 2016 et met en évidence la moto de la série Akira (réalisée par un Japonais fan de l’œuvre d’Otomo, le Président de la présente édition en tant que Grand Prix 2015). Malheureusement, le programme n’est pas franchement intéressant, proposant bien trop de « performances graphiques » et trop peu de rencontres. En fait, seul le vendredi nous intéresse avec deux rencontres internationales, une avec Minetaro Mochozuki, brillamment animée par Xavier Guilbert (pour ne pas changer), et l’autre avec Ayako Noda, très moyennement conduite par Christian Marmonnier. À la décharge de ce dernier, le manga n’est pas sa spécialité et la mangaka est une jeune débutante, encore peu connue au Japon. Nous devons avouer que nous avons un peu séché les autres activités, connaissant plutôt bien l’industrie de la bande dessinée hongkongaise et la Comix Home Base. Une petite exposition, manquant malheureusement de cartels mettant en situation les planches proposées, présente différentes séries paraissant dans le magazine de prépublication HiBaNa, le successeur du regretté IKKI, magazine laissant une part importante aux auteures de seinen manga.

Cependant, il n’y pas que le Quartier Asie qui est peu attrayant. Il faut reconnaitre que si on ne s’intéresse pas à Akira et à son créateur, l’offre globale en matière de manga est plutôt pauvre. De ce fait, nous assistons à une nouvelle rencontre avec Minetaro Mochozuki, cette fois dans l’espace L’Alpha (la médiathèque du Grand Angoulême tout juste inaugurée) où un Stéphane Beaujean très fatigué se fait plus que seconder par Xavier Guilbert « embauché » à la dernière minute. Heureusement, la programmation du festival est tellement riche qu’il y a toujours autre chose à voir ou à faire. Par exemple, cela permet d’avoir le temps d’aller au festival Off, le FOFF, pour y découvrir un mangaka bien particulier : Jiro Hishiwara. Pour avoir un aperçu plus complet de la manifestation, les lectrices et lecteurs du présent billet peuvent se rendre sur le mini-site Mangaverse à Angoulême 2016 et voir les diverses activités suivies par l’équipe mangaversienne

En 2017, étrangement, il y a peu de changements dans l’organisation de l’espace dédié aux bandes dessinées asiatiques. Pourtant, le lieu perd son nom, devenant un simple « espace manga » au sein du Monde des Bulles, le numéro 2 (la bulle sise rue des Frères Lumière, rappelons-le). La programmation s’en ressent, elle est réduite à la portion congrue. Une fois de plus, les stands coréens, hongkongais et taïwanais tirent l’espace vers le haut par leur réalisation. Seuls Akata et Ototo représentent les éditeurs mangas francophones. Sur ce point, le festival est loin de concurrencer Japan Expo, ou même Livre Paris. « Rome ne s’est pas faite en un jour » comme on dit, et cela se voit ! Inutile de dire que nous y passons encore moins de temps que lors de l’édition précédente. Nous assistons debout du fait du manque d’espace et d’un emplacement en plein cheminement des festivaliers voulant se rendre sur le stand Dupuis/Spirou, uniquement une conférence peu intéressante sur une œuvre scénarisée par Eiji Otsuka. Ce dernier n’est même pas présent, laissant le soin à une professeure de manga japonaise de nous présenter (assez laborieusement si je me souviens bien) cette création inédite en français (et qui l’est toujours).

Heureusement, le programme des Rencontres Internationales est plutôt intéressant, même en l’absence d’une tête d’affiche plus grand public. Les Japonais sont nombreux : Eldo Yoshimizu, auteur publié pour la première fois par le Lézard Noir, Gengoroh Tagame, dont Le Mari de mon frère vient de sortir chez Akata, ainsi que le duo Mari Yamazaki (Thermæ Romæ et PIL chez Casterman) / Tori Miki (connu dans nos contrées pour Intermezzo chez IMHO) qui officie sur Pline, série publiée en français par Sakka / Casterman. N’oublions pas le regretté Rao Pingru (Chine), dont le formidable Notre histoire est publié au Seuil. Il y a donc largement de quoi faire en matière de rencontres avec des auteur·e·s asiatiques, d’autant plus que les animateurs ont fait du bon travail et que les auteur·e·s n’étaient pas mutiques (ce qui est toujours un risque). De plus, le festival a investi le Musée de la ville d’Angoulême pour y établir son exposition majeure. Si l’espace dédié aux expositions temporaires (situé au deuxième étage) sert depuis plusieurs années (2010 et depuis 2015), il s’agit désormais d’y mettre en avant un auteur japonais emblématique. Pour cette première année, il s’agit de Kazuo Kamimura, désigné comme étant « l’estampiste du manga ». L’auteur est notamment publié en français par Kana. L’habituel reportage photographique mangaversien est bien entendu disponible sur son mini-site dédié.

2018, nouvelle année de référence ?

En 2018, le travail de Stéphane Beaujean commence à porter ses fruits de façon plus visible. Un « Pavillon Manga » fait sa réapparition, prenant la place du Monde des Bulles 2. Son organisation est confiée à Stéphane Ferrand, ancien co-rédacteur en chef du Virus Manga, ce qui nous renvoie plus de dix années en arrière, à l’édition 2005 pour être précis. Le programme est étoffé même s’il y a toujours trop de ces fichues « performances graphiques ». Du côté des invités, il y a du « lourd » : Naoki Urasawa et Hiro Mashima. Bien entendu, le Pavillon manga n’a droit qu’aux « seconds couteaux » que sont Keigo Shinzo (auteur au Lézard Noir de Tokyo Alien Bros.) et Kenichi Kiriki (auteur du contemplatif manga La Photographe chez Komiku). Il y a aussi l’intéressante rencontre avec Takayuki Matsutani, le président de Tezuka Productions venu parler du « dieu du manga » à l’occasion de l’exposition qui est consacrée à ce dernier. Bref, nous passons un peu plus de temps que les années précédentes, notamment pour tenter notre chance aux concours quotidiens organisés sur le stand de Tezuka Prod. Une grande librairie manga est proposée par Cultura pour pallier un peu l’absence des éditeurs francophones. Malheureusement, il n’y a que les séries les plus vendeuses de disponible, pour la découverte, on repassera. En effet, pour le manga, il n’y a qu’Akata, Kana et Pika qui sont présents. Notons toutefois l’impressionnant stand consacré au « manfra » Head-Trick et à ses nombreux goodies.

En dehors du Pavillon Manga, il y a de quoi faire avec les deux grosses têtes d’affiche japonaises. Naoki Urasawa et Hiro Mashima bénéficient chacun de leur exposition : « L’Art de Naoki Urasawa » pour le premier et « Fairy Tale » pour le second. Toutefois, l’exposition majeure de cette édition du festival est celle consacrée à Osamu Tezuka : « Manga no kamisama » (le dieu du manga). Sise dans le même espace que celle de l’année précédente et bénéficiant d’une scénographie assez similaire, son intérêt et son impact sont immenses. De plus, le Festival propose un catalogue qui reprend et développe les intéressants cartels tout en incluant de nombreuses reproductions de planches. Une réussite totale ! Le Conservatoire propose trois conférences intéressantes (et réussies) sur la bande dessinée asiatique. Sur le plan des rencontres, Naoki Urasawa et Hiro Mashima bénéficient chacun d’une Masterclass même si celle d’Urasawa a dû surprendre plus d’une personne lorsque le mangaka a profité de sa présence sur scène pour montrer ses talents de musicien en plus de ceux de dessinateur. Urasawa est aussi invité à une Rencontre internationale, animée par le vétéran et toujours excellent Romain Brethes. Mashima a, lui, le droit de s’amuser avec Reno Lemaire lors d’une Draw Battle. Enfin, n’oublions pas la présence du très talentueux auteur singapourien (d’origine malaisienne) Sonny Liew qui bénéficie d’une petite mais intéressante exposition dans les caves du Théâtre d’Angoulême à l’occasion de la sortie chez Urban Comics de Charlie Chan Hock Chye, une vie dessinée. Il participe aussi à une Rencontre internationale formidablement animée par Paul « Magnific » Gravett. Bref, 2018 se révèle être une excellente édition, une des meilleures qu’il nous a été possible de suivre. Et pourtant, un an plus tard, 2019 va se révéler être un meilleur cru !

Je remercie Manuka pour sa relecture et ses précieuses corrections. J’adresse aussi tous mes remerciements au FIBD et à ses différentes organisations dont 9e Art+.

Tyranny, fin de partie ?

Il y a un mois, le présent blog se faisait l’écho de ma nouvelle plongée dans les jeux vidéo à cause de la plateforme Steam. Après avoir achevé Pillars of Eternity I et II, j’ai embrayé en février sur un autre RPG « à la Baldur’s Gate », lui aussi développé par Obsidian : Tyranny. Venant tout juste de le terminer (ou plus exactement de voir deux des fins possibles, d’ailleurs quasiment identiques) sans y retrouver même le plaisir de jeu, et n’ayant pas trouvé de successeur du même genre, je me demande si cette partie n’était pas la dernière avant longtemps. J’ai bien quelques RPG dans ma liste de souhaits Steam mais j’attends qu’ils soient en solde et je doute de leurs qualités. Cela aurait l’avantage de me laisser du temps pour me remettre à lire (des BD, des livres d’étude sur la BD, de la SF, des essais, des romans 10/18, etc.) et à écrire (des chroniques, des billets, des messages), au lieu de passer mon temps sur Steam. D’ailleurs, illustration de cette envie de désaffection, je me suis mis à écrire un petit quelque chose sur Tyranny dès le générique de fin passé.

Il s’agit donc là aussi d’un jeu de rôle en 3D isométrique proposant des combats en temps réel avec pause. Le site de l’association Pixels le présente bien. Le tout est très classique, ce que je recherche, détestant les jeux en pure 3D. Par contre, comme le pointe le test proposé par jeuxvideo.com, l’histoire proposée est trop courte (même avec le DLC Tales from the Tiers), le monde trop petit et les sous-quêtes sont trop peu nombreuses, régulièrement mal amenées et souvent peu palpitantes. L’extension Bastard’s Wound a les mêmes défauts, surtout que je l’ai faite avec des stats gonflées pour me faciliter les combats. Cela n’en fait pourtant pas un mauvais jeux, loin de là, il faut juste se faire à l’idée qu’il n’est pas aussi immersif que Baldur’s Gate ou Pillars of Eternity et qu’il n’occupera pas ses loisirs pendant des semaines et des semaines. Tout d’abord, il est très plaisant d’être, pour une fois, du côté des méchants envahisseurs. On est là pour soumettre des populations, pas pour les défendre. Les irréductibles Gentils peuvent toutefois rejoindre le camp des rebelles, mais quel intérêt ? Cela m’a rappelé, dans un genre totalement différent, l’excellent jeu de combat spatial Tie Fighter où nous jouions du côté de l’Empire, aidant ainsi à notre niveau l’Empereur et Dark Vador à vaincre les rebelles. Qu’il est bon d’être mauvais !

Ensuite, graphiquement, le jeu est réussi, même s’il faut s’habituer à un dessin très stylisé et très coloré, peut-être peu en adéquation avec la noirceur des paysages et de l’histoire. Cependant, le plus plaisant et le plus intéressant est incontestablement la place donnée aux femmes dans le monde de Terratus. Si les deux Archontes envoyés au front (Graven Ashe et Nerat Polyvoix) sont des hommes, des chefs de guerre, ils ont énormément de subordonnées, y compris à des postes importants. Par ailleurs, il est possible de recruter quatre compagnonnes pour deux compagnons de quêtes. Et elles sont toutes intéressantes à jouer : il y a Verse, combattante émérite et tueuse sans scrupule. Il y a aussi Eb, une puissante magicienne bien plus utile dans les combats que Landry, son homologue masculin. Enfin, il y a Tue-dans-ombre, dernière représentante des Femme-bêtes de la tribut des Chasse-ombres. C’est une combattante puissante qui peut remplacer sans peine dans le rôle du tank Barik, un guerrier modèle et loyal à son Archonte, un peu trop rigide sur les principes. L’avantage est qu’il monte vite en niveaux. Par contre, j’ai peu utilisé, à tort, Sirin, une Archonte du chant, ce qui fait que je n’ai pas réellement d’avis à son sujet. Elle a l’air d’être puissante et je me dis que j’aurai dû constituer mon équipe 100% féminine bien plus tôt.

En effet, ayant choisit d’incarner une Scelleuse (et non un scelleur pour une fois), on aurait pu penser que j’aurai constitué rapidement ce groupe 100% féminin. Mais la linéarité du jeu permet de recruter assez rapidement Lantry et Barik, qui sont assez indispensables au début. Cela m’a fait garder le plus souvent ces deux personnages masculins par facilité. Il faut dire que, à l’instar de Verse, ils ont tous les deux des quêtes qui leur sont associées (je n’ai pourtant pas terminé celle de Lantry). Comme quoi, entre mon conditionnement et celui des concepteurs du jeux, l’aspect « féministe » du jeu n’est pas si développé qu’il le semblerait de prime abord. Il y a toutefois un détail « amusant » concernant la question du genre. Selon les personnages, le sexe de Kyros varie. Pour certains, c’est un homme alors que pour d’autres, c’est une femme. Mieux encore, Sirin, qui a été pendant plusieurs années à son service direct, nous contredit lorsqu’on en parle à la troisième personne du masculin, et vice-versa. Alors : il, elle, iel ou autre ?

En fait, pour avoir la réponse à cette question « si importante » 🙂, il faudrait que Tyranny II sorte un jour (ce qui ne risque pas d’arriver vu les ventes décevantes du présent opus et de PoE II). Cela permettrait aussi de mieux profiter des Flèches qui ne peuvent pas être exploitées à leur plein potentiel à cause d’un jeu qui se termine trop vite (sans parler de ma compréhension tardive de leur utilité autre que de servir de téléporteurs) et des ressources importantes qu’elles demandent pour leur utilisation. Sans doute, il faudrait rejouer l’histoire deux ou trois fois, en choisissant des factions différentes, en adoptant des comportements plus variés grâce à une meilleure compréhension des mécanismes du jeu. Malheureusement, je n’en ai pas le courage, du moins pas pour l’instant (car ça reste un bon jeu)…

Les Mangaversien·ne·s n’y sont pas !

Normalement, aujourd’hui dimanche 31 janvier, la petite délégation mangaversienne aurait dû avoir profité depuis quatre jours, comme tous les ans, du Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême. Cependant, la crise du COVID jouant les prolongations, la quarante-huitième édition a été scindée en deux. La première partie est même devenue virtuelle alors qu’une cérémonie de remise des prix était prévue au théâtre le vendredi 29 avec l’ouverture au public de deux expositions. Il ne reste plus qu’à espérer que la seconde partie, devant se dérouler du 24 au 27 juin, ait bien lieu. Au passage, je peux vous dire qu’Angoulême en été, ça n’a rien à voir avec l’Angoulême hivernal que nous connaissons toutes et tous !

Depuis jeudi, je me dis plusieurs fois par jour que j’aurai dû être à Angoulême avec ma camarade de festival (depuis 10 ans déjà) a-yin. Nous y aurions retrouvé nos compères Tanuki et Manuka (entre autres). Nous aurions dû faire des expositions, discuter avec différentes connaissances, assister à des rencontres, des tables rondes, des conférences, etc. Nous aurions aussi ramené quelques dédicaces (peu, il ne s’agit pas d’un exercice important pour nous) et surtout fait de nombreux (trop du point de vue d’a-yin) achats chez les éditeurs indépendants et/ou alternatifs. J’avais songé à un moment aller quand même dans la préfecture de la Charente pour essayer d’assister à la cérémonie de remise des prix qui était prévue le vendredi. Encore aurait-il fallu que j’aie une invitation, étant donné le peu de places qui auraient été disponibles dans le théâtre. Celui-ci comptant en temps normal 680 sièges, on peut imaginer qu’il n’y aurait eu qu’environ 200 personnes invitées. Sachant qu’en seize éditions, j’ai préféré décliner les deux ou trois occasions où j’aurai pu récupérer le précieux sésame, n’étant pas fan de l’exercice, cela aurait peut-être été exagérer d’y assister cette année. Cependant, c’eut été aussi l’occasion de faire les deux expositions au long cours (janvier → juin), celle consacrée à Emmanuel Guibert et celle consacrée à la BD africaine. En attendant, nous n’y étions pas, et il ne nous reste plus qu’à parcourir à nouveau les mini-sites réalisés à l’occasion des précédentes éditions…

La cérémonie de remise des prix a quand même eu lieu, retransmise sur YouTube par France Inter, un des partenaires média du festival. Passons sur les soucis techniques qui ont rendu la diffusion pénible à suivre pour nous concentrer sur le palmarès. J’avoue que, comme tous les ans, je me fiche un peu de qui a tel ou tel fauve. Cette année, sur les douze titres primés, je n’en ai lu qu’un (et encore à la mi-janvier) : GOST 111. C’est très bien, je le conseille fortement. J’ai prévu depuis longtemps de lire Paul à la maison sans jamais penser à l’acheter (il faut vraiment que je retourne à la librairie Super Héros). Je connais aussi de réputation L’Accident de chasse. Cela fait peu ! Toutefois, et c’est aussi le but d’une telle manifestation, il y a trois titres dont j’ignorais plus ou moins l’existence (ce qui la fout un peu mal, non ?) qui sont passés en prévisions d’achat. Mon attention a donc été attirée sur Dragman, Tanz ! (cette BD, j’avais quand même vu qu’elle était sortie) et Anaïs Nin : Sur la mer des mensonges. J’avoue ne pas avoir beaucoup de curiosité pour le reste, ayant déjà trop de choses à lire. Après, si je venais à croiser tel ou tel ouvrage dans la bibliothèque parisienne où je m’approvisionne régulièrement…

Notons l’absence des bandes dessinées asiatiques au palmarès, comme pratiquement à chaque fois. Il y a bien eu un manga qui a été distingué mais il ne pouvait en être autrement, étant donné qu’il s’agit du prix Konishi de la traduction : cette année, c’est Miyako Slocombe qui a été (fort justement) récompensée pour son (excellent) travail sur Tokyo Tarareba Girl, un des plus grands succès d’Akiko Higashimura, son auteure. Bravo à Miyako que j’ai l’honneur de connaître un peu et aux éditions Le Lézard Noir ! Justement, j’ai la lecture du tome 3 qui m’attend (je sais, j’ai un peu de retard)…

Le Fauve © Lewis Trondheim / 9e Art+ — Merci à Manuka pour sa relecture

PoE : et ce fut la rechute !

Il y a à peu près un an et demi, suite à la lecture d’un ouvrage dédié au genre, j’écrivais un billet souvenir sur les RPG qui m’avaient le plus marqué. Cependant, je pensais qu’il s’agissait là d’un temps définitivement révolu, n’arrivant pas à me passionner à nouveau pour ces univers vidéoludiques. Pourtant, c’est bien connu, il ne faut jamais dire jamais. Début novembre, pour offrir à ma filleule son cadeau d’anniversaire sous la forme d’une e-carte cadeau Steam, j’ai dû m’inscrire sur la fameuse plateforme de distribution en ligne de jeux vidéo. J’avais soigneusement évité de le faire pendant des années, m’en vantant presque alors qu’une bonne partie de mon entourage s’y trouvaient (ce qui est un frein social, il faut le reconnaître). Ayant dorénavant un compte Steam, je suis allé voir ce que proposait le magasin. Grave erreur ! Passant en revue les jeux de rôle, je suis tombé sur Pillars of Eternity, dont j’avais remarqué l’existence lors de mes recherches sur le Web lors de l’écriture du fameux billet dédié au genre. Manque de chance, voilà qu’il est en promo (genre -60%)… Impossible d’y résister et je me retrouve à remplir mon porte-monnaie Steam et à en faire l’acquisition. Pire, l’idée d’y jouer me vient… Et là, c’est la rechute tant le jeu se révèle être addictif. Résultat, j’y passe l’essentiel de mon temps libre, ce qui se traduit par un arrêt quasi complet de mes lectures et de l’écriture de billets WordPress (je ne parle même pas de poster sur les deux-trois forums que je suis).

Pillars of Eternity

Le titre est considéré comme étant le digne successeur de Baldur’s Gate, Effectivement, on y retrouve la même représentation isométrique des décors et des personnages, le même système de combat en temps réel avec pause, etc. Il y a aussi un système de réputation très intéressant, celle-ci variant en fonction du comportement du joueur lors des (très) nombreuses quêtes secondaires ou lors de choix à faire lors des quêtes principales. Cela peut aller jusqu’au départ de compagnons qui ne supporteraient pas telle ou telle façon de faire ou de choisir une faction qu’il est hors de question de soutenir. C’est donc sans surprise que le jeu a reçu un accueil critique et public très favorable, ce qui s’est traduit par un beau succès commercial pour Obsidian, le studio de développement, et pour Paradox, l’éditeur. Il existe aussi deux extensions qui sont vraiment plaisantes à faire. Bref, il s’agit là d’une belle réussite.

D’habitude, je prends comme avatar un beau blond bien baraqué. Cette fois, j’ai préféré prendre un personnage au physique plus quelconque, laissant le rôle à Edér, un des compagnons principaux. Les débuts se sont révélés être assez aisés, entre fonctionnement connu et système de tutoriel bien fait, le tout accompagné par une difficulté du jeu bien étudiée, surtout que j’ai décidé de jouer en mode facile pour ne pas avoir à perdre trop de temps avec les combats et pour profiter au mieux de l’histoire. Toujours dans l’optique de ne pas perdre du temps, je me suis souvent aidé de la solution proposée par le site Supersoluce.com ainsi que du Strategy Guide disponible au format PDF dans la Definitive Edition. Et tant qu’à tricher, allons jusqu’au bout : j’ai installé l’éditeur de sauvegarde Eternity Keeper, histoire de muscler un peu mon avatar car j’en avais un peu marre qu’il tombe trop souvent évanoui lors des combats. Il m’a quand même fallu pratiquement 90 heures (étalées sur un peu plus d’un mois) pour arriver à la fin du jeu.

Il faut dire que le jeu est assez vaste, surtout avec l’extension (en deux parties) The White March. Chaque nouveau site atteint donne envie d’en découvrir plus, de rencontrer les PNJ locaux et d’avancer dans les quêtes. On a même son petit chez-soi avec la forteresse de Cae Nua. Il faut aussi la gérer et la défendre contre différentes attaques, ce qui est assez simple et qui rapporte beaucoup, rendant facile le financement des améliorations diverses. En faisant toutes les quêtes secondaires, en acceptant toutes les primes, mon équipe est rapidement arrivée au maximum de ses capacités (bloquées au niveau 16), ce qui a rendu les combats facile à gagner, même celui contre le boss final. Je ne vais pas me plaindre car, je le rappelle, j’avais choisi le mode facile. Tant mieux, je n’ai plus le courage de micro-gérer les rencontres avec les ennemis, de trouver leurs points faibles afin d’utiliser les bonnes armes et les bons sorts. Tout le long du jeu, je me suis contenté de bourrinage avec deux tanks (Edér et mon avatar, appelé « Gardien » – The Watcher en VO), aidés par les autres compagnons équipés d’armes de jet (sans oublier les sorts de combat d’Aloth, l’indispensable magicien).

PoE II : Deadfire

Début janvier, à peine terminé le premier opus, je me suis jeté sur la suite (achetée lors des soldes d’hiver de Steam), intitulée Deadfire. L’histoire fait directement suite au premier opus. La gigantesque statue qui se trouvait dans les profondeurs de Cae Nua s’est animée en devenant le réceptacle d’un dieu, et elle a détruit la forteresse. Plus que commotionné par la catastrophe, le Garfien s’est réveillé dans un bateau, avec Edér à son chevet. Malgré un chavirage, il va falloir rejoindre l’île où se trouve la capitale d’Eora. Si PoE II permet de reprendre la sauvegarde du I, j’ai été un peu désappointé de voir que j’avais perdu tout mon bel équipement et mes caractéristiques gonflées par la triche. C’est logique et c’est tant mieux. En fait, cela permet seulement de récupérer la personnalité de son avatar. Elle résulte des quêtes et des choix de dialogues du premier épisode, et rien d’autre, même pas les caractéristiques que l’on doit reprendre à zéro. Par contre, si un ancien compagnon est mort dans PoE, il le restera dans Deadfire.

Le jeu réussit à être encore plus addictif grâce à une plus grande liberté laissée dans le déroulement du scénario et dans les déplacements (qui se font d’île en île, par la mer), même si cela m’a amené à réussir plusieurs primes avant de se les faire proposer par tel ou tel PNJ. Le scénario est plus sombre aussi, et pas seulement visuellement. Les actions scriptées ajoutent du contenu au récit sans que les développeurs aient eu à trop se fouler. C’est à cette occasion que l’on se rend compte de l’importance des capacités de l’équipe car plus elles sont élevées, plus grandes sont les chances de réussites. Néanmoins, il me semble que Deadfire n’est pas réellement plus long que son prédécesseur. Après une cinquantaine d’heures de jeu, alors que je me suis moins aidé du guide de jeu acheté au format PDF sur gamepressure.com, j’ai pratiquement terminé la partie principale de l’histoire. Il me reste à faire une petite poignée de quêtes secondaires comme la visite des ruines de Poko Kohara ou deux des six quêtes des compagnons. Je me demande même si je vais pouvoir atteindre le niveau 20 (j’approche lentement du 19) avant de m’attaquer à la partie finale sans devoir faire les lieux proposés par les trois extensions disponibles.

Voulant avoir une équipe pléthorique lors des abordages (je ne cherche pas à engager une bataille navale), je me suis amusé à créer deux aventurières supplémentaires. Pour cela, il faut se rendre dans une auberge et de demander à recruter un aventurier. C’est ainsi qu’Alia est venue rejoindre assez rapidement le groupe. Puis ça a été le tour de Yinia d’arriver afin d’aider à finir le jeu. Il est aussi possible de recruter des PNJ en important des aventuriers proposés sur le Workshop dédié de Steam (j’en ai importé trois, que des personnages féminins). Key et Tanuki, notez que si vous achetez un jour Deadfire, vous pourrez recruter Alia et Yinia. Cependant, il n’est possible de recruter des aventuriers que si on a au moins le même niveau. Il faut aussi noter que ça coûte cher si on les veut avec tout leur équipement (ce que je ne fais pas, j’en ai plein le coffre, du matériel haut de gamme). D’autres PNJ peuvent nous rejoindre lorsqu’on les rencontre et que l’on fait les bons choix de dialogue. Ne ratez pas Mirke. C’est une pirate ivrogne qui ne pense qu’à faire la fête, mais quelle combattante ! À l’arrivée, j’ai actuellement une petite bande de 15 personnes (les sept principaux, quatre des six secondaires, deux aventurières créées et une recrutée sur les trois importées). Cependant, il n’y en a que cinq qui peuvent être dans l’équipe principale, ce qui amène à jongler entre les profils en fonction des besoins.

Les trois DLC ajoutant des quêtes sont malheureusement peu intéressants car, à mon goût, ils sont trop orientés combats (difficiles car souvent assez tactiques). Je pense faire l’effort de terminer Forgotten Sanctum qui propose une histoire accrocheuse quoique bien glauque. Par contre, je manque sérieusement de motivation pour m’attaquer à Beast of Winter. Quand je lis sur le forum dédié de Steam qu’un joueur a mis quarante-cinq minutes pour réussir à tuer Le Messager (qui bloque le retour au bateau), cela m’enlève tout courage. Pour ma part, j’arrive à peine à égratigner le dragon avant que mon équipe (niveau 18 quand même) soit couchée dans la neige… Le bourrinage, ça ne le fait pas, là. Pourtant, il doit y avoir du XP à gagner. Il en est de même avec Seeker, Slayer, Survivor. Néanmoins, là, c’est pire : ce ne sont que des combats à n’en pas finir qui semblent nous attendre sur cette île. Déjà que je n’arrive pas à passer le premier challenge du rite de passage dans l’arène du temple de Toamowhai… Ceci dit, mon équipe a depuis progressé, ça devrait pouvoir le faire maintenant. Cependant, il y a quatre challenges à réussir…

Deadfire ne s’est pas vendu autant que prévu, il n’y a donc pas de suite de prévue pour l’instant. Ce qui fait qu’une fois que j’aurai terminé le jeu, il faudra que je me penche sur le reste de ma logithèque (riche d’environ 25 jeux). Je peux aussi acheter Tyranny (pour rester dans la continuité) ou Disco Elysium (pour changer un peu).

Des jeux pas toujours avouables

Ayant profité des soldes d’hiver pour acheter à bas prix un certain nombre de jeux d’aventures et en 3D (histoire de voir comment ma petite carte vidéo GeForce 1050 Ti récemment installée se comporte), je me retrouve à avoir (pour moins d’un euro chaque) dans ma logithèque deux jeux dont je ne devrai pas me vanter mais qui permettent une pause bien délassante entre deux parties de PoE. Il s’agit de deux créations d’un auteur indépendant américain (même si son nom d’éditeur sonne japonais) qui semble être un sacré otaku. C’est ainsi qu’après les deux PoE, les deux jeux auxquels j’ai le plus joué (presque trois heure à eux deux) sont réservés à un public adulte : The Last of Waifus et Anime Redemption de Konnichiwa Games. Et tant qu’à faire, autant installer leur DLC Nude (18+), histoire d’aller au bout de ma démarche et d’assumer une certaine curiosité vers ces jeux hentai qui sont si nombreux parmi les productions indépendantes à très petit prix. Ici, le joueur (ou la joueuse) incarne une waifu. Bien entendu, le fessier quelque peu callipyge et le bouncing breast sont de rigueur ; et c’est mieux sans culotte ni soutien-gorge, n’est-ce pas ?

L’idée était aussi de se ré-entrainer aux jeux 3D afin de se remettre dans un futur plus ou moins proche à jouer à la franchise Deus Ex, à commencer par Invisible War, seulement commencé il y a bien longtemps, lors de la sortie du jeu sur PC en 2004.

Deux Ex, c’est pour bientôt ?

Ayant acquis avec une belle réduction que je ne pouvais pas laisser passer, j’ai acquis à Noël The Deus Ex Collection, m’étant rapidement rendu compte que Deus Ex: Mankind Divided était en fait une préquelle, qu’il s’adressait plutôt aux férus de jeux d’action en 3D et que j’allais avoir besoin d’une sacrée réelle mise à niveau pour progresser dans l’histoire. Cet entrainement a commencé avec System Shock, pour la séquence nostalgie et pour voir comment était la 3D dans la version Enhanced.

L’amélioration dans la représentation 3D des décors et des personnages est bluffante au fil des versions, surtout dans l’animation des mouvements. Par contre, j’ai été surpris (à moitié seulement) d’avoir de gros soucis au lancement d’une nouvelle partie d’Invisible War. Sa réputation de jeu non-terminé et capricieux (comprendre truffé de bugs) semble être toujours méritée, plus de quinze ans après sa sortie. On verra dans quelques temps si j’arrive à passer l’endroit où le jeu plantait irrémédiablement à l’époque. J’ai bon espoir d’aller plus loin, ceci dit. Ensuite, il sera bien temps de s’attaquer aux autres opus. J’avoue ne pas avoir le courage de refaire les deux System Shock, tout en attendant la sortie du numéro 3 avec une certaine curiosité.

Un peu de Point & click pour terminer

Autre séquence nostalgie dont je m’étais fait l’écho il y a quelques temps dans un billet sur les jeux d’aventure : pour cela, il suffit d’y rejouer !

Grâce au studio américain Zojoi qui a fait revivre les quatre jeux antédiluviens MacVenture, j’ai pu refaire en deux heures The Uninvited en suivant une solution que j’avais corédigée il y a plus de 18 ans dans le numéro 25 du fanzine RCAP Magazine dont j’étais le rédacteur en chef. J’ai aussi recommencé The Secret of Monkey Island dans sa Special Edition pour m’habituer au nouveau graphisme du jeu et surtout à la nouvelle représentation de Guybrush Threepwood. En effet, je pense qu’un temps d’adaptation m’est nécessaire pour pouvoir apprécier The Curse of Monkey Island (que je n’avais pas acheté à l’époque à cause du changement de design) puis Escape from Monkey Island et enfin Tales of Monkey Island, sachant que je n’ai pas encore acquis ces trois derniers jeux. Il va falloir aussi que je rejoue à Beneath a Steel Sky (offert sur Steam) avant d’acquérir Beyond a Steel Sky qui est très différent car il s’agit dorénavant d’un jeu d’action en 3D. Il n’y a aucune urgence, j’attendrai des soldes intéressantes (au moins 60% de remise). Néanmoins, le fait que j’envisage de jouer à tous ces jeux démontre bien que je suis victime d’une sacrée rechute 😁.

La Bande dessinée asiatique au festival d’Angoulême (3/4)

Les festivaliers fans de manga, manhua et autres manhwa perdent le Manga Building avec la trente-huitième édition du Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême qui se déroule du 27 au 29 janvier 2011. En effet, le duo Julien Bastide et Nathalie Bougon n’a pas prolongé l’aventure et l’Espace Franquin est dévolu à une exposition sur la nouvelle BD belge, ainsi qu’à des spectacles et projections. 

Les années Mangasie (2011-2012)

Le nouveau responsable de ce qui est devenu l’Espace Mangasie, placé sur un côté du Monde des bulles sis Place du Champ de Mars, est Erwan Le Verger. Ce n’est pas un inconnu du festival car il faisait partie de l’équipe Tsuki qui proposait des ateliers liés au manga une dizaine d’années auparavant. Forcément, tant le Manga Building était apprécié par la délégation mangaversienne, , tant le nouvel espace l’est moins. La déception est au rendez-vous. Pourtant, force est de reconnaître que cette première édition de Mangasie est plutôt réussie, malgré un vraisemblable manque de budget. Le programme n’est pas inintéressant. L’exposition, dédiée au manga « underground » au féminin, a l’avantage d’aborder un sujet doublement ignoré : les mangaka femmes et la BD « alternative » japonaise. C’est simplement dommage que son côté « cheap » laisse une impression mitigée dès l’arrivée. L’idée de s’associer à MCM peut sembler bonne, ne serait-ce que pour essayer de s’adresser à un public jeune. Ceci dit, le manga intéressant principalement les adolescents en francophonie, cette démarche de s’associer avec une chaîne musicale du câble n’est peut-être pas indispensable pour assurer la popularité du lieu, même si les passerelles sont évidentes.

Au moins, cela permet une table ronde intéressante sur le sujet du sexe dans le manga grâce à la qualité des intervenant·e·s dont Katsuni, animatrice sur la chaine MCM et encore à l’époque star du porno. D’ailleurs, lors de cette rencontre, elle fait venir de nombreux représentants des médias dans le petit espace dédié aux animations, laissant peu de place au grand public. Les autres tables rondes sont plus anecdotiques et peu originales, même si elles sont bien animées. Il faut dire qu’Ivan West Laurence (ex-Animeland) est un spécialiste du manga et de l’animation. Les autres activités consistent en des démonstrations sur palette graphique réalisées par des auteur·e·s hongkongais·e·s ou français ·e·s. Outre le peu d’intérêt de l’exercice, les conditions d’accueil du public sont assez déplorables entre espace exigu, absence de sièges et bousculades permanentes par les festivaliers qui aimeraient circuler dans les allées. Il est donc impossible de s’y attarder, même pour regarder l’émission de Noémie Alazard diffusée en direct sur MCM. Passons sur les stands éditeurs, ces derniers se signalant surtout par leur absence : seul Kurokawa fait acte de présence, avec des vendeurs peu avenants et s’ennuyant ferme. IMHO est là aussi, ainsi que Le Lézard Noir mais on n’y reprendra plus l’éditeur poitevin : il vaut mieux pour lui être au Nouveau Monde. Trois stands représentent les différentes BD chinoises : Taïwan, Hong Kong et Pékin. Il y a donc moyen de rencontrer quelques auteurs sinisants. Le reste est composé de vendeurs de goodies et produits dérivés. Tous ces espaces sont petits par manque de place.

La seconde année de Mangasie est un ratage quasi complet. Entre un programme peu inintéressant, deux animateurs lamentables (Miko et Cartman de MCM), une exposition numérique ratée, ce n’est pas un nouvel emplacement (Le Monde des bulles 2), en théorie partagé avec la bande dessinée américaine (c’est plutôt un fourre-tout de petits éditeurs venus de tous horizons), qui sauve cette nouvelle organisation. Seul le retour de la Corée du Sud avec un beau stand (Komacon) vaut le détour. Ayons une petite pensée pour IMHO qui, avec son stand plutôt caché, a peu de fréquentation. Il y en a un peu plus uniquement lorsque son auteur invité, Atsushi Kaneko, est en dédicace. Kurokawa fait à nouveau acte de présence, ce qui n’a aucun intérêt pour nous. Inutile de dire que nous ne consacrons que peu de temps au lieu, avec toutefois ce qu’il faut pour assister à une rencontre sur le numérique avec Jérôme Chelim (qui remplace Raphaël Pennes au pied levé) de Kazé Manga et Sébastien Naeco, un spécialiste de la question.

Heureusement, la bande dessinée asiatique est présente en dehors de l’Espace Mangasie. Ainsi, en 2011, les Ateliers Magelis accueillent une exposition intéressante et instructive : « Kaléidoscope, une histoire de la bande dessinée à Hong Kong » qui retrace cinquante années de BD hongkongaise. Cette exposition est bien complétée par une conférence donnée au Conservatoire par Connie Lam et Alan Wam. Les Éditions Fei sont présentes au Nouveau Monde et la revue Special Comix, qui a gagné le prix de la meilleure revue alternative l’année précédente, a un petit stand au Nouveau Monde. De plus, les auteurs / représentants de la revue ont une rencontre organisée à l’auditorium du Conservatoire qui est animée par Camilla Patruno (traductrice et journaliste BD) et  Li-Chin Lin (auteure taïwanaise installée en France). Il y a aussi la présence en Rencontre Internationale de Riyoko Ikeda (La Rose de Versailles chez Kana), pourtant plus intéressée depuis 2009 par sa carrière de cantatrice que celle de mangaka. N’oublions pas l’exposition « off » sur YaYa, située dans un vieux bus placé en retrait sur la place Saint Martial.

En 2012, c’est au tour de Taïwan, en tant que « pays invité », de présenter ses manhua. Bénéficiant d’un bel emplacement avec une (petite) bulle située dans la cour de l’Hôtel de Ville, l’exposition « Taïwan, ocean of comics » semble plus publicitaire qu’informative, mais elle n’en reste pas moins intéressante. Enfin, il est possible d’écouter Atsushi Kaneko répondre aux questions de Stéphane Beaujean (chroniqueur BD aux Inrockuptibles, membre du comité de sélection du festival et libraire à Aaapoum Bapoum) lors d’une Rencontre du Nouveau Monde. Enfin, il est possible de rencontrer au Conservatoire quatre auteurs taïwanais venus présenter leur production. Le film Tatsumi, du réalisateur singapourien Eric Khoo est diffusé en avant première le samedi soir à l’Espace Franquin, dans la grande salle.

Les années Little Asia (2013-2015)

Devenu en 2013 « Little Asia », l’espace dédié aux bandes dessinées asiatique, dorénavant sous la responsabilité de Nicolas Finet (journaliste, spécialiste de l’Asie), est réduit à une petite salle (le Studio) située tout en haut du théâtre d’Angoulême. Elle est accessible uniquement par un interminable escalier. Il faut vraiment être motivé·e pour assister à une des sempiternelles performances graphiques, cette fois avec la participation d’auteur·e·s venus des trois Chine (Taïwan, Hong-Kong, Chine continentale), à des projections d’animés ainsi que d’épisodes de la (sans grand) intérêt websérie « Raconte-moi un manga ». Il y a quand même plusieurs tables rondes autour de la BD taïwanaise, une autre autour de l’œuvre de Leiji Matsumoto, un des invités du festival, une conférence présentant le Comix Home Base situé à Hong-Kong (animée par Connie Lam, sa directrice), et enfin, une autre consacrée à Billy Bat de Naoki Urasawa, animée par Alex Orsini (spécialiste du mangaka et responsable du site « La Base secrète »). Ne parlons pas de ce qui ose s’appeler une exposition dédiée au manga et présentant le titre Deux mangakas à Angoulême (Kana). Le résultat : un programme qui réussit l’exploit d’être plus inintéressant que l’année précédente, du moins pour le peu que nous pouvons en voir, ayant rarement le courage de monter au Studio alors qu’il y a tant d’activités intéressantes à faire au festival.

Heureusement, la bande dessinée asiatique ne résume pas à Little Asia. En 2013, la bulle de la place Saint-Martial est dédiée aux manhwa. En effet, la Corée du Sud fait très régulièrement acte de présence à Angoulême, notamment par le biais des stands de Komacon. Pour leur deuxième grande présence après celle de 2003, la Corée présente au public angoumoisin de nombreux auteurs dont certains ont été traduits en français. Surtout, une place importante est faite au webtoon, ces webcomics sud-coréens qui commencent à percer hors de l’Asie. Autre exposition, plus intéressante à nos yeux : celle en « off » consacrée aux lianhuanhua (bandes dessinées traditionnelle chinoises). D’ailleurs, à l’occasion de la sortie du coffret Les Trois Royaumes, les Éditions Fei, représentées principalement par Xu Ge Fei (la fondatrice) et Nie Chongrui (auteur du Juge Bao) participent à deux tables rondes, une à La Cité et une au Forum du Nouveau Monde.

Il faut dire qu’en 2013, les rencontres avec les auteurs asiatiques sont plutôt limitées, hors « performances graphiques » qui ne sont pas réellement intéressantes si l’on n’est pas apprenti dessinateur ou fan de la personne qui dessine. Leiji Matsumoto est l’un des invités vedettes de l’édition avec deux rencontres internationales, mais c’est un peu l’arbre qui cache la forêt. Les trois autres invités japonais ne sont pas réellement mis en avant. S’il est logique que Tomonori Taniguchi (publié au Petit Lézard) ait une rencontre jeunesse, il est regrettable qu’Atsuhi Hosogaya (un universitaire) et surtout Hisae Iwaoka (auteure de La Cité Saturne chez Kana) ne soient pas mieux utilisés, surtout que leur table ronde « La bande dessinée dans tous ses médias » n’est pas franchement une réussite. De plus, la deuxième rencontre avec Leiji Matsumoto (nous n’avons pas pu aller à la première pour cause de conflit d’emploi du temps) est massacrée par un interprétariat totalement raté, la pauvre interprète n’ayant plus l’esprit clair pour cause de fatigue excessive. C’est d’autant plus dommage que le mangaka a des choses intéressantes à dire, surtout que l’animation de Julien Bastide est bonne, avec des questions pertinentes. C’est d’autant plus dommage (bis) car Alexander Clarke, l’accompagnateur, est un excellent interprète et qu’il aurait pu prendre le relais sans difficulté, même si c’eût aurait fait perdre la traduction en simultané. Enfin, pour avoir une présentation plus globale de cette quarantième édition, il est possible de lire (et de voir) le compte-rendu 2013 de Mangaverse à Angoulême.

En 2014, Little Asia bénéficie à nouveau d’une bulle, celle située Place Saint-Martial. Benoit Mouchard n’étant plus le directeur artistique du festival depuis mars 2013, il est remplacé pour cette édition par un triumvirat composé de Stéphane Beaujean, Nicolas Finet et Ezilda Tribot (responsable Jeunesse au festival depuis plusieurs années). Il est donc légitime d’espérer qu’un programme digne de ce nom soit à nouveau proposé en ce qui concerne la bande dessinée asiatique, aidé en cela par la présence de Kazé. Las… Ce n’est pas le cas : impossible de ne pas y voir une redite de l’année précédente entre performances graphiques (sauf que cette fois, ce sont surtout des Taïwanais·es), projections de la (toujours sans intérêt) websérie Raconte-moi un manga, et nouvelle conférence sur Naoki Urasawa. L’espace en lui-même est déserté par les éditeurs francophones (ils sont dispersés dans les différentes bulles). Par contre, il est envahi par les vendeurs de produits dérivés et autres goodies. Seuls les stands des délégations taïwanaises et sud-coréennes valent la peine d’aller voir la bulle. Leur professionnalisme tranche d’ailleurs avec le reste. À l’arrivée, ce qui fait le plus parler de Little Asia est l’incident lié notamment à la location d’un stand par un groupuscule révisionniste qui refuse de reconnaître les atrocités commises par l’armée impériale durant la Seconde guerre mondiale et qui est interdit d’accès à la bulle durant le festival. Inutile de dire que nous ne mettons quasiment pas les pieds à Little Asia de tout notre séjour.

Cette fois encore, c’est en dehors de Little Asia que les fans de BD asiatique peuvent espérer trouver leur bonheur. C’est tout d’abord au Conservatoire Gabriel Fauré (dont la programmation est depuis 2011 sous la responsabilité de Jean-Paul Jennequin, spécialiste BD et traducteur) qu’il est possible d’assister à deux conférences, une sur Shôtarô Ishinomori (par Vincent Zouzoulkovsky, traducteur) et une autre sur Moto Hagio (par votre serviteur). Deux rencontres intéressantes sont proposées dans l’auditorium, la première avec Li Kunwu (Chine) et la seconde avec Tony Valente (France) dont le manfra rencontre un grand succès. L’espace Franquin permet de rencontrer à deux reprises Atsushi Kaneko (un habitué du festival), notamment à une Rencontre dite Internationale en duo avec le timide Suehiro Maruo. À l’arrivée, tout cela est bien léger, comme je l’affirmais à l’époque dans le traditionnel mini-site Mangaverse à Angoulême. Cependant, ce n’est pas bien gênant : il y a bien d’autres choses à faire et à voir… De plus, n’oublions pas l’exposition causant l’ire de quelques Japonais venus protester contre sa tenue lors du festival : « Fleurs qui ne se fanent pas » est située dans les Caves du Théâtre. Organisée par le gouvernement sud-coréen, elle veut « témoigner de l’histoire de ces femmes qui […] continuent à se battre pour la reconnaissance par le Japon de cette vérité historique faisant aujourd’hui encore polémique, […] l’histoire des femmes de réconfort ».

Pourtant, en 2015, le festival réussit à faire pire : le programme de Little Asia est absent du « heure par heure ». C’est normal : il n’y en a pas, de programme. Il n’y a pas de lieu dédié aux animations (hors du stand de Hong Kong). Il faut dire que la surface réduite (une bulle située dans la cour de l’Hôtel de Ville) ne se prête pas à la création d’un espace pour les tables rondes et sempiternelles séances de dessin en public. Il faut dire aussi que les stands de Taïwan et de Hong Kong (tous deux superbes) prennent beaucoup de place afin de proposer un bel échantillon de leurs productions « nationales ». En effet, cette année, la place Saint-Martial est occupée par le Pavillon Chine. Ce dernier met en valeur la bande dessinée venant de la ville de Canton, qui est « invitée » pour l’occasion. Donc, Little Asia, pour simplifier, est surtout composé de deux stands. Un autre emplacement, bien plus petit et basique, est occupé par le Bureau des populations aborigènes de la mairie de New Taipei City, un représentant bien improbable qui permet de remettre en valeur Chiu Row-long et son excellent Seediq Bale (Akata). Heureusement, il y a tout de même un certain nombre de manifestations plus ou moins intéressantes liées à la bande dessinée asiatique dans la programmation du festival.

En effet, les auteurs japonais sont plutôt nombreux : outre Jirô Taniguchi, le principal invité de cette quarante-deuxième édition et qui est aussi le sujet d’une grande exposition rétrospective dans le Vaisseau Moebius (ex-CNBDI), Eiji Ostuka et Junji Ito (Spirale, Le Voleur de visages, etc. chez Tonkam) sont aussi présents et participent à des Rencontres internationales (malheureusement toutes placées le même jour). Elles sont d’ailleurs toutes les trois intéressantes et bien animées. L’exposition « L’Homme qui rêve » est malheureusement décevante, sa scénographie étant ratée du fait de cartels indigents et d’un manque flagrant de cohérence. Passons sur les reproductions ratées car moirées… Atsushi Kaneko est là, lui aussi mais il n’a toujours pas droit à une Rencontre internationale en solo. Cette fois, il est à l’Espace Polar SNCF pour sa série Wet Moon chez Casterman / Sakka.

Le Pavillon Chine propose bien quelques animations mais cela consiste principalement en des démonstrations de dessin. Malheureusement, Xia Da, l’auteure des excellents Little Yu et La Princesse vagabonde est absente, étant malade, alors que nous aurions voulu pouvoir la rencontrer (l’une d’entre nous connaissant déjà son travail). Il reste toutefois une intéressante présentation de la bande dessinée chinoise par la mise en avant d’une dizaine d’auteur·e·s, dont Nie Jun, la tête d’affiche de la délégation chinoise. Le moment fort du Pavillon est son inauguration suivie de la signature d’un contrat d’édition ambitieux entre le groupe Dargaud et l’éditeur cantonais Comicfans. Le public est plutôt présent en nombre alors que ce genre de raout n’est censé n’intéresser personne en dehors des officiels et de la presse. Ce contrat aboutit au lancement du label Urban China, qui sera actif entre 2014 et 2019.

Les personnes les plus courageuses peuvent aller en haut du théâtre pour assister à des performances graphiques au Studio, histoire de revenir deux années en arrière. Eiji Otsuka propose deux masterclass au Nil (à côté du Musée du papier, tout en bas, sur les bords de la Charente). Enfin, nous pouvons toujours compter sur le Conservatoire pour nous proposer des tables rondes ou des conférences sur la bande dessinées asiatique. Elles sont au nombre de quatre dont la plus intéressante est peut-être bien celle consacrée au lettrage, Eric Montesinos étant un des adaptateurs graphiques les plus connus (et doués) de francophonie. La bulle du marché des droits n’est pas en reste avec deux rencontres réservées aux professionnels, une sur le Comix Home Base animée par Thomas Maksymowicz (Rédacteur en chef de Coyote Mag), ce qui permet ensuite de retrouver et de discuter un peu avec Connie Lam, et une autre sur l’évolution de la bande dessinée à Hong-Kong (à laquelle nous ne pouvons assister pour cause de conflit d’emploi du temps).

C’est ainsi que l’édition 2015 se révèle être un bon cru pour la bande dessinée asiatique malgré l’absence d’un programme dédié au sein de Little Asia et le loupé de l’exposition consacrée à Taniguchi. D’ailleurs, c’est toute la quarante-deuxième édition qui se révèle être d’une grande qualité, comme je l’expliquais dans le mini-site Mangaverse à Angoulême 2015. Néanmoins, Little Asia, c’est terminé : place au Quartier Asie en 2016, première année sous la direction artistique unique de Stéphane Beaujean.

Je remercie Manuka pour sa relecture et ses précieuses corrections. J’adresse aussi tous mes remerciements au FIBD et à ses différentes organisations dont 9e Art+.

New Cherbourg Stories

Sur une plage de New Cherbourg, Julienne est en plein entrainement avec ses petites camarades du club de natation féminine. C’est alors qu’elle tombe sur un étrange cétacé bleu à poils longs, mort et échoué parmi les rochers. Cette découverte fait la une de la presse locale et attire l’attention du contre-espionnage de la ville, service qui est déjà sur la piste d’espions qui logeraient au Roule Palace, un hôtel luxueux qui surplombe les environs. Les frères Glacère sont chargés de les débusquerà l’occasion de l’échange d’un dossier confidentiel qui a été volé. La mission n’est pas sans risque ; ils ont toutefois un atout maître dans leur manche : leurs « pouvoirs spéciaux ».

New Cherbourg Stories est la nouvelle série du duo Pierre Gabus (scénario) et Romuald Reutimann (dessin). Après les deux excellentes saisons de Cité 14 (2007-2012 aux Humanoïdes Associés) et la formidable et Extravagante Croisière de Lady Rozenbilt (2013 aux Humanoïdes Associés), voilà le binôme à nouveau réunit autour d’un projet mettant au centre du récit Cherbourg, la ville où les deux auteurs habitent. Cependant, avant de devenir de la bande dessinée éditée au format « classique » cartonné couleur de 64 pages, le début de la série a tout d’abord été proposé sous la forme d’une prépublication dans le journal local La Presse de la Manche. Ces prémisses sont devenus le premier tome, intitulé Le monstre de Querqueville. Cette version visait explicitement un lectorat local ; il y eut de surcroît une version presse sous la forme de deux fascicules de 32 pages. Il en a résulté une narration une peu décousue et un manque de caractérisation des personnages (un peu trop nombreux), la ville (sa représentation, plutôt) devant rester le moteur principal du récit. Heureusement, le projet New Cherbourg Stories a trouvé un éditeur de premier plan (Casterman), ce qui a peut-être permis plus de libertés créatives à Gabus et à Reutimann pour concevoir la suite.

En effet, Le Silence des Grondins bénéficie d’une aventure plus solide, moins centrée sur la ville de New Cherbourg, et qui est traitée sur l’ensemble de ce deuxième tome, même s’il y a à nouveau deux sous-intrigues. Surtout, l’histoire donne une plus grande importance à Julienne qui est incontestablement le personnage principal de la première partie, le commandant Criqueboeuf prenant le relais. Les frères Glacère, dont le rôle avait été quelque peu décevant dans le premier tome, sont clairement mis en retrait et servent régulièrement d’élément comique. Il faut dire que leur pouvoir spécial, quoique pratique, est assez ridicule. De plus, la partie que l’on pourrait qualifier d’« espionnage » est nettement moins palpitante que la partie « fantastique », ce qui réduit d’autant leur rôle. À l’inverse, les Grondins bénéficient d’un traitement intéressant, leur existence étant désormais connue par les lectrices et lecteurs de la série. Anton Lucas de Néhou, le scientifique, prend aussi de l’importance, ce qui devrait se confirmer dans le tome suivant qui est prévu pour octobre 2021. Quoi qu’il en soit, les deux auteurs ont réussi à nous proposer un nouvel univers où l’on ne demande qu’à retourner.

Comme l’explique très bien une vidéo diffusée à l’occasion d’une exposition présentée aux Cherbourgeoises et Cherbourgeois durant le mois de mars 2019, les deux auteurs, aidés par un « troisième homme », voulaient faire une bande dessinée sur Cherbourg, mais sans la forme historico-promotionnelle (voire institutionnelle) que l’on voit habituellement pour ce type de création. Ils ont préféré réaliser une fiction située dans les années 1930 avec une esthétique fantasmée rappelant l’urbanisme new-yorkais de l’époque, celui déjà vu dans Cité 14. Abandonnant le dessin animalier anthropomorphique de cette série, nos deux bédéistes créent alors une galerie de personnages inspirés de la ligne claire. Comme déjà dit, ceux-ci sont nombreux de façon à ne pas se focaliser sur l’un ou l’autre. C’est d’ailleurs ce qui fait la faiblesse du premier tome, qui peine à dégager une ligne directrice majeure : il y a bien trop de situations, qui ne sont pas parfaitement agencées entre elles ou du moins qui ne sont pas indispensables à la progression du récit.

Heureusement, la reconstitution par Romuald Reutimann de Cherbourg en New Cherbourg avec l’application d’un filtre esthétique « années 30 et d’urbanisme de grande ville américaine à la New-York » est très réussie, très « réaliste » et donc immersive. Il faut dire que le scénario de Pierre Gabus permet un récit bien rythmé. En se basant sur des faits divers d’époque, en multipliant les clins d’œil à la ville, il a mis en place une double narration dans chacun des deux tomes, ce qui a permis de multiplier les représentations de Cherbourg dans un premier temps, de s’en écarter ensuite. Cela permet, en définitive, de passer deux excellents moments de lecture, et nul doute que le troisième opus sera dans la même veine.

Toutes les illustrations sont © Reutimann. Merci à Manuka pour sa relecture.

La Bande dessinée asiatique au festival d’Angoulême (2B/4)

Voici le chapitre venant clore ma mise en lumière du premier « âge d’or » de la bande dessinée asiatique au Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême. L’année 2008 voit l’arrivée d’une importante nouveauté : le Manga Building. Comme l’annonce le dossier de presse, « le site dévolu au manga se réinvente […]. L’Espace Franquin se transforme en Manga Building pendant la durée du festival, sur le modèle des immeubles du quartier branché d’Akihabara à Tôkyô, épicentre de la culture manga. Un lieu différent pour découvrir ou retrouver le meilleur de la bande dessinée asiatique, dans toute sa diversité ». Cette organisation est mise en place durant trois années, entre 2008 et 2010, et reprend les principes vus lors de l’édition de 2007.

Sous la direction de Julien Bastide (mais nul doute que Nathalie Bougon a énormément contribué à sa mise en place), le Manga Building bénéficie d’espaces dédiés aux trois principaux types d’animations proposées : expositions, projections et rencontres / conférences. Il s’agit d’utiliser le sous-sol (avec ses trois salles) et le rez-de-chaussée du bâtiment. C’est ainsi que la salle Paul Iribe, avec ses 350 m² permet de proposer une exposition ambitieuse, que la salle Luis Buñuel admet jusqu’à 300 spectateurs pouvant assister aux principales rencontres et projections, et que la salle Georges Méliès, nettement plus petite avec ses 48 places, est dédiée aux projections et aux conférences / rencontres / tables rondes. De plus, les murs du sous-sol servent de lieu d’accrochage pour de petites expositions de planches dédiées à tel ou tel auteur. Enfin, une petite salle technique sert de lieu de repos et de stockage pour l’équipe des bénévoles (uniquement en 2008). Le rez-de-chaussée est nettement moins fonctionnel, avec un accueil général (qui ne présente aucun intérêt), un renfoncement permettant d’installer un unique stand (celui du magazine Animeland), un autre situé entre deux salles permettant (la première année seulement) de recevoir une vingtaine de personnes pour assister à des ateliers de dessin ou à trois ateliers sur la traduction des mangas.

La première année

Le programme de l’année 2008 est chargé, avec une prédominance de projections d’animés, si ce ne sont les premiers épisodes de séries à succès ou en relation avec les mangaka invités, ce sont des longs métrages d’animation, certains étant diffusés en avant-première ou en exclusivité. Inutile de dire que tout ceci ne m’intéresse pas trop : nous sommes là pour les rencontres et les expositions ! Cependant, le public répond présent. L’exposition dédiée à Lady Snowblood se résume à une poignée de planches originales (certes bien jolies) ; celle consacrée au célèbre studio CLAMP est d’un tout autre niveau. Divisée en quatre « salles », cette dernière, montée par Nathalie Bougon et Julien Bastide, est une vraie réussite (elle suscite même l’intérêt de Jean Giraud / Moebius qui vient la voir le vendredi). La première partie présente les principales thématiques que l’on retrouve dans l’œuvre de CLAMP à l’aide de nombreuses illustrations et cartels. La deuxième présente les différentes étapes de la réalisation d’un manga en présentant le rôle de chacune des quatre mangaka au sein du studio. On y trouve aussi les ateliers de dessin dédiés aux enfants. La troisième propose une vidéo où les auteures parlent de leurs tâches, de leur rôle dans le groupe. Enfin, la quatrième permet d’admirer des planches originales, sorties du Japon pour la première fois (malheureusement, les photos sont interdites). Pour être complet, évoquons la mini-exposition dédiée à l’univers Dofus et présentant le travail des auteurs sur la version « manfra ».

Concernant les rencontres, conférences et tables rondes, il faut surtout signaler la visioconférence organisée le samedi matin entre Jirô Taniguchi (présent à Tôkyô sur le site de l’Institut français du Japon) et François Schuiten (dessinateur des Cités obscures), animée par Benoit Mouchard, le directeur artistique du festival, et Julien Bastide, le responsable du Manga Building. Pendant 1h30, les deux auteurs échangent sur leur conception du médium et leur façon de travailler. Puis ils répondent aux questions du public. Grâce à Casterman, grand pourvoyeur d’invités asiatiques, les quatre jours du Manga Building sont rythmés par les rencontres avec Kim Dong Hwa (Histoire couleur terre), Yoshio Sawai (Bobobo-Bo Bo-Bobo) et Daisuke Igarashi (Sorcières) dont le compte rendu est disponible sur le mini-site « Mangaverse à ». N’oublions pas Tori Miki (Intermezzo chez IMHO) qui, comme ses trois « collègues », a droit à la grande salle Buñuel qui résonne comme une cathédrale par manque de public. Le Coréen Kang Do-ha (Catsby chez Hanguk / Casterman) et le Hongkongais Lai Tat Tat Wing (L’Enfer de Jade chez Hua Shu / Casterman) ont droit, eux, à la salle Méliès, bien plus adaptée par sa taille à ce genre de rencontre qui n’attire jamais la grande foule. Ladite salle est aussi le lieu de deux conférences : « Les onomatopées dans la bande dessinée japonaise » par Marie- Saskia Raynal (traductrice et ancienne du Virus Manga) et « De Dragon Ball à Death Note : une étude du “shônen manga” », par Nicolas Penedo (journaliste spécialisé à Animeland). Enfin, n’oublions pas l’atelier « Le Mystère des bulles : comment sont traduits les mangas ? » animé à trois reprises par Grégoire Hellot, le responsable de Kurokawa, qui a aussi proposé une conférence sur le même thème le jeudi au Pavillon Jeunes Talents (lieu qui a aussi organisé un débat sur le « manga européen») et les nombreux ateliers de dessin animés par des étudiants de l’école privée Eurasiam.

La bande dessinée asiatique est aussi présente en dehors du Manga Building avec le Pavillon Chine situé dans la cour de l’Hôtel de ville. Celui-ci présente un aperçu de la variété de la bande dessinée de la Chine continentale avec la venue d’une quinzaine d’auteur·e·s. Je dois avouer que l’équipe mangaversienne a un peu zappé cet espace, ce qui est une erreur qui ne sera pas renouvelée en 2015. Côté éditeurs, notons la présence de la Corée du Sud (stand Manhwa), de Pika, SeeBD, Tonkam, Ki-oon et Xio Pan dans Le Monde des bulles, sans oublier les espaces dédiés chez Bamboo, Carabas, Casterman, Delcourt, Glénat, Panini et Soleil. IMHO se la joue indépendant dans la bulle du Nouveau monde. Pour un peu de lecture complémentaire sur l’édition 2008, je vous conseille le compte rendu de Morgan sur le site de Mangaverse. Il y a aussi le mini-site Mangaverse à qui propose d’autres textes et photos…

La deuxième année

En 2009, c’est un peu « on prend les même et on recommence ». Le duo Julien Bastide et Nathalie Bougon est à nouveau en charge d’un Manga Building qui n’évolue qu’à la marge. Les invités japonais sont au nombre de trois : le flamboyant Hiroshi Hirata, le designer Murata Range et la francophone Junko Kawakami (qui vit à Paris depuis 2004). L’exposition principale (située dans la salle Iribe) est consacrée à Shiguri Mizuki qui, même en l’absence de planches originales, est une belle réussite (notamment grâce à la série de cinquante-cinq estampes baptisée « La Route de Yokaïdo ». L’exposition satellite propose des planches (une quinzaine d’originaux en l’occurrence) d’Hiroshi Hirata. Il y a aussi quelques illustrations de Murata Range sur un des murs du sous-sol. Il est possible d’admirer le travail de Junko Kawakami dans une petite salle (celle qui servait au repos des bénévoles en 2008) où la mangaka fait des démonstrations (en fait, elle réalise ses planches à envoyer au Japon).

Le programme du Manga Building est plutôt bien garni. Celui de la salle Buñuel (la grande) est intéressant avec principalement l’atelier « Le Manga pour les nuls » superbement animé du vendredi au dimanche par Grégoire Hellot de Kurokawa, complété par les trois démonstrations de dessin sur palette graphique (Murata Range le vendredi, Junko Kawakami le samedi et la française Raf-chan le dimanche) et quelques longs-métrages d’animation. Le programme de la salle Méliès (la petite) est moins captivant mais propose tout de même des rencontres avec Murata Range, Hiroshi Hirata et Raf-chan (qui fait du global manga avec sa série Debaser). Trois tables rondes (dont celle sur la profession de libraire spécialisé·e) et une conférence sur la fabrication des mangas complètent un programme surtout rythmé par les diffusions d’animés. Pour avoir plus de détails sur cette édition, le mieux est d’aller lire ce qui est disponible sur Mangaverse (notamment pour y lire les comptes rendus détaillés sur la table ronde concernant le métier de libraire et la Rencontre Internationale d’Hiroshi Hirata). Il y a également la page dédiée sur le mini-site « Mangaverse à ».

En dehors du Manga Building, la bande dessinée asiatique est présente dans au Monde des bulles grâce à quatre stands d’éditeurs spécialisés : Pika, Taïfu, Tonkam et Xiao Pan. L’absence de Kana, de Kurokawa, de SeeBD (qui a fait faillite en juillet 2008) et des autres se fait bien sentir pour les fans de manga et de manhwa même si, bien entendu, Casterman, Delcourt, Glénat, Milan, Panini et Soleil ont leur corner dédié. Dans la Bulle du nouveau monde, Le Lézard Noir fait sa première apparition au festival, permettant la présence du manga alternatif en l’absence d’IMHO. L’éditeur coréen Sai Comics permet aux festivaliers de découvrir la bande dessinée coréenne indépendante au Musée du papier, avec une dizaine d’auteur·e·s présent·e·s pour l’occasion, notamment pour réaliser une grande fresque collective. Au Pavillon Jeunes Talents, les fans de Murata Range peuvent assister le vendredi à une masterclass quelque peu silencieuse tant l’auteur est peu bavard sur son travail. Heureusement que Méko, l’animateur, est là pour donner un peu de vie à l’exercice. Les amatrices et les amateurs de Kiriko Nananan peuvent voir une exposition dédiée à la mangaka à la Cité Internationale de la Bande Dessinée et de l’Image. Enfin, il est possible de faire le plein de goodies et produits dérivés à l’Espace Para-BD grâce à Asian Alternative et Mangashop (les deux enseignes n’existent plus depuis pas mal de temps).

N’oublions pas qu’un manga est au palmarès en 2009 : Opération mort de Shigeru Mizuki (Cornélius) remporte l’Essentiel Patrimoine.

La troisième année

Pour la troisième et dernière fois (mais nous ne le savons pas encore), la bande dessinée asiatique s’installe au sein de l’Espace Franquin, qui se transforme donc durant le festival en Manga Building. Cette année, c’est la série au succès international One Piece qui est à l’honneur. N’oublions pas qu’en 2010, la série est déjà en (long) cours depuis plus de neuf années. Le thème des pirates s’est bien sûr imposé, comme le montre la première salle. Julien Bastide et Nathalie Bougon, les commissaires, nous présentent ensuite l’univers d’Eiichirô Oda. Après deux excellentes expositions, il est impossible de ne pas être déçu par celle consacrée à Luffy et ses petits camarades. Outre un certain désintérêt de la délégation mangaversienne pour le titre, c’est le contenu de l’exposition, bien moins riche que les précédentes, qui pose peut-être problème avec son impression de trop peu. En ce qui concerne les invités, il n’y en a qu’un mais il est de qualité : Makoto Yukimura (Vinland Saga). Il est accompagné de son éditeur japonais, Mikito Takase (de Kodansha). Certes, le programme reste copieux mais il est indéniablement en deçà des deux années précédentes (par exemple, il y a beaucoup moins de diffusions). Heureusement, les excellentes performances de Grégoire Hellot, en tant qu’animateur et interprète, est l’assurance d’avoir des rencontres agréables à suivre, notamment celle entre le mangaka et Jean-David Morvan. Accordons une mention spéciale à la conférence sur le métier de tantosha donnée par Mikito Takase, mettant en lumière un des métiers méconnus de l’édition de manga au Japon. Bien entendu, l’habituelle exposition secondaire du Manga Building est consacrée à Vinland Saga. À titre personnel, c’est pour moi l’occasion de donner ma première conférence à Angoulême, et elle porte sur le shôjo manga, un domaine de la bande dessinée japonais mal perçu dans nos contrées. Notons enfin l’absence du stand Animeland, remplacé par un espace de vente proposant de nombreux titres, à commencer par One Piece et Vinland Saga. Toutefois, l’avantage d’un programme allégé de rencontres avec des auteur·e·s asiatiques permet de passer plus de temps sur les autres espaces du festival et de se consacrer aux autres bandes dessinées du monde entier.

Trois premières nous intéressent tout particulièrement : les Éditions Fei (créées par Xu Ge Fei en 2009) sont présentes au festival et proposent un excellent premier titre : Juge Bao qui bénéficie d’une petite exposition à l’accueil de l’Hôtel de Ville. La série est scénarisée par un Français, Patrick Marty, et dessiné par un Chinois, Nie Chongrui. Une autre première, dont l’importance pour le manga ne se révélera que les années suivantes, est la participation du Musée d’Angoulême au festival en mettant à la disposition de l’organisation un espace d’exposition. En 2010, une petite exposition centrée sur le Louvre permet d’admirer une illustration de Hirohiko Araki qui a réalisé la BD Rohan au Louvre dans le cadre d’une opération montée entre le Louvre, Futuropolis et Shueisha. Bien plus intéressante est la troisième première : c’est l’ouverture dans des anciens chais du Musée de la Bande Dessinée, devenant une des principales composantes de la CIBDI. L’exposition « Cent pour cent » permet de découvrir de nombreuses planches hommages réalisées par des auteurs chinois , coréens et japonais dont Ahko, Kazuichi Hanawa, Kan Takahama, Kim Dong Hwa, Laï Tat Tat Wing, Hideji Oda et Yao Feila. Il y a même un Vietnamien (Mangasia, l’ouvrage de Paul Gravett sur la bande dessinée asiatique nous montrera quelques années plus tard l’importance du médium au Vietnam) : Thi Mai Moa N’Guyen. En ce qui concerne les éditeurs présents à la manifestation, on reprend un peu les même qu’en 2009, Tonkam et Taïfu en moins. Milan abandonne ses collections asiatiques. Bref, le Festival d’Angoulême, malgré le succès de fréquentation du Manga Building, n’arrive toujours pas à donner une place réellement importante à la bande dessinée asiatique, bien au contraire…

Pour l’édition 2010, il est aussi possible de lire le compte rendu sur le mini-site dédié « Mangaverse à ». La première partie de ce dossier couvrant vingt ans de bandes dessinées asiatiques est disponible ici et la partie 2A est disponible . La troisième partie, à venir en décembre, couvrira les années 2011 à 2015. Merci à Manuka pour sa relecture et à Tanuki pour sa documentation. Enfin, j’adresse tous mes remerciements au FIBD et à ses différentes organisations dont 9e Art+.


3 ans !

Cette semaine, ce blog a fêté son troisième anniversaire. Je l’ai lancé le 23 octobre 2017 pour pouvoir écrire sur différents sujets culturels sans avoir de comptes à rendre au rédacteur en chef, même bienveillant, d’un site web (exemple : du9.org en ce qui concerne la bande dessinée sous toutes ses formes), et en compensation d’un forum de Mangaverse bien déserté à cause du raz de marée des réseaux sociaux (Twitter, Facebook, etc.) qui a balayé le « vieil internet » de la première moitié des années 2000. Ce besoin d’écrire et de communiquer sur ce qui n’est jamais qu’un passe-temps (une passion devrais-je dire) était alors revenu, peut-être plus fort que jamais. Trois années plus tard, ce besoin est toujours présent, malgré quelques désenchantements sur lesquels je reviendrai un peu plus tard.

Pour marquer le coup, je viens de passer le plan du blog de gratuit à premium malgré un coût prohibitif pour le peu de fonctionnalités ajoutées. Ainsi, mes visiteuses et visiteurs n’auront plus à subir de publicités, j’ai enfin la possibilité de modifier le CSS du site (ce n’est pas simple) et j’ai un nom de domaine dédié (ce dont je me fiche un peu). J’ai décidé de garder le thème Circa (gratuit), les 200 (ce qui fait peu en réalité) autres qui me sont désormais accessibles ne me convenant pas. En effet, malgré ses petits défauts, notamment d’accessibilité immédiate aux anciens textes, c’est celui qui me plait le plus pour son esthétique dépouillée, sa simplicité et facilité de lecture. C’est donc à vous, lectrices et lecteurs, de faire l’effort d’aller chercher les articles qui pourraient vous intéresser. Néanmoins, il y a quelques mois, j’ai ajouté une table des matières thématique permettant une meilleure vue d’ensemble et de retrouver plus facilement tel dossier ou telle chronique.

Trois ans, donc ! Avec ce petit recul, il est possible de faire un premier bilan. Tout d’abord, le nombre de visites (et de vues) progresse gentiment d’année en année, ce qui est plutôt encourageant. Certes, cela ne monte pas bien haut mais n’ayant aucune idée de la fréquentation que peut avoir un blog manga « tendance élitiste », je ne sais pas si je dois me désespérer de ne pas trouver une audience importante (toutefois, je prévois de travailler le SEO du blog). De toute façon, je ne cherche pas à monétiser mes propos, je communique peu sur les réseaux sociaux et je ne publie pas régulièrement des billets créant un effet de « rendez-vous ». Je ne cherche pas non plus à rejoindre des communautés de blogueuses et de blogueurs (et de faire des échanges de lien, à supposer que ça se fasse encore), je ne cherche pas à faire ami-ami avec quiconque. Mes rares commentaires sur d’autres blogs consistent surtout à relever des erreurs, ce qui n’est pas le meilleur moyen de se faire apprécier. Bref, j’ai l’impression que mes statistiques de visites ne sont pas bonnes mais je fais avec. N’oublions pas qu’il me reste deux mois pour les améliorer 😃.

Néanmoins, cela n’interdit pas de s’amuser un peu avec ces trois années de statistiques. Si l’année 2017 ne présente que six billets, cela représente une moyenne de trois par mois, rythme devenu impossible à suivre. J’aimerai avoir un rythme bimensuel, mais je n’y arrive pas. Cela a été particulièrement vrai en 2019 avec seulement quinze articles. En 2020, je pense que j’arriverai à en totaliser une vingtaine, mais guère plus. Il faut dire que je passe de plus en plus de temps à leur rédaction, comme le montre la colonne « Mots en moyenne ». En effet, outre m’obliger à écrire (c’est-à-dire pratiquer une activité intellectuelle), un des buts de mes billets WordPress est d’apprendre en effectuant quelques recherches préalables. Cela me permet, par exemple, de mieux comprendre telle bande dessinée chroniquée et d’en proposer quelques clés de lecture. C’est ainsi que mes chroniques BD de 2020 ont cherché à aller plus loin que de donner simplement des impressions de lecture. Bien entendu, tous mes textes regroupés dans la catégorie « Dossiers » relèvent de cette même démarche : apprendre. C’est aussi pour cela que j’accepte des thèmes imposés pour mes conférences à Angoulême ou à Cherisy Manga. Je n’y connais pas grand chose ? Pas de soucis, il suffit d’apprendre ! J’applique ici l’adage de Mangaverse : « la curiosité n’est pas un défaut ». Le petit inconvénient d’une telle démarche : cela prend un temps de folie. Pour ma dernière conférence, j’estime que j’ai passé au moins trois jours pleins à réfléchir, faire des recherches, rédiger, rechercher des illustrations et réaliser un visuel d’une quinzaine de diapos.

Cela représente donc beaucoup de travail pour un retour quasi inexistant. En effet, comme le montre le tableau des articles, mes billets reçoivent très peu de mentions « J’aime » et à peine plus de commentaires (et encore, je réponds systématiquement, ce qui gonfle les stats). Avant de me pencher sérieusement sur le sujet, je pensais que la chute que l’on peut observer en 2019 était en grande partie imputable à la défection de a-yin et de Shermane étant donné qu’elles avaient décidé de prendre « du recul » avec les blogs et que je perdais ainsi deux contributrices importantes en matière de « J’aime » et de commentaires. En fait, non. Je pense maintenant que je suis le seul responsable de cette chute en 2019 en ayant fait trop de dossiers et pas assez de textes plus fédérateurs comme des chroniques ou des bilans (mais bon, Shermane n’est pas innocente quand même… 😁 ). Heureusement, alamenthe est venue compenser cette défection. Quoi qu’il en soit, ce défaut de réaction et d’échange est ce qui me manque le plus comparé aux bons vieux forums phpBB comme celui de Mangaverse.

Il ne me reste plus qu’à faire mieux durant les douze prochains mois. Pour cela, il va falloir que mon billet sur Dorohedoro continue à faire venir beaucoup de monde grâce à Google. En 2020, ce texte représente 502 vues au 24 octobre (60 en 2019), grâce à l’animé diffusé par Netflix. Combien de ces personnes ont pris la peine de lire mes propos sur le dernier tome de la version française au format « papier », je me le demande… Ensuite, vient Game avec 131 vues (231 en 2019, 271 en 2018). Mon coup de gueule envers la communication d’Akata continue à avoir son petit succès, preuve que la série doit bien se vendre. La troisième place est occupée par mon dossier sur le manfra, ce qui illustre bien la montée en puissance de la bande dessinée francophone d’inspiration manga (119 vues en 2020, 95 en 2019). Mes autres articles tournent à un peu plus de 70 vues (entre 60 et 70 en 2019). En fait, tous ont peut-être plus de lecture que je ne le pense car la page d’accueil permet de lire l’intégralité des billets grâce à un scrolling infini et c’est elle qui obtient les meilleurs scores : 678 vues en 2020 (il devrait y en avoir environ 900 à la fin de l’année), 722 en 2019 et 589 en 2018.

Terminons sur les référents, c’est-à-dire, d’où viennent les visiteuses et les visiteurs. La moitié des vues (47%) provient des moteurs de recherche, de Google pour la quasi-totalité. L’autre moitié regroupe Facebook (j’y annonce systématiquement mes billets) pour 17%, les forums de Mangaverse pour 16% et de bulledair.com pour 7% (je poste dans les sujets dédiés lorsque c’est en rapport avec la bande dessinée), Twitter pour 5% (là, c’est surtout grâce à a-yin). Viennent ensuite le lecteur WordPress pour 1,7% (mes quelques abonnés, j’imagine) et le forum de bdgest.com pour 1,6%. Le reste compte pour moins de 1%. Cependant, je ne suis pas peu fier des deux vues venues de Wikipedia et de celle venue du blog de Marc Lizano.

Concernant l’origine géographique, la France apporte 76% des vues, très loin devant la Belgique (4,9%), la Suisse (3,3%), le Japon (3%), la Réunion (2,9%), les États-Unis (2,6%) et le Canada (1,2%). Ensuite, à moins de 1%, viennent l’Espagne, la Côte d’Ivoire, le Portugal, Hong-Kong, les Pays-Bas, le Royaume-Unis, la Chine, le Maroc, l’Italie, l’Allemagne et l’Algérie. Une grosse cinquantaine de localisations suivent avec un pourcentage qui va de 0,2% à 0,01%.

Toutes ces considérations ne font que renforcer ma détermination à continuer à proposer des billets variés : outre la suite de l’histoire de la BD asiatique à Angoulême, j’en ai deux en préparation sur la musique (enfin, ce que certains appellent du « bruit de machine à laver »), un sur les revues vidéoludiques des années 1980-2000 (séquence souvenirs), plusieurs chroniques (BD, manga, romans de SF, etc.), et bien d’autres choses encore. Sans parler des inévitables bilans de fin d’année (celui de 2020 portera sur mes lectures de bandes dessinées de tous pays).

Le manga, un phénomène de mode ? (partie 2/2)

Voici donc la seconde partie de ma conférence donnée à l’occasion de la deuxième édition de Cherisy Manga. Elle se focalise sur les relations entre le monde du manga et l’univers de la mode.

Le manga et la mode, le phénomène du cosplay

Avant de nous intéresser à la mode (vestimentaire) dans le manga (et au manga dans la mode), intéressons-nous un peu au cosplay. Le succès mondial rencontré par cette activité a sans nul doute aidé à la diffusion de la culture manga dans le monde de la haute couture, le lien étant le vêtement et sa réalisation sur mesure. Le terme est un mot-valise combinant les termes anglais « costume » et « play », faisant ainsi référence au fait de jouer un personnage issu d’un anime, d’un manga, d’un jeu vidéo ou d’un film / série tout en portant le costume correspondant. C’est un loisir apparu aux États-Unis dans les conventions de science-fiction à la fin des années 1930. Il a commencé à être notable au Japon durant la deuxième moitié des années 1970, après la création du Comiket. Le terme a été inventé par un journaliste japonais en 1984 dans un article relatant sa visite de la 42e WorldCon à Los Angeles. Le phénomène a continué à se développer au Japon durant les années 1980 et surtout 1990 puis il s’est répandu dans le monde occidental grâce au succès rencontré par les anime et les mangas avec Naruto et Sailor Moon en chefs de file, sans oublier les jeux vidéo japonais tels que Final Fantasy et Street Fighter. Au Japon, de nombreuses manifestations de cosplay sont organisées à Ikebukuro, un des quartiers de Tokyo réputé pour ses magasins dédiés à l’univers des animés, du jeu vidéo et du manga.

En France, c’est à la Japan Expo, fameuse convention dédiée aux cultures populaires, notamment venues du Japon, que vous croiserez le plus de cosplayers et cosplayeuses. Existant depuis plus de vingt ans, la manifestation a su capitaliser sur l’engouement occidental pour la culture manga et accompagner le développement du cosplay en Europe. C’est ainsi qu’on peut y trouver plusieurs zones proposant des défilés libres ou des spectacles, sans oublier des concours. Un village dédié regroupe des stands d’associations, d’exposants et des ateliers, ce qui permet d’obtenir des informations ou d’acheter costumes et accessoires. Ainsi, une communauté peut se retrouver et échanger autour de sa passion. Si le cosplay est avant tout un loisir qui permet non pas de se déguiser mais d’incarner un personnage, il s’agit aussi de s’habiller, de porter des vêtements, et même de les réaliser. Il est important de fabriquer soi-même le costume que l’on portera (pour concourir, il faut en réaliser soi-même au moins 80%). Il y a là un pont incontestable vers la mode vestimentaire.

Un manga sur le cosplay

En français, il est possible de lire une série dédiée au monde du cosplay. Il s’agit de Sexy Cosplay Doll qui parait chez Kana depuis 2019. Il s’agit d’un titre qui s’adresse à un public adolescent, plutôt masculin même s’il est réalisé par une femme qui s’est spécialisée dans les mangas un peu sexy. Cela ne l’empêche pas de proposer une histoire avec du contenu, notamment en expliquant de façon détaillée le monde du cosplay. Son récit met en scène Wakana Gojo, un lycéen plutôt solitaire. Il faut dire que sa passion pour la confection des vêtements pour les poupées traditionnelles japonaises n’est pas banale. Il y a aussi Marine Kitagawa, une des filles les plus populaires de l’établissement scolaire. Extrêmement mignonne, soignée, extravertie, amicale et pleine d’énergie, elle n’a aucune difficulté à établir des relations amicales avec ses congénères. Elle arrive même à adresser la parole à un loser comme Wakana. Pourtant, elle cache un secret : elle est fan d’anime mais aussi de jeux vidéo, notamment de dating games érotiques, passion peu banale pour une jeune fille. Surtout, elle rêve de pouvoir faire du cosplay. Problème : Marine est incapable de confectionner le moindre vêtement. Qu’à cela ne tienne, Wakana est là ! En fait, ils étaient destinés à se rencontrer malgré leurs différences…

Au fil des tomes, la mangaka explique ce qu’est le cosplay, comment on réalise des costumes, ce qui motive les jeunes filles (et quelques garçons) à se consacrer à un loisir qui demande beaucoup d’investissement personnel. En effet, celui-ci se fait à la fois en temps, en compétence et en argent. Il y a tout d’abord un aspect communautaire qui permet d’échanger autour d’une passion. Il s’agit aussi de partager d’une passion, que celle-ci se fasse virtuellement via le partage de photos, ou réellement lors des nombreuses manifestations organisées ici ou là. Si cela commence par le biais des réseaux sociaux, un besoin de se retrouver entre pairs se fait rapidement sentir. Le cosplay inclut ainsi de rejoindre une communauté permettant de vivre des expériences sortant de l’ordinaire. De ce fait, de nombreuses conventions, comme à Cherisy Manga, propose des activités de cosplay, à commencer par un défilé. C’est une activité qui permet aussi de s’affranchir temporairement de l’obligation à répondre à une certaine image. Cela est encore plus vrai au Japon où cette obligation d’apparence est omniprésente à l’école comme au travail : l’habit définit la fonction et correspond à un positionnement social. Le cosplay fait fi de ces conventions.

Le manga et la mode, l’appropriation par les couturiers

Le succès au Japon et dans le reste du monde du manga et de sa culture, dont le cosplay, a fini par attirer l’attention des créateurs de mode. C’est ainsi que depuis le début des années 2010, des créations rendent hommage à la culture manga ou sont conçues sous influence. Cela a commencé par des marques japonaises de streetwear comme ALOYE et BAPE qui ont proposé des sweats et des teeshirts issus de mangas tels que One Piece ou Dragon Ball. ALOYE, en son temps, avait rendu hommage au manga Doraemon. Depuis quelques années, Uniqlo n’est pas en reste avec ses teeshirts en séries limités basé sur les personnages de tel ou telle mangaka comme Tayou Matsumoto ou Ai Yazawa. Notons aussi en 2017 la création d’une collection Akira (de Katsuhiro Otomo) par la marque américaine Supreme. Néanmoins, il s’agit là de simplement imprimer des illustrations (commandées spécialement ou non), pas d’une réelle collaboration, d’une création commune.

Cependant, le streetwear n’est pas le seul domaine de la mode à s’intéresser à l’univers du manga. En 2007, Prada avait conçu des vêtements pour le film d’animation Appleseed Ex Machina. Cette connexion de l’univers du manga avec la mode est devenue encore plus manifeste lorsqu’en 2015, dans un sens inverse, Louis Vuitton, sous l’influence de son directeur des collections Femme, a choisi Lightning du jeu vidéo Final Fantasy XIII pour présenter la collection de sac à main SERIES 4.

Surtout, en 2011 Gucci demande à Hirohiko Araki, l’auteur de Jojo’s Bizarre Adventure de participer à la création d’une collection. Il faut dire que ce dernier s’inspire depuis toujours de la Haute Couture pour vêtir ses personnages et qu’il apporte toujours un grand soin et une imagination certaine pour dessiner les vêtements. Il y a là une véritable collaboration entre une maque de haute couture et un mangaka. En 2015, le couturier Julien David propose une série de manteaux incorporant des images de Goldorak. D’autres acteurs du monde de la mode suivent, comme la maison italienne MSGN qui propose en 2017 des vestes à l’effigie d’Olive et Tom.

Le manga et la mode

La mode (ou le mannequinat) est au centre du récit de quelques mangas disponibles en français. Citons par exemple Gokinjo, une vie de quartier d’Ai Yazawa, Complex de Kumiko Kikuchi et Fashion Doll de Mea Sakisaka, trois shôjo manga aux qualités diverses, sans oublier Les talons aiguilles rouges de Chise Ogawa (un yaoi). À ces quatre titres, ajoutons-en trois qui sortent du lot : Paradise Kiss d’Ai Yazawa, Princess Jellyfish d’Akiko Igashimura et Shine de Kotoba Inoya.

Paradise Kiss

Yukari Hayasaka est une lycéenne un peu asociale quoique très jolie qui passe son temps à étudier pour préparer les concours d’entrée à l’université. Suite à une rencontre bouleversante à plus d’un titre (elle s’évanouit sous le choc), elle se retrouve au Paradise Kiss, un ancien bar devenu l’Atelier qui sert d’atelier de couture à une bande d’étudiants d’une école de mode en train de préparer leur création de fin d’étude (une robe). Elle fait ainsi la connaissance d’Isabella, le travesti, Arashi, le garçon, et Miwako, la copine de ce dernier, qui voient en Yukari le mannequin idéal. C’est alors le début d’une aventure exaltante et la découverte de l’amour grâce à George, le créateur de la robe.

Paradise Kiss est un manga disponible en une grosse intégrale chez Kana et qui commence à devenir assez ancien (en VO, il date du début des années 2000). Il a la particularité d’avoir été prépublié dans un magazine de mode (Zipper) et non pas un mangashi (une des innombrables revues manga japonaises). De ce fait, on ne peut pas lui appliquer les classifications habituelles : ce n’est ni du shôjo manga ni du josei, encore moins du seinen. Notons que la série Gokinjo, une vie de quartier se déroule dans le même univers (l’école de mode Yazawa) et a été publiée quelques années auparavant. Ai Yazawa est connue en francophonie pour sa série Nana (toujours en en pause) qui a permis l’émergence du shôjo manga (dans sa version livre) dans nos contrées en étant un des premiers grands succès commerciaux du genre. Cette autrice, fan de mode, propose un dessin personnel réussi (moins à ses débuts) que l’on reconnait immédiatement. Elle apporte un grand soin aux costumes de ses personnages, exprimant ainsi son intérêt pour les vêtements.

Princess Jellyfish

Tsukimi Kurashita est une otaku très timide qui rêve de devenir dessinatrice. Elle s’est installée dans une pension interdite aux garçons, ce qui l’arrange bien car ceux-ci ne l’intéressent pas. La réciproque risque d’être vraie tant elle ne sait pas s’habiller, ne se maquille jamais et ne s’intéresse qu’aux méduses. Les autres pensionnaires sont toutes des otaku plus déjantées les unes que les autres et toutes ont trouvé un havre de paix avec la résidence Amamizu. C’est alors que débarque Kuranosuke, une jolie fille très apprêtée et passionnée par la mode. Or, Tsukumi va s’apercevoir que Kuranosuke est en réalité un garçon travesti issu d’une riche et influente famille de politiciens. C’est alors que Tsukumi va découvrir le fascinant monde de la création et l’amour.

Prépubliée dans un magazine de josei manga entre 2008 et 2017, Princess Jellyfish totalise dix-sept tomes publiés en français entre 2011 et 2019 par Akata-Delcourt (malheureusement, le titre devient difficile à trouver intégralement), La série a permis à son autrice, Akiko Igashimura, d’exprimer ton amour pour la mode et la couture. En effet, avant de devenir mangaka, elle s’était prise de passion pour la confection de vêtements. Il en résulte une série qui montre bien toute la difficulté de créer des robes et surtout de les réaliser, la couture demandant de maîtriser de nombreuses connaissances, encore plus si on veut exposer ses créations. Avec un humour très efficace et une galerie de personnages hauts en couleurs l’autrice nous propose une excellente série de bout en bout (à l’exception d’un petit passage à vide).

Shine

Nous suivons le parcours de deux lycéens, Ikuto Tsumura, un garçon qui rêve de devenir styliste, et Chiyuki Fujito qui veut devenir mannequin de haute couture et de défiler à Paris malgré sa petite taille. Cette dernière, étant la fille du dirigeant de l’agence de mannequinat Mille Neige, subit son entourage depuis qu’elle a cessé de grandir : en effet, tout le monde l’incite à abandonner son rêve malgré sa prestance. Ikuto, lui, pense que sa situation familiale et sa pauvreté ne lui permettront jamais de faire des études de mode. Pourtant, en refusant l’évidence, les deux adolescents vont réussir à surmonter les obstacles les uns après les autres grâce à leur talent, leur courage et leur persévérance.

Le manga est toujours en cours au Japon et compte quinze tomes (pour l’instant). Il a débuté en 2017 dans Weekly Shōnen Magazine. Contrairement à ce qu’affirme l’éditeur français, nobi-nobi !, c’est un titre qui s’adresse aux garçons, ce n’est en aucun cas un shôjo manga. Mais pour certains esprits peu éclairés, la mode, c’est un truc de filles, n’est-ce pas ? D’ailleurs, le traitement narratif et graphique, la construction de l’histoire et la mise en avant des valeurs de persévérance permettant de passer les différents obstacles qui se dressent sur le chemin vers la réalisation de ses rêves (ou de sa destinée) sont typiques du shônen manga. Cela n’empêche pas d’apprécier une série qui n’est pas sans qualité, une fois que l’on fait l’impasse sur certaines situations et que l’on admet le talent quasiment inné dont font preuve les deux protagonistes.